Asfixia (Choke)

Clark Gregg, 2008

Chuck Palahniuk es el autor de la novela en que se basa “El club de la lucha”, motivo que me llevó a interesarme en este reciente estreno basado en otra de sus obras, “Asfixia”. Hay que decir que Palahniuk es un autor de culto, con un gran seguimiento gracias a su prosa irreverente e imaginativa, que ha sido calificada de “terrorismo literario” (si tenéis estómago, os recomiendo la lectura de este relato breve que Palahniuk suele leer en sus charlas y que suele provocar deserciones y desmayos). Pero bueno a lo que íbamos, “Asfixia” es el relato de un adicto al sexo que acude a clubs de auto-ayuda de su patología solo para acabar fornicando con otros adictos y que tiene la peculiar habilidad de provocarse el ahogo al ingerir alimentos, cosa que hace solo para provocar que alguien se lance a salvarle la vida ya que su máxima es “quien te salva la vida te querrá siempre”. La única preocupación de nuestro protagonista es obtener de su madre con demencia senil información de su padre desconocido, lo que le llevará a tener la certeza de que es un descendiente de Jesucristo….. ¿Parece interesante, no?, pues el problema de esta adaptación cinematográfica es que no hace justicia a un material con tanto potencial. Y eso que Anjelica Houston en el papel de la madre senil está estupenda, y la mayoría de los actores están bien. Muchas situaciones hacen gracia porque la premisa argumental es tan buena que es complicado estropearla, pero la narración a veces se sucede de forma atropellada y determinados aspectos de la trama no se resuelven de forma satisfactoria (incluso para los standards de Palahniuk). De todas formas muy interesante por su argumento absolutamente original y delirante.
Valoración: 6/10
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La duda (Doubt)

John Patrick Shanley, 2008
Basada en una obra de teatro dirigida por el mismo director de la película, “La duda” nos remite al cine más clásico en un desnudo duelo interpretativo entre dos auténticos monstruos del cine como son Meryl Streep y uno de los mejores actores de la última década como Philip Seymour Hoffman. Solo por ver sus performances ya vale la pena la película. Hoffman es un reverendo que dirige una parroquia y su escuela de una forma bastante liberal, mientras que Streep es una autoritaria monja responsable de la educación de los niños. El conflicto estalla cuando Hoffman es acusado de abusar de un niño. La película está llena de buenos diálogos y un inteligente planteamiento argumental en que nunca tenemos indicios directos para formarnos nuestra opinión sobre lo sucedido, todo lo debemos dejar a la información que obtenemos de los protagonistas indirectos. Y ten por seguro que al final no van a haber juicios morales ni redentores, de forma que seas tu el que debas decidir hacia donde decantas tu duda. Con otros actores, el planteamiento teatral podría hacer resentir el buen entretenimiento que proporciona, aunque también flota al final una ligera sensación de que la historia que se nos ha contado es demasiado simple, ya que el argumento no tiene demasiadas aristas más allá de la premisa principal.
Valoración: 7/10
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Al final de la escapada (A bout de soufflé)

Jean-Luc Godard, 1960

El peligro de escribir en 2009 sobre una película como “A bout de soufflé” (permitirme usar el título original con el que era reivindicada en los 70 en la época dorada del cine de “arte y ensayo”), es no valorar en su justa medida hasta que punto la ópera prima de Godard revolucionó las convenciones cinematográficas de la época. Vista hoy, se nos cuenta atropelladamente la historia de un ladrón de coches que recorre París buscando a un acreedor huyendo de la policía mientras intenta seducir a una lunática chica americana. Argumentalmente nada del otro mundo como vemos, sin embargo es imposible ignorar que el gesto de Belmondo frotando el pulgar sobre sus labios y la imagen de la bellísima Jean Seberg y su rubio cabello cortísimo forman parte del imaginario colectivo (no solo cinematográfico), por no hablar de su enigmático y fascinante final. En las formas narrativas, Godard aplicó numerosas innovaciones, como el montaje no lineal (lo que significa que escuchamos el sonido de forma normal pero la imagen va saltando temporalmente), las improvisaciones, o larguísimos planos-secuencia, como la famosa secuencia del hotel, donde los dos protagonistas se pasan ¡25 minutos! en un juego de seducción. Para mi (y para Quentin Tarantino) es una película clave en la historia del cine, lo que no significa que tenga que considerar por ello que es una obra maestra, 25 minutos de plano-secuencia son demasiado para mi.
Valoración: 7/10
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Harry el sucio (Dirty Harry)

