El Alimento de los Dioses (The Food of the Gods)

Bert I. Gordon, 1976

Tengo que decir de entrada que quizá esta no es la peor película que he visto, pero sin lugar a dudas es la película con peores efectos especiales que he visto en mi vida. Sin duda los años 70 fueron prolíficos en cuanto a serie B fantacientífica, y mientras que la mayoría de producciones se dejan ver aunque sus modestos efectos nos provoquen más de una sonrisa, hay casos en que la cosa llega a la carcajada directamente al ver como sus esforzados actores intentan hacer creíbles unas situaciones imposibles de imaginar con tan torpe puesta en escena.

- ¿Ratas gigantes?, nada hombre ponemos la lente macro y con que ocupen toda la pantalla ya cuela -

En este caso se partía del material homónimo de H.G.Wells y la historia versa sobre una isla en la que se están produciendo extraños fenómenos: Durante una cacería, unas avispas gigantes atacan y matan a uno de los cazadores, buscando ayuda, el protagonista entra en una granja donde sufre el ataque de un gallo gigante y conoce a un extraño personaje que le indica que en su finca hay un manantial donde brota un alimento que convierte a todo bicho que lo ingiere en gigantesco. De aquí a la invasión de ratas gigantes y a la aparición de bizarros personajes que solo piensan en forrarse con el producto, pasando por embarazadas y otros topicazos solo hay un pasito, y de por medio algunos de los más torpes efectos de la historia (dignos de Ed Wood, y creo que no exagero nada).

- El caso del pollo asesino gigante. El increíble modelo fue realizado por un reconocido taller rural de Gigantes y Cabezudos -

Hagamos un repaso: Las avispas gigantes son poco más que sombras sobre la proyección y para algunos primeros planos un muñeco movido torpemente delante del objetivo en planos fugaces. La pelea con el gallo gigante debe ser uno de los mayores delirios jamás filmados: El protagonista forcejea con algo parecido a un gallo que solo vemos fugazmente, pero ya de entrada se ve que la cosa no funciona. Y para acabar, las múltiples escenas de ratas gigantes se reducen a poner a las ratas delante del objetivo para que se vean "grandes", pero de ahí a que produzcan en el espectador la ilusión de gigantismo sobre su entorno hay un trecho. Y como "bonus-track" de esta lista de despropósitos, en plena batalla final hay una inundación que se soluciona poniendo delante del objetivo un recipiente de cristal que se va llenando de agua, ¿CGI?, ¿quien los necesita?.

- ¿Pero como vamos a inundar la casa?, nada hombre, llenamos un vaso delante del objetivo y queda de lujo, oiga -

Resumiendo: Bodriazo de tamaño descomunal visto desde el punto de vista cinéfilo, pero que aquellos más enfermos apreciarán en su justa medida como una de las mayores frikadas de la historia de la serie B... digo C, y también ejemplo de como durante la historia del cine hubo productores que se forraron invirtiendo cuatro duros (o tres) en subproductos que tuvieron cierta difusión comercial. Se salva del cero por algún momento de tensión bien recreado, y va todo sea dicho, un par o tres de escenas (el plano aéreo de la casa invadida por las ratas) solucionadas correctamente y que te puedes llegar a creer.
Valoración: 3/10
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El Manuscrito Encontrado en Zaragoza (Rekopis znaleziony w Saragossie)

Wojciech Has, 1965
La primera vez que tuve conocimiento de esta película fue al aparecer en la lista de mejores películas de la historia del cine fantástico que publicó hace algunos años la revista "Dirigido" en un especial dedicado al género. Tiempo después por fin he tenido acceso a ella y ya de entrada tengo que decir que el aparecer en aquella lista es del todo merecido. Lo primero que llama la atención sobre esta película es lo exótico de la propuesta: Una película polaca basada en la novela gótica de Jan Potocki publicada en 1805, ambientada en la España de la época y donde el fantástico, el erotismo, y las más originales formas narrativas cohabitan en diferentes proporciones. Esta película se conservaba en diferentes metrajes recortados pero nada menos que Jerry García (líder de The Grateful Dead, auténtico fanático de la cinta) junto con Martin Scorsese y Francis Ford Coppola financiaron una restauración hasta sus originales y esplendorosos 180 minutos en glorioso cinemascope en blanco y negro.

