"¡Viva el vino!" (Mariano Rajoy, 2007)

Waterworld

Kevin Reynolds, 1995
A principios de los 90 me harté de Kevin Costner, su Robin Hood me tiró de espaldas y su tendencia al exceso con los westerns de cuatro horas (Bailando con lobos, Wyatt Earp) habían acabado con mi paciencia. Cuando salió Waterworld dirigida por el inefable Kevin Reynolds me dije que me plantaba y pasé de ella. Nada menos que 13 años después he sentido curiosidad, en un pase de TV ví algunas escenas que parecían divertidas y me decidí a revisarla, también porque pese a que fue masacrada por la crítica en su día, últimamente parece que se la mira menos despectivamente. Por cierto que en su momento fue la película más cara de la historia del cine: 180 millones de dólares (¡de entonces!).

La historia se ambienta en un futuro cercano post-apocalíptico. El mundo se encuentra cubierto por las aguas (ya sabéis: un Mad Max sobre el mar) y grupos de humanos sobreviven a bordo de extrañas embarcaciones y fortalezas flotantes. Una niña parece ser la clave para encontrar el último reducto de tierra firme al llevar tatuado un mapa que nadie parece saber descifrar. Los 'smokers' o piratas la buscan a toda costa mientras el personaje de Costner y sus amigos buscan por su lado. Y si no doy más detalles del argumento es porque poco más hay.....

-Conster mostrando su desacuerdo con los críticos en una rueda de prensa frente al decorado principal-

Visualmente tiene cierto atractivo en las descacharrantes embarcaciones o esa fortaleza marítima (por no hablar de los medios aéreos), aunque cuesta encontrar en que se gastaron los 180 millones. La cinta es puro espíritu lúdico, pero del que evita definir más de la cuenta los personajes y caricaturiza a su antagonista pasándolo de rosca (un esforzado Dennis Hopper haciendo lo que puede). Ridícula e imposible de tomar en serio (nada se explica por ejemplo de los 'smokers' o sus motivaciones), menos mal del slapstick de los momentos finales con ese petrolero impulsado ¡a remos!, esas escenas de Costner a lo Indy persiguiendo un avión o el antológico final del malo maloso en ese choque de motos acuáticas, auténtica carnaza de top-10 de escenas más estúpidas de la historia del cine.

-Dennis Hopper en plena (sobre)actuación: ¿donde me he metido?, madre mia...-

Nada, que la crítica de la época tenia razón y esas reivindicaciones no se a que narices vienen. Ya está bien ahí olvidadita. Le subo un punto por las risas de algunas escenas no especialmente pensadas para hacer reír, pero es lo que tiene mover un petrolero a remos.
Valoración: 4/10
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La Vampiresa Desnuda (La Vampire Nue)

Jean Rollin, 1970
Esto de las colecciones de DVD con la prensa tiene que al precio que han llegado (1€) ya te compras casi cualquier cosa. En concreto de la colección de cine erótico de El País, me he comprado los tres títulos de Borowczyk (ya sabéis, "La bestia") y poco más. Pero el otro día veo una con carátula absolutamente irresistible en onda psicodélico-setentera. Leo la sinopsis posterior y dice: "...mezcla el vampirismo con elementos de ciencia ficción y erotismo en una bella y estilizada fusión de surrealismo y bizare...", con lo cual eurillo para el quioskero y DVD pa casa.

Obviamente la película es una castaña del tamaño de un mojón de elefante (sinceramente cualquier otra cosa me hubiera sorprendido), y eso que tiene algunos puntos argumentales francamente interesantes como una secta en cuyas reuniones se realiza un sorteo en el cual "el ganador" sale de entre el grupo y procede a volarse la sesera. Pero es que hasta llegar aquí hemos tenido minutadas de persecuciones con bizarras máscaras, primeros planos de tetas y culos (que lamentablemente no pertenecían a una señorita demasiado afortunada con lo cual no suben nota), y torpes, torpísimas actuaciones. Todo ello aderezado por ingredientes como vampirismo, experimentos de laboratorio, un castillo donde la secta es atacada por unos extraños personajes inmunes a los disparos (aunque a esas cutre pistolas que ni hacen ruido creo que soy inmune hasta yo), y el elemento de ciencia ficción anunciado en la carátula (francamente decepcionante).

No os hago perder más el tiempo con este engendro, que creo que ni siquiera sirve para que el amigo Quimérico Inquilino vea si se le puede sacar punta desde el punto de vista frikioso en su recomendable Madhouse.

Ah! y además sin que sirva de precedente mi becario me va a ayudar a hacer la crítica (en pie por favor):



Valoración: 2/10
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The Fall: El sueño de Alexandria (The Fall)

Tarsem Singh, 2006
Tarsem Sigh es uno de los más reputados directores de vídeos musicales y anuncios publicitarios. Con una experiencia previa en el cine (la discreta "La Celda"), se pasó años buscando financiación de forma infructuosa para su sueño: rodar "The Fall". Finalmente, harto de esperar decide hipotecar todo lo que ha conseguido reunir durante sus años publicitarios y autofinanciar la película, recorriendo para ello 28 países durante cuatro años para filmar en las más increíbles localizaciones naturales y los más inimaginables edificios antiguos. El resultado es esta obra magistral que como suele ser habitual ha pasado completamente desapercibida: 9000 espectadores fueron a verla en su estreno en salas el pasado Noviembre. Y aún gracias que llegó a estrenarse, dos años le costó encontrar distribuidor pese a algunos premios importantes como el de mejor película en Sitges 2007. Ahora se acaba de lanzar en DVD, y no puedo más que recomendar que corráis a por ella.

-Nuestros héroes a punto para su heróica búsqueda-

"The Fall" es la historia de Alexandria (Catinca Untaru), una niña que está internada en un hospital de Los Angeles. Allí rompe su monótona vida visitando a Roy (Lee Pace), un especialista de cine que ha sufrido un grave accidente y que le ameniza la estancia explicándole increíbles aventuras fantásticas. Éstas aventuras se escenifican desde la visión de la niña y consisten en las peripecias de una serie de extraños personajes que han sido todos ellos gravemente ofendidos por un dictador (¡español!), al que buscan incansablemente por todo el mundo con ganas de venganza. Pronto la barrera entre la ficción y la realidad comenzará a hacerse más fina, y las frustraciones de Roy, junto con las ilusiones de Alexandria empezarán a modificar el relato y a fusionar personajes reales y ficticios.

