El Rey de la Montaña

Gonzalo López-Gallego, 2007
"El rey de la montaña" es una curiosa propuesta, apenas 2 o 3 protagonistas se ven perdidos en una montaña que parece desierta. Únicamente toman consciencia de la presencia de otras personas por los disparos que reciben, y es que la única premisa de la película es que estos personajes huyen de alguien que pretende asesinarlos a toda costa sin motivo aparente. Hasta el último cuarto de película no somos conscientes de lo que está pasando y pese a que el planteamiento es hasta cierto punto original y podríamos decir que valiente en su resolución, la tan esperada explicación de los acontecimientos acaba resultando algo decepcionante para las expectativas levantadas. Perdonarme si no soy más explícito en los comentarios pero si os reviento el final os quito cualquier aliciente para verla.

Pero el problema es que hasta llegar a ese punto hemos sigo testigos de una hora de carreras de un lado a otro y de situaciones no demasiado interesantes, de forma que el sopor se acaba adueñando de la propuesta a media cinta. La culpa de esto la podemos encontrar en el poco carisma de su protagonista (Leonardo Sbaraglia) y la poca química que desprende su relación con la co-protagonista (María Valverde) -forzado polvazo de por medio incluido-, y sobre todo en la escasa efectividad de los mecanismos narrativos utilizados. Como curiosidad a López-Gallego le deben gustar mucho los video-juegos a tenor de la multitud de planos que homenajean puntos de vista de diferentes juegos.

-Valverde y Sbaraglia en un impás antes de ser cosidos a tiros-

Así que aplaudiremos la iniciativa pero le daremos calabazas por no ser capaces de aprovechar las ganas de hacer algo diferente, ni la estupenda fotografía de los escenarios naturales utilizados (esto si que destaca). Una pena, por que la propuesta podría haber dado de sí (por momentos nos recuerda al cine de Shyamalan) trayendo a la mente otras obras sobre persecuciones misteriosas como "Duel" de Spielberg o clásicos sobre cacerías humanas como "El malvado Zaroff". Otra vez será, aunque parece ser que esta cinta le ha valido crédito a López-Gallego para dirigir en un proyecto internacional en inglés, con poco se conforman...
Valoración: 4/10
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Hércules (Le fatiche di Ercole)

Pietro Francisci, 1958
Ha llegado la hora de expandir los horizontes de este experimento que nos traemos entre manos, y esto seguro que no os lo esperábais: A partir de ahora le vamos a prestar atención a un genero injustamente olvidado y vilipendiado: El 'peplum'. Si señor, ya va siendo hora de romper una lanza (toma chiste fácil) en favor del genero de "espada y sandalias" por excelencia, pero no os esperéis que hablemos de 'Ben-Hur' o 'Los diez mandamientos', no señor. Mi gran descubrimiento es el 'peplum' cocinado en Italia desde finales de los años 50, y que tuvo un fuerte componente fantástico, en su mayor parte gracias a verse inspirado por la mitología grecolatina de la Odisea, Iliada, las Argonauticas, etc. Así que cualquier aficionado a las aventuras fantásticas tiene incompleto su bagaje sin haber prestado atención a este estilo y a este periodo.

Dos películas dieron el pistoletazo de salida al género en Italia (que por otra parte ya había abordado plenamente en uno de los primeros largometrajes mudos: "Cabiria" de 1914). Estamos hablando de las seminales "Ulises" (de 1955 con un joven Kirk Douglas y de la que hablaremos otro día) y sobre todo de "Hércules", cuyo éxito en todo el mundo desató una locura de secuelas (se cuentan por decenas) así como una pléyade de héroes mitológicos de diversa calaña como Maciste, Ursus, Sansón, etc. a los que debemos ver como los auténticos super-héroes de la época (que queréis que os diga me creo mas a un héroe con falda y sandalias que a uno en pijama con los calzoncillos por fuera). Por cierto que autenticas leyendas como Mario Bava o Sergio Leone dieron sus primeros pasos en esta fiebre mitológico-aventurera.