Don Siegel, 1971

No se trataba ni mucho menos de la primera colaboración entre Siegel/Eastwood, pero si la que ofreció los mejores resultados. Y es que Harry el sucio resultó tremendamente influyente en el desarrollo del cine policiaco en sus vertientes de psicópatas (Seven, etc.) y policias sin escrúpulos (Arma Letal, etc.). El argumento está basado en el célebre caso del asesino del Zodiaco -que recientemente hemos visto retratado en “Zodiac” de David Fincher-, donde un psicópata plantea macabros retos al cuerpo de policía de San Francisco encabezado por el célebre inspector Callahan (Clint Eastwood) y sus expeditivos métodos. Siegel consigue una narrativa muy eficaz y vistosa con muchos planos aéreos de la ciudad, y aunque la película contiene muchas secuencias de acción, el duelo psicológico entre Callahan y su antagonista, así como el retrato del personaje de Callahan y su honestidad (que le impide aceptar el ineficaz sistema policial) son los temas centrales de este estupendo Thriller. Mención especial para la banda sonora de Lalo Schiffrin en clave jazz y rock psicodélico.
Valoración: 8/10
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Slumdog Millionaire (idem)

Danny Boyle, 2008

El autor de una de las películas británicas clave de la década anterior (Trainspotting), después de perpetrar una irregular carrera nos brinda por fin una película de un nivel sublime. La premisa argumental (que no conviene desvelar si no se quiere arruinar el visionado) se basa en un humilde jóven de la India que se presenta al concurso de televisión "¿Quien quiere ser millonario?" y contra cualquier lógica el concursante consigue superar una tras otra todas las preguntas. La explicación de como ha sido esto posible da juego a una de las estructuras narrativas más ingeniosas que hemos visto últimamente, que nos lleva de no entender nada a un clímax en el que todas las piezas empiezan a encajar. De la misma forma la película también nos arrastra por duras imágenes de la vida en la calle de los huérfanos Indios para arrastrarnos por todo el catálogo emocional hasta un final realmente esperanzador y de contagiosa alegría. De lo mejor de los últimos años.
Valoración: 9/10
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La habitación del pánico (Panic Room)

David Fincher, 2002

Después de la innovadora e imprescindible “El Club de la Lucha”, el siguiente paso de David Fincher no se puede decir que fuera igual de arriesgado. "La habitación del pánico" transita siempre por terreno seguro en su previsible historia de una madre y una hija asaltadas por una banda de ladrones en una casa dotada de una habitación blindada donde encerrarse en caso de peligro. Fincher busca en todo momento crear un estado de tensión en el espectador mediante premisas argumentales algo manidas (ej: la hija enferma) y no oculta cierta deuda con el maestro Hitchcock en algunos momentos clave de la película como aquel claramente inspirado en "La ventana indiscreta" en que las protagonistas intentan pedir ayuda al vecindario. En resumen, un Thriller más que correcto y entretenido, pero no cabe duda que vistos los antecedentes de su autor, se esperaba algo más. Jodie Foster realiza un correcto trabajo como madre desbordada por la situación pero con un punto de frialdad como para tomar decisiones clave.
Valoración: 6/10
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Lifeforce, fuerza vital (Lifeforce)