- O la Polonia rural es idéntica a España o el trabajo de localización y ambientación merece un Oscar -

La película arranca con un soldado del ejército napoleónico que se refugia del combate en una casa abandonada donde halla un viejo volumen con unas misteriosas ilustraciones. Intrigado comienza a leer la historia que versa sobre el capitán Alfonso van Worden que en su búsqueda de una ruta para cruzar Sierra Morena accidentalmente llega a una venta abandonada donde dos princesas musulmanas (¡hermanas y lesbianas!) se le ofrecen en matrimonio a cambio de su conversión a la fe musulmana. Alfonso cede a sus peticiones cautivado ante el universo de lujuria que adivina, pero tras la ingesta de un brebaje, despierta bajo la horca. Vuelve a la venta buscando explicaciones pero encontrando simplemente unos extraños personajes, los primeros de una larga lista que irán relatando las más increíbles historias donde los personajes de las narraciones arrancan nuevas narraciones anidadas como si fueran capas de cebolla.

- Las terroríficas hermanas lesbianas en pleno ataque como para salir huyendo -

Al igual que la novela, la película está dividida en dos partes, la primera de ella contiene los elementos más fantásticos, con las peripecias de Alfonso y sus aventuras cíclicas (parece condenado a repetir la misma secuencia de actos una y otra vez cada vez con resultados más sorprendentes), mientras que en la segunda, Alfonso y varios de los estrambóticos personajes que ha conocido se reúnen en un castillo donde hilvanan relatos más ligeros, de corte costumbrista, en línea por ejemplo, con la tradición de la novela picaresca española.

- Un poco de comedia para hacer descansar las neuronas entre tanta historia anidada -

Toda la película es una sucesión de virtudes: Las actuaciones son creíbles, la ambientación completamente conseguida, la cinta desprende un erotismo y un sentido del humor delicioso, la banda sonora contrapone sonidos minimalistas con acertadas rendiciones de Falla y Granados,…. pero lo que es más importante: La compleja historia funciona, y lo hace a varios niveles, porque el juego argumental al que es sometido el espectador acaba haciendo encajar la mayoría de piezas, y porque en los puntos donde se deja la interpretación abierta, las pistas que se dan incitan a darle unas cuantas vueltas al argumento, tal es la fascinación que nos provoca el ver representado el manuscrito dentro del propio relato que suponemos la lectura del mismo, o la cíclica peripecia del protagonista que se ve condenado a repetir su entrada a la venta y su posterior salida traumática.

- El libro dentro del libro... ¡mola! -

Hay que decir, que el seguimiento del argumento no es fácil y mientras las malas noticias son que se recomienda verla dos veces para comprenderla completamente (yo lo hice y lo recomiendo), las buenas son que como contrapartida a las complejidades argumentales, los autores ofrecen muchos momentos ligeros con los que dar respiro a las neuronas y deleitarse con brillantes ejercicios de picaresca y comedia en el mejor estilo de la literatura española contemporánea a la novela.

- La santa inquisición se las hará pasar canutas a nuestro protagonista -

Así pues, no puedo encontrar una recomendación más sincera para los más inquietos, ya que además de las virtudes enumeradas, se da la circunstancia de que esta película es tremendamente desconocida para las virtudes que atesora.
Valoración: 9/10
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Lejos de la Tierra Quemada (The Burning Plain)

Guillermo Arriaga, 2009
Guillermo Arriaga es el guionista de la famosa trilogía de películas de Alejandro González Iñárritu (Amores Perros, 21 Gramos, Babel), espléndidas todas ellas en su retrato del alma humana, así como brillantes ejercicios de búsqueda de estructuras narrativas no convencionales.

Arriaga e Iñárritu han decidido tomar caminos separados, y ésta "Lejos de la tierra quemada" (desafortunada traducción de "The burning plain") supone el debut en la dirección de Arriaga. Lo primero que hay que decir es que el resultado final no difiere en demasía de si el director hubiera sido Iñárritu, Arraiga ha aprendido bien de su trabajo en común y la película cuenta con una dirección de actores excepcional, así como momentos de fuerza visual. En cuanto a la estructura narrativa, consciente Arriaga de que la fórmula de historias entrecruzadas daba síntomas de agotamiento ha introducido interesantes aportaciones (que no puedo explicar a riesgo de reventar la película) y en cualquier caso, da gusto que haya autores que se preocupen en hacer trabajar las neuronas de su público.