-Steve Reeves y Sylva Koscina conociéndose en la escena inicial-

Vamos pues a comentar la maravillosa "Hércules", protagonizada nada mas y nada menos que por Steve Reeves, el autentico y genuino predecesor de Arnold Schwarzenegger (quien por cierto en sus inicios también se puso en el pellejo de Hércules en la psicotrónica "Hércules en Nueva York"). Como el austriaco, se trataba de un ex-campeón de culturismo con limitadísima experiencia en la interpretación y además con el curioso antecedente de debutar en el cine con el mismísimo Ed Wood. Pero Steve Reeves además de ser un 'mazas' sabía otorgar a sus papeles un cierto carisma y cumplir con solvencia, por mucho que le doblaran todas y cada una de sus líneas de dialogo.

-Al amigo Hércules le van a hacer superar más pruebas que en las olimpiadas-

El argumento está basado en las intrigas que se dan en el reino de Lolcus, donde un herrante Hércules llega acompañado de la princesa Lole (maravillosa Sylva Koscina), hija del rey Pelias quien ha llegado al trono tras ser asesinado su hermano, el anterior rey, y ser robado el gran tesoro del reino: el vellocino de oro. Ante el temor de Pelias de ser acusado de fraticidio, la llegada de su sobrino Jasón provoca que envíe una expedición a tierras lejanas en busca del vellocino donde supuestamente esta la pista que desvela el misterio. Son los argonautas (entre quienes está Ulises, amigo de Jasón), quienes protagonizan la estupenda segunda mitad de la cinta, de maravillosas y evocadoras aventuras fantásticas.

-Mitico: Hércules en plena apoteosis-

Lo que sorprende de esta cinta, es que es capaz de desarrollar el complejo argumento de forma simple y eficaz, prevaleciendo siempre la aventura y el espíritu lúdico. En este sentido es imposible no hacer comparaciones con la pobre narrativa del cine actual, incapaz de desarrollar argumentos complejos de forma amena cayendo frecuentemente en el sopor. Pero es que en "Hércules" vamos sobrados de diversiones: Los retos "deportivos" iniciales a los que Hércules se ve sometido, sus luchas contra leones y otras fieras, la maravillosa aventura del poblado de las amazonas (tribu de féminas que asesinan a los machos que caen por sus tierras después de dejarse fecundar por ellos) y culminando con las inigualables escenas de un Hércules encadenado arrasando a cadenazo limpio con todos los soldados de Pelias que le salen al paso y culminando con la famosa escena de la demolición del templo arrastrando Hércules sus columnas con su brutal fuerza.

Puro espirito lúdico (ya sabéis, aventuras, humor, erotismo -los muslos de Lole son por si solos mitológicos-, etc.) en un clásico a reivindicar desde ya por mucho que los efectos especiales no sean de Harryhousen y el monstruo que custodia el vellocino de oro palidezca ante la comparación de la hydra de tres cabezas de "Jasón y los argonautas" (cinta inferior a la que nos ocupa con la que comparte parcialmente argumento). Pero esa amigos, es otra historia.
Valoración: 8/10
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Bubba Ho-Tep

Don Coscarelli, 2002
Estáis completamente equivocados, Elvis Presley no murió en los 70 sino que intercambió su personalidad con un doble porque estaba cansado de la fama y el dinero. Keneddy no fue asesinado sino que oscuras conspiraciones (nunca mejor dicho), le convirtieron a la raza negra y extrajeron parte de su cerebro para poderle internar en una residencia. Además debéis saber que pasados los años y convertidos en ancianos, nuestros héroes particulares deben hacer frente a una amenaza que se cierne sobre su senil comunidad en forma de momia egipcia fugada de una exposición itinerante. Este delirante argumento protagoniza esta competente serie B de hace unos años que recoge la herencia perdida de argumentos bizarros de los años 50-60 que tan dispares resultados dio por aquel entonces.