Tobe Hooper, 1985

Tobe Hooper es el creador de clásicas películas de terror como "La matanza de Texas" y "Poltergeist". Lifeforce se inicia en unas secuencias a bordo de un transbordador especial que intercepta una nave alienígena en la que se buscan formas de vida (¿os recuerda a Alien?). Las formas de vida de apariencia humana encontradas son llevadas a la tierra, donde acaban desatando un caótico frenesí zombie que pone Londres patas arriba. Hay que decir que por si no fuera poco con estos ingredientes, hay una tediosa trama vampírica que intenta seguir a través de qué personajes se va propagando la enfermedad. Como ingrediente adicional (para los hombres) la carga erótica es notable, ya que la alienígena protagonista se pasea en pelotas toda la película exhibiendo sus notables encantos y seduciendo a sus víctimas para inocularles el virus zombie-vampírico. Auténtica serie-B (de las que reforzaban sus carencias presupuestarias con imaginación) con notables efectos y vistosas secuencias de multitudes zombies, resulta un divertimento apreciable siempre que no se intente buscar más coherencia que la mínima exigible.
Valoración: 5/10
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Babylon (Babylon A.D.)

Mathieu Kassovitz, 2008

Aparentemente los mimbres de esta película ya no presagiaban nada bueno, pero de la previsible mediocridad al desastre absoluto hay una distancia complicada de salvar. El director francés Mathieu Kassovitz es el autor de uno de los mejores thrillers franceses de los últimos años ("Los ríos de color púrpura"), mientras que el protagonista Vin Diesel viene a ser una especie de nuevo Jean Claude Van Damne, con la salvedad que en su aproximación previa a la ciencia ficción en "Las crónicas de Riddick" deparó un entretenimiento más que digno. Babylon está ambientada en un apocalíptico futuro, en el que un mercenario es contratado para transportar por medio mundo a una chica con ciertos poderes o circunstancias especiales. El detalle de estas circunstancias o las luchas de bandos que persiguen a los protagonistas, queda miserablemente perdido en una confusa trama a la que no es posible encontrar sentido alguno. En su descargo se puede decir que la productora hizo un montaje nuevo en contra de los deseos del director, y que contiene algunos buenos momentos en las secuencias que ilustran el viaje de los protagonistas por el polo norte, por lo demás, a evitar a toda costa.
Valoración: 2/10
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La gran ilusión (La grande illusion)

Jean Renoir, 1937
Esta película firmada por Jean Renoir (hijo del famoso pintor expresionista) es una de las grandes obras de la cinematografía francesa de la primera mitad del siglo pasado. Filmada a poco de iniciarse la segunda guerra mundial, acumula una merecida fama de exaltación anti-belicista en su retrato de la vida de los prisioneros franceses y alemanes durante el desarrollo de la primera guerra mundial. Lo primero que sorprende (y mucho) es el trato extremadamente educado y los muchos privilegios de que disfrutan los prisioneros, es más, un personaje icónico de esta película (el general prusiano interpretado por Erich von Stroheim) da más valor a la clase social de los oficiales que al bando al que pertenezcan. Este desprecio por las nacionalidades y la exaltación de los valores humanos hizo que esta película fuera perseguida por el nazismo hasta la casi destrucción de todas las copias. Cuando los protagonistas franceses consiguen culminar su fuga e inician un periplo por escenarios naturales y son recogidos por una viuda y su hija alemanas somos testigos de una de las secuencias más bellas que haya dado el cine, auténticamente emocionante.
Valoración: 8/10
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En compañía de hombres (In the Company of Men)

Neil LaBute, 1997

Una de las películas que merecen estar presentes en la lista de las 25 películas más peligrosas de la historia que elaboró la revista Premiere en base a la incorrección política de sus premisas argumentales, compartiendo lista con cintas tan extremas como por ejemplo Happiness o “El fotógrafo del pánico”. En este caso se trata de una trama profundamente machista, en la que dos trabajadores de una empresa deciden acosar a una empleada con el absurdo fin de causarle el mayor daño emocional posible como venganza con el género femenino contra el que han tenido ambos sus más y sus menos. El director debutante Neil LaBute consigue que la frialdad con que estos dos elementos ejecutan su plan siniestro asuste al espectador (sobre todo al femenino, supongo) y ponga en evidencia hasta que punto puede llegar a ser estúpido el comportamiento humano.
Valoración: 7/10
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El curioso caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button)