- Una estupenda Kim Bassinger (en cualquier interpretación posible del término) jugando con fuego -

La historia en este caso se centra en un sórdido drama familiar acontecido en el pasado, poco a poco vamos conociendo a los personajes implicados y vamos siguiendo su evolución en diferentes momentos temporales. Las frustraciones familiares, las relaciones paterno-filiales, el deseo y los errores del pasado son algunos de los temas que se tocan en una película que además del excelente material y trabajo de dirección se apoya en unas estupendas actuaciones de Charlize Theron y Kim Bassinger, así como en unos secundários que están brillantes en su mayoría. Como he comentado varias veces, para que una actuación sea excelente además de la prestación del actor, el personaje que interpreta tiene que ser sólido a nivel de guión y aquí se cumplen ambas circunstáncias.

En conclusión, el debut de Arriaga en la dirección no puede ser más ilusionante. En mi opinión disipa cualquier duda sobre su capacidad de seguir adelante en solitario y de paso nos entrega una de las cintas más estimulantes de lo que llevamos de año. Esta historia me ha llegado y no puedo dejar de recomendarla para cualquier amante del cine en estado puro.
Valoración: 8/10

El Intercambio (Changeling)

Clint Eastwood, 2008
Pasito a pasito la interesante filmografía de Eastwood ha ido ganando puntos de interés hasta culminar en las obras maestras que fueron "Mystic River" o "Million Dollar Baby". Personalmente su par de películas posteriores sobre la batalla de Iwo-Jima, aún siendo buenas, no me parecieron de un nivel parecido. Ahora nuestro abuelo favorito vuelve a la carga con otro par de películas "El intercambio" y "Gran Torino", vamos a repasar que nos ha ofrecido la primera de ellas.

"El intercambio" es una historia basada en hechos reales acerca de la corrupción y la ineficiencia policial en Los Ángeles durante los años 20 de la década pasada. Una madre (Angelina Jolie) cuyo hijo ha desaparecido, lucha para denunciar que el niño que le traen de vuelta no es en realidad su hijo. Su incansable denuncia le traerá problemas inimaginables pero nada le hará desistir hasta descubrir la turbulenta realidad.

- ¡Pedazo de susto!... Acabarás odiando ese gorrito, amigo -

Eastwood a estas alturas es zorro viejo y es imposible que se saque de la manga una película mala, ahora bien las hará mejores y peores, y en mi opinión esta vez ha tocado la de arena. La historia tiene interés y está bien llevada, pero por algún motivo la película no termina de funcionar como sería deseable. El principal problema es que éste no es un proyecto personal de Eastwood, sino que un productor le ofreció la película con el guión cerrado y la mayoría del reparto ya contratado. Esto nos ha dejado una historia que sufre de algunos problemas que Eastwood solía evitar, léase personajes estereotipados, argumento previsible, y actores que no acaban de hacer creíbles a sus personajes.

- Paul Newman (en su encarnación John Malkowitch tuneado) pidiendo explicaciones -

Este último punto nos lleva a la señora Angelina Jolie, que como la neumática Lara Croft de Tomb Rider daba exactamente lo que se esperaba de ella, pero que cuando ha querido abordar mayores empresas se le han empezado a ver las miserias. Y es que a mi lo siento pero esta señora no me transmite las emociones que se le suponen en un papel tan dramático. Si a esto le sumas que ella está en pantalla durante el 90% del metraje, podría exagerar un poco y decir que acabas deseando perderla de vista. El resto del reparto también ofrece curiosidades como el ver a John Malkowich con un pelo tuneado que le da un parecido a Paul Newman, y al co-protagonista Jeffrey Donovan (capitán de policía encargado del caso) que tampoco está especialmente afortunado. Por contra tenemos algunos buenos secundarios, algo que se agradece enormemente ante tanta discreción en los protagonistas.

- Angelina pasandolas canutas y acordándose de lo que molaba ser Lara Croft -

Por supuesto que la película no es ajena a algunas de las virtudes que han llevado al cine Eastwood al merecido nivel de prestigio que tiene, la película está rodada con un ritmo eficaz y sabiendo aprovechar al máximo las posibilidades narrativas de los escenarios y decorados. La sobriedad narrativa del cine americano más clásico aflora en esta cinta, que podría estar firmada por alguno de los cineastas destacados de la época dorada del cine negro americano.