-Elvis (andador en mano) y Kennedy (en silla de ruedas) preparados para enfrentarse a su enemigo-

Dos nombres propios brillan en esta extravagante propuesta, el primero es nada mas y nada menos que Bruce Campbell, el rey de la serie B fantástica presente en clásicos de la talla de la saga "Evil Dead" y el ¿torpe? director Don Coscarelli autor de la entrañable "El señor de las bestias" y de las tropecientas entregas de la discreta saga "Phantasma". Bueno pues de todos estos extravagantes ingredientes, ¿que resultado tenemos?. Pues mas que interesante. El retrato de Campbell de ese Elvis decrépito es mas que brillante, entregando una interpretación asombrosa, mientras que el amigo Coscarelli le da a la cinta un ritmo sosegado para disfrutar de los matices de la interpretación de los descacharrantes personajes dejando la trama fantástica en un claro segundo plano respecto al retrato costumbrista de los abueletes en la residencia.

Una serie B de las que vale la pena ver, y una película inexplicablemente poco conocida para lo entretenida (y divertida) que resulta.
Valoración: 7/10
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Nick y Norah, una noche de música y amor (Nick and Norah's Infinite Playlist)

Peter Sollett, 2008
Uno de los misterios del mundillo del cine actual es como ese chaval con cara de pajarito y cuerpo de fideo llamado Michael Cera se ha convertido en una de las estrellas más cotizadas de Hollywood. Supongo que su papel en "Juno" le puso en el mapa y las comedias de Apatow y la (no se si decir afortunada) tendencia a retratar frikies o jóvenes alejados de los estereótipos habituales en determinado tipo de películas indies han hecho el resto. O quizá es que a los pagafantas nos mola eso de ver a un mindundi enrollándose con las tías más mazizas...

Aquí tenemos un ejemplo en este híbrido de comedia romántica y película indie con sus diferentes mecanismos y formas (ya sabéis más tópico-típico el componente de comedia romántica y más sutil el retrato sentimental que suelen ofrecer los productos independientes). Y bueno eso es lo que tenemos, una sencilla historia de dos jóvenes que se buscan sin encontrarse y que se encuentran sin buscarse, cada uno con sus problemas y casuísticas personales.

-El cara de pajarito y su mazizorra amiga-

El punto original (aunque ya habíamos visto cosas parecidas en "After hours" por ejemplo) es que toda la historia se desarrolla en el transcurso de una noche de juerga donde los protagonistas se dedican a recorrer la ciudad en busca de una actuación sorpresa de su grupo favorito sufriendo encuentros y desencuentros. Así que si la historia no es demasiado original y tenemos que soportar clichés de comedia romántica juvenil, ¿que aguanta la película?, pues precisamente la actuación del citado Michael Cera y la de su partenaire Kat Dennings que son capaces de transmitir cierta química, lo que junto a detalles como el amor de Nick por su destartalado coche y la majestuosa presencia escénica del legendario estudio Electric Lady (donde acontecen unos frotamientos ciertamente rodados de forma original) hacen que el producto se deje ver (y olvidar).
Valoración: 5/10
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Barton Fink

Joel Coen, 1991
Mientras escriben"Muerte Entre las Flores" (Miller's crossing), los hermanos Coen sufren un bloqueo creativo ante la complejidad de aquel guión que les impide terminarlo. Por ello deciden tomarse un respiro de esa película y escribir un guión pensando en John Turturro para protagonizarlo donde reflexionan sobre los mecanismos creativos. Nada más finalizar el rodaje de "Miller's Crossing" ruedan "Barton Fink", que se estrena con muy poca diferencia de tiempo. La película arrasa en Cannes de aquel año llevándose los premios de mejor película, director y actor principal (algo que es la única vez en la historia que ha sucedido). Esta película pasa por ser uno de sus ofrecimientos más personales y no es de extrañar que fuera un fracaso de taquilla.

-Escena mítica donde las haya: La llegada de Barton al hotel Earle-

1941, Barton Fink (John Turturro) es un autor de teatro que triunfa en Broadway firmando obras protagonizadas por gente perteneciente a clases sociales modestas. Es contratado por un productor de Hollywood (Michael Lerner) para escribir guiones de cine. Cuando llega a Los Angeles se aloja en el Hotel Earle, un surrealista lugar donde cualquier cosa puede pasar y donde conoce a un extraño vecino interpretado por John Goodman. Barton empieza a experimentar un bloqueo creativo que junto con los aparatosos acontecimientos que le suceden en el hotel ponen a prueba su capacidad de resistencia, y evidencian las ganas de los Coen de homenajear a Kafka y Borges, entre otras de las muchas referencias que podemos encontrar.