David Fincher, 2008

No se puede negar que el argumento de una persona que nace anciana y va rejuveneciendo hasta morir bebé es original, sobre todo cuando nadie en la película parece plantearse el porqué de esta situación. Y bueno pese a las (excesivas) casi tres horas de película el resultado final es bueno, los actores están bien (bien Brad Pitt, espléndida Tilda Swinton -me encanta esta actriz, que sobriedad y elegancia-, aceptable Cate Blanchet y bien todos los secundarios), el ritmo se mantiene (con algún que otro altibajo) y el guión es lo suficientemente sólido. Pero no creo que sea ninguna obra maestra como se viene anunciando, algunos inconvenientes: Excesiva teatralidad, la mayoría de la acción es en interiores o escenarios virtuales, si la acción se desarrolla en París, Rusia, etc. ¿porque no mostrarlas un poco?, ya sabemos que es más caro ir a rodar en exteriores que recrear por ordenador pero la película se resiente.... También hay algunos momentos en que la película se "atasca” pidiendo a gritos un recorte en el metraje. Pero en cualquier caso, importante cambio de registro de David Fincher y película que vale la pena ni que solo sea por los preciosos comienzo y final, especialmente esos dos minutos finales relatando la infantilización del personaje en brazos de su anciana pareja de toda la vida fueron los únicos que consiguieron emocionarme de verdad. Y eso es lo que eché en falta, más momentos realmente brillantes.
Valoración: 7/10

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Yojimbo (El mercenario)

Akira Kurosawa, 1961
Yo que quería verificar si "Por un puñado de dólares" era realmente un plagio de Yojimbo y lo que me he encontrado es que el Spaghetti-Western de Leone no le llega a la altura de la suela de los zapatos a la obra de Kurosawa. Y sí, es un plagio: el argumento (un mercenario llega a una aldea donde dos bandas rivales se disputan sus servicios, siendo contratado por ambas), la puesta en escena, la escenografía, todo. Pero hay mucho más cine aquí, de forma que no solo Leone, sino Tarantino y montones de otros han bebido de Yojimbo/Kurosawa. De las tres películas de Kurosawa anteriores a Dersu Uzala que he visto (Rashomon, Siete samurais, Yojimbo), claramente ésta es la mejor y me parece altamente recomendable. Sus secuencias de acción son claramente modernas, es la primera película de la época (1961) en que he visto una puesta en escena mucho más relacionada con el cine actual que con el de la época. Solo un ejemplo, en la escena cumbre del film, el samurai protagonista se ventila 10 contrincantes en 10 segundos..... ¡ni en Kill Bill!
Valoración: 8/10

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Conan, el bárbaro (Conan the Barbarian)

John Milius, 1982
He decidido revisar los orígenes del gobernador de California por la curiosidad que me ha causado ver en el magnífico documental “El último truco” algunas de las maquetas creadas por Emilio Ruiz para esta película y sus secuelas. Y mientras esperaba tener que tragarme un ladrillazo resulta que la película me ha resultado de lo más entretenida. Sorpresas te da la vida…. Y el cine. Evidentemente no vamos a descubrir ahora las limitaciones de Arnold como actor, y ya nos podemos imaginar que el guión va a ser bastante simple. Pero guiada por una impresionante banda sonora (después me he enterado que está considerada una de las mejores de la historia) la película funciona en su por otro lado previsible combinación de acción, erotismo, y fantasía. Cuando de aquí a unos años hagan el remake usando decorados 100% digitales echaremos en falta las tierras de Cuenca donde se rodó esta película y las maquetas pintadas a mano de Emilio Ruiz….
Valoración: 6/10
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El último truco (Emilio Ruiz del Río)