En conclusión, estamos ante una película más que correcta, aunque para los estándares de Clint Eastwood se trata de una decepción, sobre todo si pensamos en las muchas veces en que ha retratado de forma más acertada entornos policiales corruptos.
Valoración: 6/10
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Colossus: El proyecto prohibido (Colossus: The Forbin Project)

Joseph Sargent, 1970
Empezaremos diciendo que "Colossus, El proyecto prohibido" es una de aquellas traducciones de título a la española que dan vergüenza ajena, el título original es"Colossus, the Forbin project", siendo Forbin el ingeniero que desarrolla el computador protagonista. Pues bien a algún funcionario de la época que había estudiado inglés por correspondencia le debió parecer que "Forbin" sonaba similar a "Forbidden" (prohibido) y así quedó el título, aunque no tengo muy claro que se llegara a estrenar por aquí, como mínimo no he conseguido encontrar ninguna copia doblada al castellano, menos mal de los amigos que se curran subtítulos...

- ¡Se necesita urgente profesor de inglés! -

Éste es uno de los títulos menos conocidos de la ciencia ficción de los años 70, y lo es de forma inmerecida porque es un film muy interesante. Vamos por partes, el departamento de defensa de los EEUU ha estado trabajando en un proyecto secreto llamado Colossus que va a controlar de manera automática la defensa del país. Todo el control del armamento se otorga al dispositivo, que está programado para gestionar cualquier incidencia.

- Alborozo en la sala de control cuando Colossus empieza a darle a Guardian la clase mates -

Al poco de ponerlo en funcionamiento el sistema detecta otro sistema y pide que se le establezca una línea para comunicarse con él. Resulta que tras el telón de acero, los soviéticos acaban de poner un sistema similar en marcha. Ante la negativa de ambos países a establecer la comunicación, Colossus y Guardian (así se llama el sistema Soviético) amenazan con utilizar armamento nuclear. Finalmente ante las presiones de los cerebros electrónicos se les permite comunicarse para que finalmente acaben fusionandose en un solo computador con intenciones de controlar el mundo de forma autónoma de la raza humana.

- Los cachondos de Colossus y Guardian estableciendo conexión y de paso lanzando misiles como quien se toma unas tapas -

Esta película está llena de virtudes, el ritmo narrativo es el característico de las producciones de la época tipo "La amenaza de Andrómeda", y la recreación de la técnica de la época está muy bien conseguida (habrá quien la encuentre desfasada pero para mi tiene un delicioso encanto), además de contar con eficaces actuaciones de rostros no demasiado conocidos. La historia está muy bien llevada y la trama se desarrolla a un ritmo perfecto que provoca que se siga con gran interés la evolución de los acontecimientos. Es cierto que el argumento no es demasiado original visto desde una perspectiva temporal ("Juegos de guerra", "Terminator" -el sistema Skynet-, "2001" -la toma de conciencia de HAL9000-, e incluso "Dr. Strangelove" o "Contact") situaciones vistas en muchas otras ocasiones pero "Colossus" ofrece algunos puntos de vista únicos como el abandonar cualquier concepto de bandos nacionales; Resulta que las computadoras se alían entre ellas para controlar a la raza humana, olé sus válvulas.

- El amigo Forbin va a acabar teniendo que dar cuenta hasta de sus frotamientos -

Entre el dechado de virtudes comentado, solo puedo sentirme decepcionado ante el final de la cinta. No voy a revelarlo aquí pero tengo que decir que me ha resultado insatisfactorio y casi me atrevería a decir que no es un final sino que más bien parece una puerta abierta a una continuación que nunca llegó. Pero que esto no ensombrezca esta película a la que hay que empezar a reivindicar desde ya como clásico de culto que ha permanecido demasiado tiempo en el olvido.
Valoración: 8/10
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Las aventuras de Flesh Gordon (Flesh Gordon)

Michael Benveninste, 1974
Cuando me dió por investigar a fondo sobre cuales eran las mejores películas que hubieran utilizado efectos especiales stop-motion para animar a sus criaturas no daba crédito a la presencia en las listas de esta película pornográfica, bueno lo de pornográfica para los estándares de hoy en día podríamos dejarlo en desnudez ocasional y puntuales frotamientos, vamos nada que no viéramos en el infausto cine "S" que todos conocemos. A partir de aquí la premisa de la película es realizar un cóctel partiendo de las aventuras clásicas de Flash Gordon, introducir descacharrantes secuencias fantásticas protagonizadas por robots con falo taladrante, criaturas con cabeza de glande ("Penisaurios"), y una amplia variedad de salidorros calenturientos.