-Cientos de soldados de Odio (así se llama el villano de la función) a punto de dar caza a nuestro artillero, allá ellos...-

La escenificación del relato fantástico es visualmente apabullante, con un diseño de vestuario, escenografía, y localizaciones naturales y de edificios absolutamente increíble, con maravillosos planos lejanísimos deudores de “Lawrence de Arabia” en donde se aprecian en todo su esplendor los vastos escenarios (Tarsem jura y perjura que no hay creaciones digitales, todos los escenarios son reales). Muchas veces estas películas de vocación esteticista son frías o vacías, pero es que en este caso los diferentes personajes están muy bien creados y sus aventuras siempre son amenas, divertidas, y en su tramo final, emotivas.

-Catinca Untaru, la auténtica estrella de la película-

Quizá la estructura narrativa donde vamos cambiando del escenario real a la aventura imaginada ayude a digerir la película, pero ésta funciona de forma increíble. Y a ello no es ajena la actuación de la niña, una de las mejores actuaciones infantiles que puedo recordar, hablando en todo momento como un niño, no como un adulto y transmitiendo mucho con su actuación (imprescindible ver en VO). Y como ingrediente adicional esa escena clave en stop-motion brillantemente animada de una operación que sufre Alexandria, y que resalta su confusa condición.

-Cientos de esclavos arrastrando el lujoso carruaje donde presuntamente viaja Odio-

Habrá quien vea excesos esteticistas que les aburran, quienes se sientan manipulados emocionalmente en algún momento de la historia, quienes le saquen mil peros, pero me da igual. "The Fall" es una rareza, un milagro, una maravilla que te hace disfrutar como un camello con esas aventuras visualmente increíbles, y emocionarte con la historia del mundo real. Y ese final.... uno de los más bonitos homenajes que he visto a todo lo que significa el cine, con esa proyección de cine mudo ante los enfermos del hospital y sus incrédulas caras, auténtico homenaje a "Los viajes de Sullivan" similar al que vimos hace poco en "Rebobine por favor".

-Aventura con MAYÚSCULAS: trepando por la fachada del palacio de la ciudad azul en busca de Odio-

Todo ello amenizado por una banda sonora (incluyendo pasajes de Beethoven) que te pone los pelos de punta y te deja un sabor de boca dulcísimo, sabedor de que has tenido la ocasión de disfrutar de una maravilla que muy pocos verán, mientras la mayoría se aborrega en las colas para ver "Transformers II".
Valoración: 9/10
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Que honor!!!



Pues a alguien (nada menos que a Angel "Verbal" Klint del gran blog cinéfilo El mundo de Angel) se le ha ocurrido considerar este humilde sitio entre sus blogs de referencia, y por ello me ha dedicado esta entrada.

Allí respondo a un cuestionario donde podréis conocer mi "ideología" cinematográfico-bloguera, os invito a leerlo si queréis conocerme un poquito más.

Un saludo y gracias a Angel y a todos los que me léeis.

Muerte entre las flores (Miller's crossing)

Joel Coen, 1990
Tras encontrar el éxito con "Arizona Baby" pocos podían esperar que los Coen lo utilizaran para conseguir realizar un proyecto tan ambicioso y personal como "Muerte entre las flores" (al gracioso de los títulos españoles ya lo conocemos... ¿donde están las flores en el cruce de Miller?). Si en "Sangre fácil" exploraron el cine negro en su vertiente más pasional y minimalista, aquí se acercan al género con una compleja historia de bandas enfrentadas, traiciones, venganzas y corrupción política en la mejor tradición de "El Padrino".

El peso de la historia recae sobre Tom Reagan (Gabriel Byrne), quien sirve a Leo (Albert Finney), jefe de la banda de irlandeses que domina la ciudad. Johnny Caspar (Jon Polito), jefe de la banda italiana rival, les informa de que van a asesinar a Bernie Bernbaum (John Turturro), un soplón que se encarga de desmontar los tongos que Casper organiza en combates de boxeo, lo que desencadena una espiral de violencia apoyada por el cambiante apoyo político. Para complicar las cosas la hermana de Bernie, Verna Bernbaum (Marcia Gay Harden), realiza un doble juego como amante de Tom mientras es novia de Leo. Como vemos, solo el esbozo del argumento resulta difícil de digerir. "Muerte entre las flores" es un producto realmente ambicioso que requiere de una completa atención del espectador para poder seguir la historia y las motivaciones de los personajes, especialmente en el personaje principal, Tom, y su capacidad de salir adelante usando su inteligencia en ese mundo extremadamente violento sin apenas tener que empuñar una pistola.

-La escena clave del film, Tom a punto de cargarse a Bernie en Miller's Crossing... ¿lo hará?-

Los Coen ruedan usando un sobrio estilo de un clasicismo notable, lejano de los rápidos movimientos de cámara de anteriores propuestas, y apoyados por la inolvidable banda sonora de Carter Burwell, con ese brillante tema principal que escuchamos en los momentos clave, y otras secuencias importantes escenificadas al son de arias de ópera u otras músicas populares. A nivel conceptual es brillante el simbolismo del sombrero de Tom, lo vemos de mil y una formas en cada momento de peligro que éste atraviesa, y sabemos que su pérdida significaría su muerte.