Sigfrid Monleón, 2008

No suelo ser muy aficionado al cine documental, pero de vez en cuando encuentro propuestas que me resultan interesantes, como esta cinta sobre la obra del maquetista Emilio Ruiz, auténtico mago de los trucajes cinematográficos, que trabajó en más de 450 películas, algunas de ellas producciones realmente importantes como Doctor Zhivago, Simbad y la princesa, Conan, Dune, Patton y un largo etcétera. Auténtica reivindicación de los efectos especiales tradicionales frente a los gélidos efectos digitales, resulta casi milagroso descubrir los métodos detrás de todos estos trucajes. La película repasa muchas de éstas obras y cuenta con el testimonio de importantes personalidades de la industria del cine como Guillermo del Toro, Ray Harryhausen, Dino de Laurentis, y un largo etcétera. Además es un documental que retrata como ninguno el aspecto humano de la persona, especialmente en el trucaje de una invasión militar especialmente preparado para la ocasión.
Valoración: 7/10

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El Club de la Lucha (Fighting Club)

David Fincher, 1999
Para mí estamos ante una de las mejores películas de los últimos 10-15 años. No ha perdido un ápice de su grandeza desde que la ví en el momento de su estreno. Es una película de aquellas con una narrativa a prueba de bomba, que es capaz de explicar una historia compleja de una forma fluida, entretenida, divertida y sorprendente. Además son los mejores trabajos de Brad Pitt y Edward Norton, que hacen creíbles unos personajes bastante increíbles. Y lo mejor es que su mensaje es todo lo contrario del que superficialmente puede aparentar, si no haces un poco de esfuerzo te puedes quedar con el mensaje fascistoide de los clubs como evasión de la realidad, cuando se trata de una crítica al materialismo e inmovilismo de la generación X. Y por si esto no fuera poco, la trama bordea maravillosamente el cine fantástico en un giro si se quiere algo retorcido, pero esto ya es habitual en David Fincher, director con una carrera muy interesante. Para mi estamos ante una obra maestra, devoción compartida por muchos a tenor de las altas clasificaciones que suele conseguir en las diferentes listas de películas que hay por Internet.
Valoración: 10/10

Blow-Up, Deseo de una mañana de verano (Blow-Up)

Michelangelo Antonioni, 1966

Famosa película de Antonioni y primera de las varias que rodó en inglés a finales de los 60 cuando empezó a ser considerado un icono de la vanguardia cultural. Lo que me parece genial de esta película es el retrato del ‘swinging London’ de los 60 (la explosión contracultural del Londres de la época) en el mundo de la moda, la música (sale Jimmy Page tocando con los Yardbirds), la liberación sexual, etc. Sin embargo la excusa argumental de un supuesto crimen que se le revela a un fotógrafo al ir haciendo ampliaciones de una fotografía está bien pero por sí sola no creo que sustente la película. También es destacable la colorista fotografía y por supuesto el sello de autor de su director especialmente con detalles de la puesta en escena. En conjunto es una buena película, pero algo sobrevalorada, ya que suele aparecer con frecuencia en las listas de mejores películas de la historia (o de mejores películas europeas) y no creo que haya para tanto, pese a sus evidentes virtudes.
Valoración: 7/10

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Ultimátum a la Tierra (The Day the Earth Stood Still)

Scott Derrickson, 2008

Este remake del clásico de los 50 protagonizado por Keanu Reeves no me parece ninguna atrocidad como he leído por ahí, pero está claro que no pasará a la historia ni mejora el original (que tampoco es ninguna obra maestra por cierto). Buen arranque y algunas buenas ideas de puesta en escena, pero graves lagunas argumentales con ese extraterrestre que se ablanda cada vez que ve a los humanos demostrarse cariño, y parece perdonarlos al final no se sabe porque nunca lo dice claramente... y hombre lo que si es de juzgado de guardia es todo lo que concierne al robot ciclópeo, comenzando por lo ridículo de tenerlo en una sala e intentar taladrarlo y que entre una persona a…..¡cambiar la broca!. De todas maneras será que no hay cosas sin sentido en las películas clásicas de ciencia ficción de los 50 y nadie parece acordarse para lanzarse sobre cualquiera actual como carnaza...
Valoración: 5/10
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Runaway, brigada especial (Runaway)