- Saliendo por patas de la nave fálica del doctor Jerkoff -

La historia parte cuando noticiarios de la época anuncian que un misterioso rayo emitido desde el planeta Porno está haciendo fornicar a todo el mundo a diestro y siniestro (hilarante escena inicial en que los pilotos del avión en que viajan Flesh y su amiga Ardor abandonan los mandos del aparato para fornicar con el resto del pasaje bajo los efectos del rayo). Flash busca al Dr. Flexi Jerkoff quien tiene una particular nave capaz de conducirles al planeta Porno.

- Guarreridas varias en el salón del trono del planeta Porno -

Cuando llegan al planeta comienzan las aventurillas más o menos calenturientas de nuestros protagonistas para deshabilitar el rayo de marras (que ya tiene agotada a la población terrestre de tanto darle al fuelle). Aquí destaca el personaje del emperador Wang el pervertido, auténtico maestro de ceremonias de los descerebrados rituales a que nuestros protagonistas son sometidos. El punto culminante es la invocación por parte de éste del monstruo gigantesco que debe acabar con Flash antes de que éste consiga sus objetivo.

- Flesh Gordon en su momento "Simbad y la princesa" con el alien de hojalata -

Supongo que no hay que decir que si algo ha hecho perdurar esta película y gozar de cierto status de culto son sus efectos especiales, realmente abundantes, casi hay tantas secuencias de efectos como de desnudo. Y sobre todo, el maravilloso uso del stop-motion en varias escenas, consiguiendo resultados a la altura del maestro Harryhausen. En esta línea hay un par de escenas clave, la lucha a espada de un personaje metálico con apariencia de hormiga contra Flesh está animada de forma modélica, sin duda inspirada en la famosa secuencia de la lucha del esqueleto de "Simbad y la princesa", y por supuesto el monstruo gigante final, quizá una creación no tan sutil y si más grosera, pero con todo el encanto del stop-motion más genuino. Además de otras escenas animadas, abundan otro tipo de efectos mucho más caseros y de baratillo (por supuesto), pero siempre resultan de lo más digno y divertido. La clave para conseguir estos resultados estaba en que se utilizó en un grupo joven de animadores que estaba dando sus primeros pasos y que posteriormente la mayoría de ellos conseguiría gran notoriedad detrás de los efectos de muchas superproducciones.

- El monstruo gigante, auténtico protagonista y causa de la gloria de la cinta -

En resumen, obviamente no voy a recomendar la película por sus valores cinematográficos, porque ya nos podemos imaginar que las actuaciones son las que son, pero todo el conjunto funciona por acumulación ya sea de efectos, secuencias divertidas, guarradas varias (rodadas con elegancia, nada de marranadas, eh?). O sea que esta película nunca os la recomendará un cinéfilo, pero como al Dr. Quatermass le va el frikeo y no veas lo aburrido que es siempre ver obras maestras, ahí tenéis esta propuesta para solitarias tardes de lluvia. ¡Ah! la puntuación, que dilema, venga le subiremos un par de puntos por las secuencias Stop-motion (repito que freaks de la técnica no pueden perdérsela) y aprobado raspado....
Valoración: 5/10
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Déjame Entrar (Låt den rätte komma in)

Tomas Alfredson, 2008
Oskar es un niño de 12 años con algunos problemas de socialización y una familia rota, un dia conoce a una niña, Eli, y entablan una bella amistad. Lo que Oskar desconoce es que Eli necesita sangre humana para sobrevivir.... Es esta una película maravillosa, una de aquellas que ennoblece el fantástico y transpasa las barreras del género. Es también una cinta innegablemente ligada a una ubicación geográfica, las localizaciones y paisajes gélidos, así como el carácter de sus personajes hacen difícil imaginarla en otro lugar que un país nórdico. Fría como la relación entre Eli y Oskar, romance pre-adolescente narrado de forma soberbia, llevado por unas interpretaciones magníficas y unos cuantos objetos simbólicos: el cubo Rubik, el código Morse,....