-Tom persuadiendo a Casper para que obre a favor de sus intereses, ¿para que ensuciarse las manos? -

La película es recordada por un par de escenas antológicas, en una de ellas, Leo se ve atacado en su casa por dos matones y de forma inteligente consigue abatirlos. La resolución de esta escena es brillante y el matón atravesado por las balas disparando su ametralladora haciendo girar una lámpara con sus balazos queda como uno de los momentos mágicos del cine contemporáneo. En otra escena brillante, cuando Tom pasa a servir a Casper, éste le obliga a asesinar a Bernie en Miller's crossing como prueba de confianza. Ese paseo bajo los árboles, esa brillantísima actuación de Turturro suplicando perdón, ah! cine con mayúsculas.... Y como no puede ser de otra manera en el cine de estos autores, el humor negro, en este caso presente de forma sutil, pero siempre brillante.

-Lección de física, "Transmisión del movimiento": Leo ametralla al matón, el cual perforado cual Gruyere ametralla a su vez la lámpara, que gira impulsada por sus balazos, una máquina que ni el profesor Franz de Copenhague, oiga-

Aunque en ocasiones es todo un reto entender el doble juego que Tom práctica con los demás personajes (para nada un defecto de la cinta sino todo lo contrario, supone al espectador inteligente en contraposición con la mayoría de productos que no solo le suponen idiota sino intentan que usemos la inteligencia lo menos posible), las brillantes interpretaciones de nombres no demasiado conocidos en su momento, esa brillante puesta en escena y banda sonora, y en definitiva la brillante realización que preside todo el metraje hacen de "Miller's crossing" una de las cimas del cine de nuestros hermanos favoritos.
Valoración: 9/10

Ya sabéis que seguimos con el repaso a la filmografía de los hermanos Coen.
Próxima entrega: "Barton Fink" (1991).
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Cajón de Sastre II : El señor de las bestias, Appaloosa, Los héroes del tiempo, El lector, Terminator salvation


Bueno mis fieles seguidores, ha llegado la hora de la segunda entrega de esos cajones de sastre donde tienen cabida breves reseñas de películas que por los motivos que sean (entre los cuales no descarto la pereza) no se han hecho acreedoras de un "full review", así que aquí os dejo con la selección (esta vez como estamos a final de curso y yo fui a un colegio público tenemos "aprobados para todos"), ah! y el cartel preferido de entre las películas comentadas preside la entrada, a disfrutar:


El Señor de las Bestias (The Beastmaster)
Don Coscarelli, 1982
Seguramente el mejor de todos los exploits que intentaron aprovecharse del éxito de Conan. Éste Swords&Sorcery protagonizado por Marc Singer (el protagonista de la serie "V"), además de cumplir todas las convenciones del género (macizorra co-protagonista, tribus bárbaras, sacerdotes malvados....) aporta algunos elementos originales como las criaturas que se van usando a necesidad cual aventura gráfica : "águila rescatar niño" o "mustela roer cuerda". Algo cutrilla en cuanto a maquillajes y atrezzo, esa pomposa banda sonora y esas imágenes aéreas subjetivas del los vuelos del águila aún causan su efecto. Para cuando queráis poner las neuronas a descansar, no encontraréis mejor diversión y hasta os partiréis la caja con alguna cutrada.
Valoración: 5/10


Appaloosa
Ed Harris, 2008
Mira que tanto Ed Harris como Viggo Mortensen me caen bien y suelen escoger bien sus papeles (bueno Viggo últimamente anda algo perdido) pero mira que intenté meterme en este Western y no acabé de conectar ni con la historia ni con sus personajes, esa pareja de "Sheriffs" capaces de solucionar problemas imposibles (como la banda que tiene aterrorizado al pueblo que los contrata) y su peculiar relación y opuesta filosofía de vida. Con este planteamiento la cinta funciona bien como "una del oeste" de toda la vida con secuencias de tiros bastante molonas..... pero es aparecer por ahí Renée Zellweger haciendo muecas (no la soporto, lo siento) y pegar un bajón la película. Se han hecho mejores westerns recientemente como "El tren de las 3:10".
Valoración: 6/10


Los Héroes del Tiempo (Time Bandits)
Terry Gilliam, 1981
Una de las mejores de Gilliam, creador de mundos visuales únicos y siempre aportando personajes interesantes y diálogos ingeniosos (hilarante el napoleón acomplejado por su altura). La odisea de este niño transportado en el tiempo junto a una banda de enanos en una lucha fraticida entre las tradicionales fuerzas del bien y del mal se apuesta deliberadamente por los áspectos lúdicos de los viajes en el tiempo y pasa de complicaciones, aportando en cada una de las épocas revisadas situaciones interesantes y divertidas, y por supuesto, algunas escenas de gran poder visual marca de la casa, como ese caballo que irrumpe en la habitación del niño saliendo del armario, o la lucha de Sean Connery contra el minotauro en Creta, por no hablar de los gloriosos momentos de la lucha final. Una gozada.
Valoración: 8/10


El Lector (The Reader)
Stephen Daldry, 2008
La primera media hora donde se revisa "El graduado" en la relación entre el personaje de Kate Winslett y un adolescente es con diferencia lo mejor de la película, esas escenas tienen un magnetismo especial (y no lo digo por las carnes que se muestran). El posterior drama judicial y la relación a distancia que mantienen de por vida los protagonistas se siguen con interés pero la película se desinfla algo, quizá por lo poco creíble del maquillaje que envejece a Winslett (por lo demás brillante actuación). Bastante recomendable, aunque quizá no emociona como debería en su parte final.
Valoración: 7/10


Terminator Salvation (Terminator Salvation: The Future Begins)
McG, 2009
Mucho ruido y escasas nueces. Me da rabia que hayan sacrificado el espíritu lúdico de la saga original por un halo de transcendencia que no va más allá que el fruncir el ceño de los protagonistas. Con algún personaje nuevo interesante para darle algo de salsa a la trama (Marcus), pero con una historia harto improbable que se carga la premisa argumental de la saga (ahora John Connor debe rescatar a su futuro padre para que éste pueda engendrarlo... ¿mande?). Pero bueno nos quedamos con las espectaculares secuencias de acción y efectos que casi ni necesitan argumento para disfrutarse. Si lo tuviera ya sería la bomba.
Valoración: 5/10

Ben X

Nic Balthazar, 2007
Está claro que nada como salirse del cine made in Hollywood para encontrar propuestas originales. Bien sea por intereses comerciales o por falta de ideas últimamente los productos que nos llegan de aquellos lares respiran un tufillo a materiales ya vistos que echan para atrás. Ben-X es una propuesta belga que se presentó en 2007 a los Oscar como película de habla no inglesa (está hablada en flamenco), y como es natural no fue nominada (es una propuesta demasiado interesante para ello). Personalmente tenía algún recelo pero hay que decir de antemano que es un producto de lo más original y en su mayoría, satisfactorio.