Michael Crichton, 1984

En los años 80 los video-clubs eran auténticos templos de distribución de material de serie B, con títulos que lograban una gran difusión. Runaway es auténtica carnaza de video-club ochenteno (juraría haberlo visto por sus estanterías en la época). Resultan impagables los robots de todo a 100 que sin brazos ni articulaciones utilizan pistolas y todo lo que haga falta, y lo absurdo de la historia y los diálogos, por no hablar de los grandes actores que participan como por ejemplo el malo malísimo encarnado por el bajista de KISS. Pese a todo un par de detalles interesantes (esas balas rastreadoras), de la falta de recursos salen las genialidades. Además al final Tom Selleck le pregunta a la chica cuando se la quiere ligar "¿sabes cocinar?", ¡Que grande!, un bodrio de calité como dice un amigo mío.
Valoración: 2/10
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Dos hombres y un destino (Butch Cassidy and the Sundance Kid)

George Roy Hill, 1969

He revisado esta película que supongo hace como 20 años que había visto. Me ha parecido muy buena, un gran entretenimiento, con mucho sentido del humor y bastante innovadora visualmente para la época. Por no hablar de las míticas interpretaciones de Redford/Newman y algunas escenas que ya han pasado a la historia del cine. Un nada convencional western basado en la historia real de Butch Cassidy y Sundance Kid, dos peculiares bandidos del oeste que acabaron sus días nada menos que en Bolivia, donde transcurre la segunda parte de la película. A pesar de la ñoña escena de la famosa canción "raindrops keep falling on my head", una película imprescindible de una deliciosa ambigüedad moral en las relaciones del triangulo protagonista, y con grandes escenas de comedia/acción.
Valoración: 8/10
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Mi nombre es Harvey Milk (Milk)

Gus Van Sant, 2008
Film de Gus Van Sant nominado para 8 Oscars en sus categorías principales protagonizado por Sean Penn. Se trata de una biografía sobre la vida del primer político abiertamente homosexual en conseguir acceder a un cargo público a finales de los 70. Está bien realizada y como casi siempre Penn hace una gran interpretación. Resulta mucho más interesante en su primera parte donde se relatan los inicios del moviendo de reivindicación gay que una segunda parte algo farragosa cargada de intrigas políticas que me resulta un tanto aburrida. Por cierto que curiosa mención a Barcelona como abanderada del movimiento gay en los 70.
Valoración: 6/10
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Repo! The Genetic Opera (idem)

Darren Lynn Bousman, 2008
Original propuesta este musical con temática de ciencia ficción y toques… ¡gore!. Lo primero que me sorprendió es que el guión es muy sólido comparado con otros musicales: Un podrido mundo futuro donde la gente se hace operaciones por puro vicio y luego se engancha a drogas para soportar el dolor, una corporación que te financia tu transplante de órganos y si no pagas.... Además de otras historias menos grandilocuentes pero muy bien hilvanadas. La música es buena, entre el hard-rock y el gótico con toques industriales y buenas canciones y cantantes. Mi único pero sería para una puesta en escena algo teatral, con demasiado estudio (aunque se recreen exteriores con infografía), quizá esto se compensa con otros detalles de narración como los logrados cómics que nos van introduciendo en la compleja trama. Desde ya a considerar entre el olimpo de grandes operas-rock freak junto a joyas como Hedwig and the Angry Inch, El fantasma del paraíso o The Rocky Horror Picture Show.
Valoración: 7/10
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El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard)

Billy Wilder, 1950
Tras ver esta película me pregunto como era posible que no la hubiera visto nunca. Una película de aquellas con una narrativa tan fluida que sin darte cuenta ya llevas una hora de película y está cercano el desenlace. Esta historia de decadencia y miserias humanas de una olvidada actriz del cine mudo además es un retrato perfecto del funcionamiento de los estudios cinematográficos de la época, aunque los temas que toca son tantos que la lista sería larga pese a la aparente sencillez de la trama. Billy Wilder y unas actuaciones antológicas hacen el resto. Por cierto, muy curiosos los personajes reales que se interpretan a si mismos (ej: Búster Keaton, Cecil B. de Mille,…). Recomendadísima en el improbable caso de que no la hayáis visto, aunque solo sea por algunas escenas de antología (esa escalera llena de inmóviles figuras que solo cobran vida una vez “la diva” ha pasado frente a ellas, ese plató de cine donde podemos ver en acción al mismísimo Cecil B. de Mille dirigiendo “Sansón y Dalila”, etc).
Valoración: 10/10.