También tenemos el elemento fantástico, innegablemente presente pero nunca de manera excesivamente explícita, a veces tenemos la sensación de que el vampirismo es un obstáculo entre los dos muchachos tal y como podría haberlo sido cualquier otro impedimento y que la película no cambiaría substancialmente. Su director, Tomas Alfredson, rueda todas las secuencias de forma sobria, sin ningún tipo de efectismo ni susto manipulado, aquello que impacta lo hace por la brillantez con que está rodado y por su buena integración en la sosegada narración, en este sentido la película es muy honesta.

Otro punto en el haber de la película es rescatar del largo imaginario vampírico la regla de que el vampiro solo puede entrar en casa ajena si recibe autorización explícita para hacerlo (de ahí el título), lo que sucede si no lo hace deberéis verlo por vosotros mismos, en una de las secuencias más brillantes de la cinta. Algunas otras secuencias para el recuerdo son las miserias que debe pasar el padre de la criatura para proporcionarle su alimento, la inmolación de Virginia (miembro del grupo de marginados blanco favorito de Eli), y muchos de los momentos intimistas de la pareja protagonista destacando áquel en que Eli no puede contenerse ante la sangre de Oskar. En resumen, el mensaje de la pelicula que cala en el espectador es el tremendo sufrimiento que su condición acarrea a Eli mientra que Oskar decide aceptarla por encima de todo.

Quizá lo único que se podría objetar es su final, a mi no me molesta en absoluto, pero comprendo que a alguien le incomode y quizá si finalizara unas cuantas secuencias antes tendriamos un film más poético aún si cabe. Independientemente de este hecho, estamos hablando sin duda de una de las mejores películas que el cine fantástico nos ha dejado en los últimos años. Imprescindible y candidata a obra maestra cuando tengamos sobre ella una mínima perspectiva temporal.
Valoración: 9/10
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La Escalera de Caracol (The Spiral Staircase)

Robert Siodmak, 1945
Una jovencita muda trabaja en un caserón cuidando a la matriarca familiar que se encuentra débil y postrada en cama. Mientras tanto, recorre la zona un asesino que se dedica a hacer desaparecer a chicas con diferentes discapacidades. Nuestra matriarca, así como un doctor amigo de la protagonista la advierten de que debe dejar la casa ante presuntos peligros que la amenazan…. Esta película de lo que entonces se llamaba ‘suspense’ y deudora del cine de Hitchcock entre otros, destaca a nivel técnico y de escenografía: La excepcional fotografía en B/N nos convierten esa casa fantasmagórica en un protagonista más y la resolución de alguna de las escenas más tétricas resultan deslumbrantes incluso para los estándares de hoy en día. Por contra la historia resulta un tanto previsible y cojea en más de un punto de su argumento. Especialmente molestos son un par de primeros planos de la protagonista donde se nos intenta convencer de lo buena que resulta transmitiendo emociones pese a su mudez, y otro tremendamente cursi donde ella fantasea con un romance para acabar aterrorizada al no poder decir ‘Sí’ en el altar (uno se pregunta si los mudos no se casan dando su confirmación de otra manera). Entonces nos queda una película que sin ser nada del otro mundo ni contar con actuaciones sobresalientes, merece la pena para los amantes de las ambientaciones góticas y las historias decadentes, pero si sois exigentes la historia os puede resultar algo irritante (creo que los años no perdonan y determinadas producciones de la época resultan algo ingenuas hoy en día, sobre todo cuando hablamos de cintas de misterio o terror psicológico). Como curiosidad un papel secundario está interpretado por Elsa Lanchester, la actriz que pasó a la posteridad con su papel como la novia de Frankenstein, algo que hizo su cara inmediatamente reconocible y por tanto no tuvo demasiadas oportunidades más al haber realizado uno de los papeles más icónicos de la historia del cine.
Valoración: 6/10
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La Madre Muerta

Juanma Bajo Ulloa, 1993

A principios de los 90 un par de directores Vascos parecía que iban a conseguir sacar al cine español del maniqueísmo en que éste se encontraba sumido. Estoy hablando como no de Julio Médem y Juanma Bajo Ulloa. El primero ha conseguido encontrar a su público y desarrollar una carrera fructífera, mientras que el segundo arrastra la mayor de las maldiciones a causa de sus errores. Pero vayamos por partes, Juanma Bajo Ulloa debuta con la espléndida “Alas de mariposa”, sórdido drama familiar realizado con un presupuesto de risa que gana la Concha de Oro en el festival de San Sebastián de 1991. Dos años después consigue reunir un presupuesto más holgado para rodar su gran obra, “La madre muerta”, igualmente merecedora de una interminable lista de premios y a mi parecer una de las mejores películas españolas de su época.