Ben (Greg Timmermans) es un chico autista con los problemas de comunicación que ello conlleva, sin embargo cuando se sumerge en un videojuego on-line multijugador, Ben se olvida de sus problemas y consigue alcanzar los mayores triunfos. Por el contrario, en la vida real tiene graves problemas ya que sufre crueles situaciones de Bullying en su instituto que le acaban llevando a una situación límite. Un día conoce en la vida real a Scarlite, personaje femenino del juego con el que ha compartido múltiples aventuras quien le abre los ojos para encontrar solución a sus problemas.

-El Amigo Ben y su cuadro de control... ¿imaginario?-

Si el punto de partida argumental es interesante, igualmente lo es la estructura narrativa: La narración se intercala con fragmentos de un falso documental que relata el infierno que ha tenido que pasar el protagonista hasta conseguir tener diagnosticada su enfermedad, a la vez que asistimos a declaraciones de las personas cercanas a Ben donde reflexionan sobre algún tipo de suceso trágico del que no se da mucha información, pero que nos pone en alerta para los sucesos por venir. Y por supuesto, son muy interesantes todas las escenas donde vemos la realidad narrada usando elementos del videojuego como ciertos personajes o situaciones vistos dentro del mundo virtual o los iconos del juego superpuestos en la imagen real seleccionando las acciones que Ben realiza en todo momento.

-Los palurdos que se dedican a acosar a Ben es sus ratos libres-

Los dos primeros tercios de la película son francamente brillantes, la emotiva interpretación de Timmermans hace creíble al personaje y la cinta funciona realmente bien (siempre que nos creamos que haya gente capaz de ser tan cruel en el tema del Bullying, algo que no tengo elementos para juzgar). En cuanto aparece el personaje de Scarlite, la película va tomando otro cariz que nos lleva a la incredulidad de ver como ella es capaz de sustituir las ganas de suicidio de Ben por un aparatoso plan que mejor no comento a riesgo de reventar la película pero que nos deja con un par de narices. He de decir que esta resolución no me resulta del todo satisfactoria quizá por llevar la película a convenciones poco arriesgadas, pero se lo perdono. La originalidad de la historia y su satisfactoria puesta en escena merecen el mejor de los elogios, y en todo caso, siempre tendremos ese giro que se apunta en el último instante de la cinta y que quizá debería hacernos replantear gran parte de lo que hemos visto.
Valoración: 8/10
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El Barón Fantástico (Baron Prasil)

Karel Zeman, 1961
La figura del animador y realizador checoslovaco Karel Zeman, afortunadamente va siendo más conocida poco a poco, como mínimo se han editado en España sus principales obras (en ediciones fabulosas), y se empieza a hablar de él en blogs (aquí y aquí) y artículos de prensa. Dentro de nuestro repaso a las películas basadas en el personaje del barón de Munchausen, le toca el turno a “El barón fantástico” o “El barón de Munchausen”, según hagamos caso a la traducción original del título o al nuevo título para la edición en DVD, aunque en cualquier caso estamos hablando de “Baron Prasil” en su título original.

Estamos en la luna, un supuesto astronauta (Toni) se topa con los personajes de la novela de Julio Verne “De la tierra a la luna”, así como con Cyrano de Bergerac y un barón Munchausen a caballo. Se toman unas copillas, y el barón, tomándole por habitante lunar decide llevarlo a la tierra para que conozca los modos de vida terrestres. Aterrizan en Constantinopla donde Blanca, una princesa del harén se fija en Toni a quien le pide que la libere. El Barón le ayuda a raptarla mediante sutiles métodos como pasarse por la espada a medio ejercito (¡diez mil soldados!) aprovechando un apagón. Huyen a caballo, para embarcar en un velero que se ve inmerso en una emboscada de la inmensa armada turca. De nuevo el ingenio del barón los saca del atolladero provocando que los barcos turcos se masacren entre ellos. Huyen en botes, y son tragados por una ballena, en la cual recorren medio mundo.

-Arquitectura al carboncillo, ¿quien necesita escenarios CGI?-

Toni pretende usar sus conocimientos científicos para convertir el velero en barco de vapor, pero fracasa dándole la razón al barón, escéptico ante los adelantos técnicos (¿Quién los necesita cuando la fantasía puede obrar los mayores prodigios?). Después de una estimulante cabalgada en caballito de mar por los fondos marinos, nuestros amigos terminan en una fortaleza asediada por los turcos. El general a cargo desconoce la ubicación del enemigo, realizando el barón su famoso vuelo sobre una bala de cañón de ida y vuelta, dibujando durante el trayecto detallados planos de las posiciones enemigas, lo que le vale una condecoración cuya celebración provoca una increíble sucesión de acontecimientos que llevan a Toni de vuelta a la Luna junto con Blanca, consumándose el fracaso sentimental del barón.

-Los mecanismos del sultán, tecnología punta, oiga-

Desde luego si en algo destaca esta película es a nivel visual, con sus deslumbrantes decorados dibujados a mano sobre los que se mueven los personajes reales en perfecta integración. Zeman es el precursor de los mundos virtuales, ¿no es lo mismo un escenario dibujado que creado por ordenador?). Todas las escenas del palacio son de un derroche visual increíble, con un diseño heterogéneo que combina elementos arquitectónicos góticos, árabes, mesopotámicos, etc. en otra muestra de excentricidad. En otras muchas escenas se recurre a otro tipo de técnicas de animación, como en la brillante secuencia inicial del viaje de la luna a la tierra en un barco arrastrado por fantásticas criaturas animadas en stop-motion o en los curiosos mecanismos que el sultán tiene instalado en su palacio, animados de forma deslumbrante.