Pi: fé en el caos (Pi: Faith in Chaos)

Darren Aronofsky, 1998
El debut de Darren Aronofsky es recordado como película de culto por algunos, pero la verdad es que hay algunos experimentos que mejor debieran quedarse como prácticas de las academias de cine. Aquí tenemos un matemático obsesionado con encontrar modelos matemáticos para predecir la bolsa, todo ello trufado con judíos que quieren descifrar la cábala y corporaciones que persiguen al protagonista. Añadamos un poco de biomedicina (¡ordenadores que cobran conciencia!) y unos cuantos diálogos absurdos para obtener que esto no hay por donde cogerlo. Aburrida y fallida, solo vale la pena porque en ella afloran algunos de los recursos visuales y de montaje que Aronofsky empezaría a explorar en su siguiente y maravillosa "Réquiem por un sueño", además de su expresiva fotografía en BN.
Valoración: 4/10
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El hijo de Rambow (Rambow's son)

Garth Jennings, 2007
Simpática película sobre unos niños obsesionados con la primera película de la saga de Rambo durante los años 80. Uno de ellos tiene una cámara de vídeo y deciden rodar una película en ese estilo. No hay ni que decir que todo lo que ruedan es bastante cutre y divertido, emulando a las películas “suecadas” de “Rebobine por favor”. Sin embargo, todo esto es una excusa para explicarnos otras historias sobre las miserias familiares de los dos niños, así como de una serie de personajes secundarios en historias que interesan tanto al director como la excusa argumental de la trama. Se trata de una película entretenida con momentos divertidos y un bonito homenaje a una manera de entender el cine, pero tampoco creo que merezca algunas de las exageradas críticas que está recibiendo.
Valoración: 6/10
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La fuente de la vida (The Fountain)

Darren Aronofsky, 2006
Después de "Réquiem por un sueño", Darren Aronofsky estuvo unos cuantos años tratando de hacer realidad esta película, retrasándose el proyecto varios años cuando Brad Pitt lo abandonó y finalmente la tuvo que realizar con la mitad del presupuesto original. Está protagonizada por el ahora mediático Hugh Jackman y la pronto mediática y debilidad personal Rachel Weisz y ambos lo hacen bastante bien, pero os adelanto que no es nada fácil hablar de esta película que despierta reacciones opuestas allá por donde pasa (desde obra maestra a basura absoluta, no parece haber término medio...). La historia va de un investigador cuya esposa tiene un tumor cerebral y él realiza investigaciones con primates buscando la cura. A partir de aquí hay subtramas en el imperio Maya 500 años antes, otra ambientada en el futuro (o eso parece) y pistas que van vinculando los tres mundos (con presencia de los mismos protagonistas). Todo ello con el gusto por la estética y el sello de autor de este director (y una BSO tan impresionante como la de "Réquiem por un sueño"). No creo que haya una interpretación única del material (las posibles interpretaciones son muchas). En cualquier caso a poco que os vaya David Lynch, el cine fantástico, o películas como 2001 (he leído que querían realizar una película deliberadamente abierta a múltiples interpretaciones) deberíais darle una ojeada. Yo de entrada solo me quejaría de un look demasiado sintético en las secuencias del futuro (o lo que sea). Será considerada película de culto de aquí a unos años. Al tiempo.
Valoración: 7/10.