El argumento de la película es simple; Ismael (Karra Elejalde) es un violento ladrón que asesinó a la madre de una niña (Ana Álvarez ya adulta) y ha vivido obsesionado con ella durante años ya que fue testigo del asesinato y aunque ahora sufre una deficiencia mental teme que pueda denunciarlo. Junto con su pareja (la francesa Lio) deciden secuestrarla para hacerla desaparecer, pero Ismael desarrolla una extraña y ambigua relación con ella que hace que no termine de concretar sus intenciones. El arranque de la película es espectacular y nos muestra un cineasta con un gusto exquisito por los detalles y la planificación milimétrica de sus planos. Hay varias escenas antológicas, como la del secuestro en casa de la madre adoptiva, o aquella donde una empleada del sanatorio donde acudía la niña entra en la casa donde la tienen retenida con voluntad de liberarla, escenas cargadas de un suspense que firmaría el mismo Hitchcock. Por otro lado también se hace hincapié en el contraste entre la violencia de Ismael y su lado más humano, personalizado en los momentos en que intenta por todos los medios hacer sonreír al personaje de Ana, lo que se convierte en su obsesión personal. Punto y aparte merece en esta película el personaje de Ana Álvarez, totalmente creíble en su mundo interno sin responder a ningún estímulo exterior.

Tampoco se puede pensar en “La madre muerta” sin la imponente banda sonora de Bingen Mendizábal ni el acertado diseño de producción que recrea los sórdidos escenarios de manera brillante. Sin embargo, no todo en la película es perfecto, la cinta atraviesa una fase poco concreta donde el argumento se hace algo reiterativo y las motivaciones de los personajes poco claras, pero el tramo final está al nivel de la impecable primera mitad de la película, con lo que en conjunto los méritos de la obra son innegables. Lamentablemente después de esta película, Bajo Ulloa se ve tentado por el vil metal y realiza “Airbag”, que pese al éxito de público supone a largo plazo la tumba para su carrera y el origen de los males del cine español de una época que aún arrastramos, pero esa, es otra historia.
Valoración: 8/10
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La Ola (Die Welle)

Dennis Gansel, 2008

A un profesor de instituto se le ocurre como ejercicio práctico de un proyecto sobre la autocracia crear un régimen semi-fascista con la idea de que los alumnos experimenten en primera persona la experiencia. La idea es que se vean así capaces de evaluar si sería posible llegar a un sistema dictatorial en un país desarrollado, pero la implicación de los alumnos es tan grande que el experimento acaba por irse de las manos. Basada en una experiencia real llevada a cabo en USA en 1967, "La Ola" es una película interesante, bien rodada y con buenas actuaciones (especialmente es destacable Jürgen Vogel en el papel del profesor protagonista, creíble en todo momento). Personalmente me ofreció ciertas dudas durante su metraje especialmente por su look y narrativa parcialmente deudora del cine y la televisión destinada a adolescentes, aunque sin duda es algo que se perdona si eso ha de servir para que la película llegue al mayor público posible ya que ésta cumple con su objetivo de provocar la reflexión. Otro momento que la película consigue remontar es cuando el previsible final de tono moralizante (algo también comprensible) parece quedarse en terreno poco comprometido al plantear situaciones un tanto previsibles. Afortunadamente esto no sucede y el director lleva finalmente la propuesta hasta sus últimas consecuencias en un final realmente impactante. En resumen, muy interesante pese a su tono y su vocación moralizante, el tema daba seguramente para mucho más sin tantas concesiones, pero si a algún film le vamos a perdonar buscar un público más amplio y que tenga vocación didáctica, es a este.
Valoración: 7/10
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Amores Perros