-La imaginativa puesta en escena es puro espectáculo-

Otros ejemplo son las secuencias submarinas, donde la animación tradicional de toda la vida se integra con los personajes reales, o los brillantes efectos de humo fotografiado a gran velocidad que causa un efecto hipnótico al reproducirse a velocidad normal. En este sentido una secuencia brillante utilizando esta técnica es la huida a caballo del palacio del sultán bajo un expansivo humo rojizo. Hay que decir que pese a que la mayoría de efectos visuales utilizados resultan de lo más atractivo (si se quiere algo Kitsch, pero indudablemente efectivos en sus recreaciones fantásticas), hay alguna secuencia cuyos efectos han quedado algo desfasados como la psicotrónica batalla del barón contra el ejército turco en la oscuridad, auténtica precursora de la psicodelia.

-No puede faltar el barón sobre la bala, ¡en este caso dibujando planos como si tal cosa!-

La frase del barón: "¡mover un barco con vapor!, para eso hace falta mucha fantasía..." mientras una criatura gigante le rapta en vuelo entre sus garras, capta la esencia de este barón critico con la ciencia, dudoso de su capacidad de generar fantasías. Igualmente se lamenta de que su frustrado amor, Blanca prefiera “esas tonterías sobre las máquinas” al romanticismo de sus duelos y batallas, es un barón atrapado en algún lugar del pasado en un tiempo cambiante. Destaca también la ironía con la que se expresa el personaje, muy logrado en todos sus diálogos pero especialmente brillante cuando critica a Toni por no saber en que mar se encuentran después de haber identificado éste los mares rojo, negro, etc. por el color de sus aguas. Brillante.

-Toni y Blanca de camino a la Luna tuneando armaduras medievales en trajes espaciales-

La película se recrea en ocasiones en el exhibicionismo visual (el viaje submarino, el palacio del sultán), desde luego que todas estas escenas merecen ser admiradas, pero esto hace que a la película le falte cierto ritmo. Sin embargo, esa visión personal del personaje y su mundo (siempre dentro de su idiosincrasia literaria), el imaginativo argumento tomando solo algunos puntos de referencia de los relatos originales y de-construyendo la historia, y por supuesto el planteamiento visual que por momentos hacen aproximarse la cinta a la obra de arte, hacen que esta segunda encarnación fílmica del personaje no desmerezca para nada a la primera versión y sea del todo recomendable.
Valoración: 7/10
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La Vida Futura (Things to Come)

William Cameron Menzies, 1936
Por algún motivo la ciencia ficción cinematográfica que había nacido en el cine mudo al amparo principalmente de Fritz Lang, sufrió un frenazo enorme con la llegada del sonoro, de tal manera que las manifestaciones del genero hasta su época dorada en los años 50 son realmente escasas. Sin duda una de las propuestas más interesantes en este sentido es la adaptación de la novela de H.G.Wells "Things to come", que había sido publicada apenas tres años antes de la realización de la película. Por muchos motivos esta película es realmente interesante por cuanto plantea una visión distópica del futuro, que en algunos casos nos pone los pelos de punta por su clarividencia.

"La Vida Futura" plantea el desarrollo de la especie humana durante los 100 años que van de 1936 a 2036, comenzando en una ciudad europea en los albores de una guerra contra un enemigo desconocido. La narración se divide en varios bloques, los prolegómenos y el estallido de la guerra que se alarga durante décadas, el mundo post-apocalíptico donde el ser humano vuelve a lo más primitivo de su esencia (en este sentido las escenas donde se asesina a los enfermos de una enfermedad contagiosa para evitar el contagio son turbadoras), el surgimiento de dictadores que en nombre de la paz abanderan comunidades guerreras, y como nexo de unión entre esta fase y el año 2036, el surgimiento de comunidades de científicos que harán salir a la humanidad de la era de los caudillos y la llevaran a un (im)perfecto futuro.

-El mundo post-apocalíptico planteado por Wells y plasmado por Menzies-

La película es realmente entretenida y desafía a quienes argumentan dificultades en trasladar materiales escritos a cinematográficos, no se me ocurre una historia más complicada de llevar a buen término que esta, y Menzies lo consigue completamente. El fluir narrativo entre los diferentes bloques no se pierde en ningún momento gracias a afortunadas secuencias que mostrando los avances tecnológicos (la modernización de la maquinaria de guerra conforme pasan las décadas del combate) o mediante breves narraciones. El diseño de producción, decorados, vestuario, efectos, etc. es deslumbrante, sin duda superior a la fantaciencia de los años 50, algo meritorio si tenemos en cuenta los 20 años de diferencia. El fragmento más futurista cuenta con unos diseños de edificios, vehículos, etc. considerados una referencia (aunque se denota cierta influencia de "Metropolis").

-Espectacular diseño de las naves aéreas que las comunidades de científicos abanderan contra los caudillos-

Pero sin duda es a nivel temático donde la cinta da para múltiples análisis. Es muy conocida la anécdota de que cuando H.G.Wells vio "Metropolis" le pareció horrible, porque a nivel conceptual Wells discrepaba profundamente de que la ciencia fuera en un futuro a acentuar las diferencias entre clases sociales, sino que por contra, creía que iba a contribuir a crear una sociedad más uniforme. Y es precisamente en el papel de la ciencia en el desarrollo de la humanidad donde la película se desarrolla a nivel temático. En el fragmento de la época de los dictadores, estos se muestran contrarios a la ciencia al ver en ella riesgo de perder su estatus pero por contra les resulta necesaria para su progreso militar. En otro ejemplo, en el futuro lejano una masa enfervorizada se lanza a destruir las instalaciones desde donde se lanzaran a la Luna a los primeros colonizadores espaciales, abanderando el concepto de que la ciencia no deja progresar a la civilización de forma natural y siempre la pone en riesgo al querer ir cada vez más allá de lo razonable. Ahora estas divagaciones siguen teniendo vigencia pese a que nos puedan sonar a debate ya superado, pero si nos ponemos en la piel de los espectadores de la época (¡1936!) comprenderemos todo su valor.