La máscara del demonio (La maschera del demonio)

Mario Bava, 1960
He podido ver por fin "La máscara del demonio" de Mario Bava, una de las películas que suelen aparecer en las listas de mejores películas de terror de la historia. La película está muy bien, con unos movimientos de cámara acelerados para mostrar elementos inquietantes fuera de encuadre francamente resultones (y seguramente innovadores para la época) y una muy cuidada ambientación tétrico-gótica (en un estilo heredero de las películas de la Hammer). Supongo que de la poca originalidad zombi-vampírica de la trama no podemos culpar a Bava, aunque quizá si de inspirarse en el Nosferatu de Murnau al mostrar carruajes malignos a velocidad de cámara trucada. En cualquier caso, una película precursora del “Giallo” o sub-género (dicho de forma nada despectiva) Italiano de Terror abanderado por el propio Bava (que raramente superó este nivel) y un poco más tarde por Darío Argento. Un Clásico.
Valoración: 8/10
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Apocalypse Now (idem)

Francis Ford Coppola, 1979
Tenía muchas ganas de revisar esta película, y sigo pensando lo mismo que hace 15 años: necesita un buen tijeretazo (¡y eso que ahora he revisado la versión ‘Redux’ que añade casi 50 minutos de metraje!). Digamos que los primeros 100 minutos son impecables, con esas secuencias de acción llenas de helicópteros y mandos desquiciados (surf, esquí acuático entre las bombas), el show de las playmates... 100 minutos a ritmo de obra Maestra. Luego inexplicablemente estamos como media hora metidos en una casa colonial francesa en una secuencia que no aporta nada, y el final como concepto me encanta: una comunidad semi-tribal que ha acogido a un líder como un Dios, pero como desarrollo me deja un poco a medias, demasiado Brando (aunque hay que reconocer que todos los planos de sus monólogos están planificados a nivel de escenografía, iluminación, etc. de forma espectacular). En conjunto notable, lo que es poco cuando podríamos estar hablando de una obra maestra.
Valoración: 8/10
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Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari)

Sergio Leone, 1964
Película que tiene el honor de ser el primer Spaghetti-Western con reconocimiento internacional, aunque no es la primera película de Sergio Leone, bregado anteriormente en el campo del Peplum. Los productores de Yojimbo ganaron un juicio y fueron indemnizados debido a las evidentes similitudes de argumento y puesta en escena con la película de Kurosawa. El argumento trata sobre la llegada de un forastero (Clint Eastwood) a una aldea dominada por dos bandas rivales, y del ingenioso proceder de éste para ir cambiando de bando en función de su conveniencia. Tenemos aquí todos los ingredientes que harían famosas las producciones de Leone: Las bandas sonoras de Morricone, los primeros planos, las lentas esperas antes de los duelos, y sobre todo una eficaz narrativa, capaz de proporcionar un gran entretenimiento a pesar de las limitaciones de muchos de los actores y del ínfimo presupuesto.
Valoración: 7/10
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The Wrestler (El luchador)

Darren Aronofsky, 2008
Después de tres películas y una década buscando su camino, el realizador Darren Aronofsky consigue realizar una de las mejores películas de los últimos años. El principal ingrediente del éxito lo tenemos en un gran guión sobre las miserias de un luchador de wrestling entrado en años que se arrastra por torneos de tercera para poder sobrevivir, un día sufre un grave infarto y tiene que replantearse su vida ya que volver al combate supondría para él un riesgo letal…. El segundo ingrediente clave es por supuesto la impresionante actuación de un Mickey Rourke nominado al Oscar, cada galleta que recibe en esos combates filmados con las entrañas duele de verdad (alguno de ellos cercano al gore), y consigue emocionar también en las escenas intimistas con su hija o su pretendida pareja (espléndida Marisa Tomei). Y por supuesto la sobria realización de Aronofsky, capaz de pasar en un plis-plas del vértigo de los combates a las escenas costumbristas de un Rourke que se tiene que ganar las judías trabajando de charcutero, por no hablar de soluciones de puesta en escena geniales, como los muchos minutos en que vemos al protagonista grabado de espaldas. Punto especial también para el toque nostálgico de los años 80 que inunda la película, especialmente su banda sonora centrada en el heavy-metal de la época. Un peliculón.
Valoración: 9/10.