Alejandro González Iñárritu, 2000
El debut del director Mexicano Alejandro González Iñárritu también pasa por ser su primera colaboración con el imprescindible guionista Guillermo Arriaga. Juntos han explorado a lo largo de sus diversas colaboraciones unas peculiares estructuras narrativas y un vivo retrato de personajes torturados. "Amores Perros" sorprendió en su momento con estos ingredientes y con sus convincentes interpretaciones que llevaban el retrato de lo más oscuro del alma humana hasta sus últimos extremos. Las estructuras narrativas de Arriaga siempre se basan en varias historias independientes que se van entrelazando de manera sutil en los diferentes bloques narrativos, de forma que mientras estamos siguiendo una historia principal vamos conociendo detalles de las otras historias, muchas veces de forma breve pero clave para su desarrollo. En este caso, como el propio título indica los perros cobran un papel protagonista, pero no menos que los amores (o mejor desamores) de los protagonistas de las tres historias principales en que se subdivide la trama. Mi preferida es la primera de ellas donde unos rateros se ganan la vida apostando en peleas de perros callejeros, la vida parece sonreirles hasta que se dan de bruces con la realidad de que ese mundo es demasiado brutal para ellos, y en su huída de esa realidad provocarán el conflilcto clave para la segunda de las historias, que por cierto es la que me convence menos con esa ridícula historia del perro perdido bajo el suelo del aparatamento. Con un notable pulso narrativo y sin concesiones, Iñárritu pone toda la carne en el asador y rueda con las entrañas retratando a la perfección a esos personajes torturados y sus motivaciones vitales. En posteriores películas como "21 Gramos" y "Babel" la pareja Arriaga/Iñárritu han explorado estas mismas estructuras narrativas con similar fortuna, esperemos que la fórmula no se agote.
Valoración: 8/10
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Casual Day

Max Lemcke, 2008

Visto lo ofrecido por José Luís Cuerda en "Los girasoles ciegos", resulta evidente que el cine español debe empezar a evitar cierto tipo de productos que han quedado definitivamente como un reducto del pasado. Por eso se acogen con los brazos abiertos propuestas como la de "Casual Day", que nos traen un cine más moderno, tratando unos temas que más interesantes, y que afortunadamente salva las distancias (por poco, eso sí) con lo que ofrecen los productos televisivos. "Casual Day" es la historia de un fin de semana donde un grupo de empleados de una empresa celebran un evento de Team Building (o convivencia extra-laboral), los diferentes protagonistas descubrirán sorprendidos a lo largo del evento cuales son las verdaderas motivaciones de sus compañeros. La película está dirigida por Max Lemcke, que estuvo trabajando en Telefónica durante 12 años antes de dedicarse a la dirección, con lo que conoce el mundo laboral a la perfección y ha sido capaz de retratar diferentes personajes, que aunque a todos nos suenan (el pelota, el quejica, el sumiso, el jefe cabrón, el dueño, la becaria, .....) no necesariamente están cortados por patrones estereotipados. Con unas buenas actuaciones donde sobresale el siempre eficaz Luis Tosar (lo acabas odiando de bien que ejerce de jefe hijo de puta) y un guión correcto, la cinta se deja ver con interés aunque lamentablemente se queda a una distancia segura de resultar verdaderamente transgresora, exceptuando su tramo final donde la tensión narrativa se sitúa en los niveles que debería tomar durante el resto de la trama. Interesante.
Valoración: 6/10
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The Brøken (The Broken)

Sean Ellis, 2008

Esta es una reseña complicada de escribir porque es difícil no desvelar detalles clave de la trama. Diremos que es la historia de varios personajes que sufren fenómenos paranormales y cuando uno de ellos se da cuenta de la circunstancia sufre un accidente de tráfico que le hace perder parcialmente la memoria. El proceso de recuperación de estos recuerdos y el terrible suceso que esconden, son la base de la trama. El problema es que de lo que pasa (que en sí es bastante obvio) no se da ninguna explicación, no se sabe si es solo la familia protagonista quien lo sufre, no se sabe la naturaleza del fenómeno, no se sabe como se inicia o como concluye, no se da ninguna explicación al respecto. Y el problema es que el resto de la trama no es lo suficientemente sólida como para soportar la película, de forma que al final queda la impresión de haber visto algo muy inconsistente. No pretendo que me lo expliquen siempre todo, pero si hay partes abiertas a la interpretación debe haber material donde agarrarse y no el vacío más absoluto. Sin embargo si la película no es un desastre, es porque a nivel de interpretación, ambientación, y acertado ritmo sosegado se consigue transmitir inquietud y desasosiego en el espectador, lo cual es mucho cuando argumentalmente no hay demasiado.

Valoración: 4/10
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