-Los magníficos diseños futuristas llenan la parte final del film-

A nivel político la reflexión no es menos acertada, no solo Wells predice la segunda guerra mundial, sino que plantea un apocalíptico futuro donde los dictadores justifican la guerra como medio para llegar a la paz, y en este sentido su clarividencia es de nuevo brillante si nos acordamos de algunos mandatarios mundiales recientes. Sin embargo el mensaje que queda es un poco confuso, queda claro que se defiende que la ciencia es el único mecanismo para llegar a una sociedad mejor, pero a nivel político ciertos comportamientos fascistas (como el "senado" de la parte final) no son precisamente puestos en evidencia.

-Los futuros colonizadores espaciales. Ella es la hija del mandatario, todo queda en casa...-

Importante mencionar dos nombres clave tras el proyecto: Alexander Korda, el productor británico tras la London Films que puso el cine británico al nivel del Hollywood de la época, y su director William Cameron Menzies, mucho más reconocido como director artístico durante la época del cine mudo (maravilloso trabajo en “El Ladrón de Bagdad”, por ejemplo) que hacia aquí un acertado debut como director y que indudablemente aportó su experiencia en la escenografía.

-La infraestructura que lanzará a los viajeros espaciales momentos antes de ser destruida por los fanáticos-

En resumen, maravillosa obra de ciencia-ficción en su vertiente utopía/distopía, de una gran riqueza temática que en ningún momento impide que el producto final sea francamente entretenido, y que resulta visualmente arrebatador durante buena parte de su metraje. Especialmente recomendada para los que busquen ciencia-ficción que ofrezca interesantes puntos de reflexión, algo imposible de encontrar en las producciones recientes del género.
Valoración: 9/10
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¿Hacemos una porno? (Zack and Miri Make a Porno)

Kevin Smith, 2008
Kevin Smith lleva ya demasiados años dando bandazos sin dirección clara, y es una pena, porque después de renovar el cine independiente de los 90 con la magnífica "Clerks", y de seguir a buen nivel con "Mallrats" y culminar en su película más completa hasta la fecha: "Persiguiendo a Amy", su carrera ha sido un quiero y no puedo, dividiéndose entre apostar por el descerebramiento absoluto ("Dogma", "Jay y bob el silencioso") o buscar nuevos caminos (el melodrama completamente fallido: "Una chica de Jersey"). Ante la pérdida de dirección Smith sintió la necesidad de retomar caminos ya transitados en la correcta "Clerks II" (yo me reí un montón) y ahora nos llega "¿Hacemos una porno?", que ridículamente se estrena casi con un año de retraso en España por absurdos y anacrónicos problemas de censura.

Zack (Seth Rogen) y Miri (Elizabeth Banks) son una pareja de amigos que conviven juntos desde hace años sin que haya habido nunca nada entre ellos. Su situación económica llega a extremos tan lamentables que la única solución que se les ocurre es rodar una película porno amateur. Para ello se rodean de un extravagante elenco de strippers, indigentes y los tipos más freaks que uno se pueda imaginar. Pero parece que ellos no están emocionalmente preparados para la aventura...

-La panda de freaks del reparto (los más salidorros reconocerán a Traci Lords)-

Mientras la cinta se dedica a narrar las aventuras de estos émulos de Ed Wood la cosa funciona más o menos bien (hilarantes los títulos que llegan a considerar para su cinta hasta llegar a "Star Whores" o brutal cuando las circunstancias les llevan a tener que rodar en la cafetería donde trabaja Zack y en plena escenita un cliente entra a pedir un café...), con algunos gags inspirados y parte (solo parte) de la magia en los diálogos que hizo famoso a su autor. Pero cuando Smith siente la necesidad de ablandarse un poquito y se pone a explicarnos los amoríos entre los protagonistas, no consigue saltarse las convenciones de la comedia romántica y repite esquemas que hemos visto mil veces (la pelea, el malentendido, la reconciliación,...) la película se desinfla por momentos.

-Todo a punto para "Star Whores", al amigo R2D2 mejor no os cuento que le asoma por el ventanuco-

Suerte que Smith sigue teniendo el talento de crear personajes interesantes y de conseguir cuatro o cinco gags que por si solos te aguantan la película (esa técnica de masturbación indirecta "sin mariconadas", o la hilarante conversación con la pareja de gays que le da la idea de hacer la pelicula a Zack). Entre estos momentos culminantes encontraremos bastante paja (en este caso hasta literal) y por ello no se puede considerar la película como satisfactoria, pero amigos, en los tiempos que corren a mi me cuesta encontrar películas con algunos gags que me hagan reír, y en ese sentido el amigo Smith no me falla, por mucho que cada vez sea menos sutil y más grosero y escatológico.
Valoración: 5/10
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Lo mejor del cine fantástico según "Dirigido"

Lo confieso, tengo afición por las listas donde sesudos críticos (o palomiteros espectadores, todo tipo de lista me interesa) seleccionan mediante algún sistema de votación las mejores películas de un determinado género o tema. Colecciono revistas donde se publican este tipo de listas desde hace bastante tiempo, y aunque no hay verdades absolutas, si están confeccionadas por un número mínimo de votantes suelen ofrecer resultados donde se descubren títulos interesantes.

Así que inauguramos hoy una sección donde iremos publicando estas listas. Para empezar nada mejor que el especial que la revista Dirigido dedicó al cine fantástico hace exactamente una década, en Mayo de 1999. Hay que decir que no se contempla el género de terror que tuvo otro especial que también comentaremos, así es una lista de ciencia ficción y aventuras fantásticas hasta 1999 (aunque vistos los años predominantes en la lista no se si alguna posterior hubiera entrado). Aclaro que no es que Dirigido me parezca la panacea de las revistas de cine, pero es una de las pocas que me interesan del panorama editorial español.

Y sin más prolegómenos la lista seleccionada con las votaciones de 30 críticos (entre ellos muchos de los más prestigiosos de España) es la siguiente:

1. "2001, una odisea del espacio" (1968) Stanley Kubrik, 15 votos
2. "La invasión de los ladrones de cuerpos" (1956) Donald Siegel, 12 votos
2. "Los pájaros" (1963) Alfred Hitchcock, 12 votos
4. "La mujer pantera" (1942) Jacqes Tourneur, 10 votos
5. "Blade runner" (1982) Ridley Scott, 9 votos
6. "Metropolis" (1927) Fritz Lang, 8 votos
6. "King Kong" (1933) E.B.Schoedshack y M.C.Cooper, 8 votos
6. "Cuentos de la luna pálida de Agosto" (1953) Kenji Mizoguchi, 8 votos
6. "El increíble hombre menguante" (1957) Jack Arnold, 8 votos
10. "El manuscrito encontrado en Zaragoza" (1965) Wojciech J.Has, 6 votos
10. "I walked with a zombie" (1943) Jaques Tourneur, 6 votos
10. "Jennie" (1948) William Dieterle, 6 votos

¿Valoraciones?, para mi vergüenza no he visto "Cuentos de la luna pálida de Agosto" ni "Jennie", pero todas las demás creo que son obras maestras absolutas y solo tengo mis reservas con "Los pájaros". Ah! y el número 1 es absolutamente indiscutible..... ¿no?

Coraline y las fantasías stop motion de Harry Selick y Tim Burton

No fueron los primeros en realizar películas animadas de larga duración utilizando la técnica stop-motion y posteriormente han habido otras aportaciones, siendo las más notables las de los estudios Aardman (Chicken Run, Wallace & Grommit), pero el talento de estos dos creadores (juntos o por separado) nos han dejado cuatro grandes muestras animadas. Aprovechando el estreno de "Coraline" vamos a repasarlas:


Pesadilla Antes de Navidad (The Nightmare Before Christmas)
Henry Selick, 1993
Esta película fue concebida e ideada por Tim Burton y muchos de los diseños de personajes son suyos, pero Selick tuvo tal implicación que recibió el crédito de director (Burton estaba ocupado con las entregas de Batman), pese a ello se vendió como "Tim Burton's The Nitghtmare....". Hablando de cine de animación, para mi esta película todavía no se ha superado, no solo en cuanto a Stop-Motion, sino con cualquier otra técnica. Sus personajes me parecen redondos, de un diseño gótico absolutamente maravilloso (el carisma de Jack Skeleton le ha convertido en un icono). Por no hablar de lo transgresor de la historia, y sobre todo, de la maravillosa banda sonora y geniales canciones de Danny Elfman, la escena de la canción del lamento de Jack mientras se le va desenrollando la colina bajo la enorme luna aún no ha sido superada y las escenas corales con múltitud de personajes cantando son maravillosas. Obra maestra que nunca me canso de revisar.
Valoración: 10/10


James y el Melocotón Gigante (James and the Giant Peach)
Henry Selick, 1996
Despues de Pesadilla... Burton está por otras cosas (muy interesantes por cierto: Ed Wood, Mars Attacks!,...) y Selick toma un rol mucho más personal en su siguiente creación. Para ello toman el relato de Roald Dahl sobre un niño que escapa a su miserable existencia a bordo de un melocotón que cobra dimensiones gigantescas. La película está bastante bien, pero nunca llega a los niveles de genialidad de Pesadilla, los personajes no son tan interesantes (ni a nivel de diseño ni por su personalidad), y pese a atesorar buenas ideas y una resolución competente, siempre quedará a la sombra de su predecesora.
Valoración: 7/10


La Novia Cadáver (The Corpse Bride)
Tim Burton, Mike Johnson, 2005
Después de más de diez años, Burton vuelve al género con esta maravilla (esta vez sin Selick y con un nuevo compañero, Mike Johnson que había trabajado en las películas anteriores con Selick). Muchos de los aciertos de "Pesadilla antes de Navidad" siguen ahí en esta desbordante fantasía gótica sobre una novia Zombie que arrastra a su amado al mundo de los muertos. La película vuelve a ser un musical con grandes canciones de Danny Elfman, brillantes escenas musicales corales, un enorme diseño de personajes, y una factura técnica increíble. No tuvo la misma repercusión, pero para mi La novia Cadáver se quedó cerca de los logros de la primera fantasía animada de Burton&Selick.
Valoración: 9/10


Los Mundos de Coraline (Coraline)
Henry Selick, 2009
Y Llegamos a la recientemente estrenada obra animada de Selick, quien ya se ha separado por completo de Burton. Coraline es la historia de una niña que vive en una mansión con unos padres que la ignoran por completo, un día, descubre la forma de pasar a un universo paralelo donde sus padres se convierten en personas maravillosas pero pronto Coraline descubrirá los peligros del "otro lado". El universo de imaginación desbordada creado por Selick tiene poco que envidiar a su obra magna, los personajes (en su doble encarnación paralela) son a la vez visualmente atractivos y siempre intrigantes, el desarrollo de la historia es interesante (sobre todo en su primera mitad), pero en mi opinión juega en su contra el prescindir de canciones (no es un musical). Hay demasiado tiempo que rellenar con una historia que tampoco tiene tantas aristas, es en esencia un relato simple que hace que la película se alargue quizá demasiado. Muy buena y una mejora sustancial desde "James y el melocotón gigante", pero sin comparación posible con "Pesadilla..." como he leído en más de una reseña.
Valoración: 8/10
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Arizona Baby (Raising Arizona)

Joel Coen, 1987
Los hermanos Coen intentan buscar su camino en la industria cinematográfica al mismo tiempo que Sam Raimi (Joel trabajó como ayudante de montaje en “Evil Dead”), y sus caminos se cruzan varias veces durante la primera fase de su carrera. Después de acabar “Sangre fácil”, los Coen terminan un guión llamado Crimewave (ridículamente titulado en España “Ola de crímenes, Ola de risas”) que finalmente acabaría realizando Raimi, pero éste trabajará en la sombra del siguiente proyecto de los hermanos, algo que sin duda se nota a nivel visual y muchos de los trucos de cámara utilizados se pueden ver en las primeras producciones de Raimi (como esos travelllings veloces colocando la cámara sobre una tabla con ruedas).

La historia de “Arizona Baby” supone pasar por el filtro de la comedia el siempre presente tema en el universo Coen de los delincuentes lamentables y pueblerinos. Hi (Nicholas Cage), un atracador detenido de forma recurrente se acaba enamorando de una vigilante de prisiones (Holly Hunter) y se acaban casando. Ante la imposibilidad de tener descendencia, se les ocurre el descabellado plan de secuestrar uno de los quintillizos que acaban de tener una familia adinerada. Antiguos compañeros de prisión de Hi, y la aparición de un estrambótico motorista apocalíptico salido de un cruce imposible entre Mad Max y los dibujos animados de la warner, complicarán la trama hasta extremos insospechados.

-El motorista apocalíptico.... ¿premio al personaje más bizarro de los 80?-

Al contrario que otras comedias posteriores de sus autores, aquí el humor no está tan centrado en los diálogos (aunque tiene algunos geniales) como en lo visual. Así muchas de las escenas se suceden a un ritmo frenético y delirante, con alocadas persecuciones y peleas que parecen salidas del cine cómico mudo. Hay algunas escenas geniales como las del secuestro del bebé, el alocado atraco al banco con algunos de los diálogos más surrealistas que puedo recordar, y por supuesto ese frenético final donde el bebé es arrastrado a toda velocidad por el motorista.

El envoltorio cómico no impide las habituales notas de crítica social, así la familia que sufre el secuestro (unos comerciantes propietarios de una cadena de tiendas de muebles) no pierden ocasión de citar su eslogan de ventas durante las entrevistas post-secuestro, o la demostración de paternidad irresponsable de la pareja de amigos de los protagonistas, cuyos cinco hijos a punto están de arrasar con la casa en una visita.

-Nuestra pareja protagonista en el inicio de sus desgracias. La cara de palo de Cage aún le dura...-

El éxito de esta comedia puso a los Coen en el mapa cinematográfico y preparó el camino para proyectos más personales. La película no ha perdido un ápice de frescura y sigue siendo igual de sorprendente y divertida pese a los años transcurridos, quizá algo acelerada y pasada de vueltas pero indiscutiblemente una de las mejores comedias de su época.
Valoración: 7/10


Seguimos con el repaso a la filmografía de los hermanos Coen.
Próxima entrega: "Muerte entre las flores" (Miller's crossing, 1990).

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Star Trek 2009

J.J. Abrams, 2009
Permitirme que por una vez me salga de mis “fórmulas” establecidas, y escriba algo de una manera más personal. Es que acabo de responder a la amable invitación de Ángel de reseñar una película en su estilo y ahora me da pereza volver al mío (si es que tengo alguno).

Star Trek. Para algunos estas palabras son una religión, para mí no significan demasiado. Nunca le hice el menor caso a las series de televisión (otro día os hablo de mi fobia a todo lo que huela a serial televisivos), pero he visto algunas películas de la saga cinematográfica, y guardo un buen recuerdo de las dos primeras. Desde que se supo que el gurú Abrams iba a estar detrás del reboot (reinicio de la saga), las expectativas de una saga mortecina se dispararon al infinito, y uno que tiende a que estas cosas no le afecten, es más, suele pasar olímpicamente de trailers, previews y demás, no pudo evitar creerse que iba a ver la panacea de la ciencia ficción. Porque nunca habré sido Trekie, pero yo escucho esas dos palabras juntas y se me empieza a poner la piel de gallina: Alien, 2001, Star Wars, Blade Runner, Matrix…. Así de especiales son esas películas para mí, y así de largos son los años de sequía sin algo decente del género que alimente nuestra necesitada fantaciencia.

-Anda, ¡si parece un videojuego! (coñas aparte, esta escena pertenece a una de las mejores secuencias de acción de los últimos tiempos)-

Cuando Ángel publique la reseña podréis ver más detalles pero os adelanto que me ha parecido una película de lo más entretenida, de un ritmo frenético, que hace que las dos horillas se pasen como si nada. Pero, ¿y la historia?, ay amigos la historia… Pues la historia a nivel de guión es cojonuda, pero tanta premura narrativa, tanta necesidad por entretener al espectador, no dejan tiempo suficiente para sacarle todo su potencial. La lista de momentos desaprovechados, ventilados en un par de minutos cuando tenían un potencial tremendo es larguísima. Me pregunto hasta donde se va a llevar esta tendencia, que por ejemplo últimamente también ha sufrido el amigo Bond… Nos vamos a aburrir de tanto entretenernos. El cine se está convirtiendo en un carrusel de secuencias cada vez más breves donde la historia cada vez es lo de menos, lo importante es lucir el presupuesto.

-Que guapos y jóvenes todos, parece la academia de "Starship Troopers"-

¿Qué un planeta entero desaparece como por arte de magia en instantes?, sí bueno lo normal, si no hacen falta más explicaciones. ¿Qué se viaja en el tiempo?, nada lo típico, como si tal cosa. Además si es el reinicio de la saga ¿Qué narices es la federación?, ¡explíquenme algo!. La ciencia ficción implica dar unas mínimas explicaciones para que el hecho científico tenga una mínima verosimilitud. No se trata de hacer disquisiciones teóricas de media hora, pero un mínimo, por Dios. De lo contrario NO es ciencia ficción. ¿Un líquido rojo que se ventila un planeta?, para que explicar que es o como lo han descubierto, total a la gente solo le interesan las tortas…..

-Unir dedos índice / corazón por un lado y anular / meñique por el otro, ¿que tenemos?-

Lo que más me cabrea es que la película está bastante bien, y solo con algo más de ganas y algo menos de avaricia podría haber sido como para ponerla en la estantería al lado de 2001, Alien, Blade Runner y El imperio contraataca.

En resumen, una interesante película de ACCIÓN ambientada en el espacio. Punto pelota. Creo que me voy a ver Solaris ahora mismo… ¡la de Tarkovsky!
Valoración: 6/10
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