-Barton y su compañero de fatigas reflexionando sobre la vida... ¡antes de tener que hacerlo sobre la muerte!-

Esta es sin duda una película fascinante. El hotel Earle tranquilamente puede aspirar a ser uno de los escenarios más surrealistas de la historia del cine. Nunca una llegada a un hotel ha resultado tan fascinante, ni un vestíbulo, un ascensor o un pasillo de hotel tan interesantes. Por no hablar de la habitación de Barton, con todos y cada uno de los problemas que le impiden concentrarse. Pero no todo es escenografía y contamos con las impresionantes actuaciones del propio Turturro en el papel de guionista idealista torturado, de John Goodman como el buenazo compañero de fatigas (mejor no reviento quien resulta ser al final) y secundarios enormes como Michael Lerner en el papel del productor dictatorial (recibió una nominación al mejor actor secundário). Sin duda todos los actores de esta cinta están espléndidos y resaltan una de las mejores virtudes de los Coen como es la dirección de actores.

-Barton con su regalito final, disfrutando de sus visiones claustrofóbicas-

Es esta una película extraña, de inesperada y sorprendente evolución, lo que la hace poco menos que fascinante. Además los Coen quisieron darle un toque enigmático dejando algunos temas por resolver, como la misteriosa caja que le entrega a Barton cierto personaje siniestro y que nos quedamos sin conocer su contenido -aunque ya sabemos qué suelen poner en las cajas los psicópatas (Seven, Oldboy, etc.)-. Conscientes de que este era su intento más serio de transcender a la historia del cine (este podría ser su "Citizen Kane" particular), quizá alguno de estos elementos resulta algo forzado, así como algunos giros argumentales. Pero es igual, "Barton Fink" vuelve a ser una cinta imprescindible del universo Coen, y quizá su propuesta más arriesgada hasta la fecha.
Valoración: 8/10


Seguimos con el repaso a la filmografia de los hermanos Coen a paso lento pero seguro. Esperemos que acabemos antes de que estrenen su próxima obra, y si no.... otra más a añadir al serial. En La próxima entrega tendremos la interesante y denostada por la crítica "El Gran Salto" (The Hudsucker Proxy) de 1994..

Cajón de Sastre III : Sexykiller, ¡Me ha caido el muerto!, La vía láctea, La Atlántida el continente perdido

Bueno amigos y fieles seguidores, desde la redacción de "The Quatermass Experiment" ubicada en un rascacielos de 30 plantas donde ocupamos las cuatro superiores y tocamos a 200 secretarias por redactor, ha llegado el momento de publicar un nuevo "Cajón de sastre". Pues sí, porque nosotros lo valemos, porque nos da pereza hacer reseñas más largas de estas películas o simplemente porque estamos en rebajas y damos cuatro por el precio de uno (a esta conclusión ha llegado el departamento de marketing tras hacer un estudio de mercado). Sin más preámbulo os dejo con las reseñas. Nos leemos.


Sexykiller
Miguel Martí, 2008
Bueno pues después de "El truco del manco", me alegra encontrar otra propuesta española que se sale de los convencionalismos. Veamos: Una asesina en serie que se ventila a todo el que se cruza por delante usando técnicas de lo más variopintas, unos estudiantes que construyen una máquina que acaba reviviendo a los muertos, un despiporre zombie castizo en el cual el protagonista combate a los zombies a jamonazos. Añadamos unas gotas de erotismo, violencia y gore, algo de ingenio en la realización (usando mil y una técnicas narrativas: telediarios, split screen, flashbacks,...), y una total y absoluta convicción del cachondeo, pasando de cualquier pretensión (salvo la cuidada estética). Anotemos además en su favor multitud de referencias cinéfilas (Evil Dead, El silencio de los corderos, ....) y por si fuera poco su protagonista Macarena Gómez hace un buen trabajo como la aparentemente inocente y extremadamente violenta protagonista (deliberadamente sobreactuada). Si, también banal y ridícula en algunos momentos, pero a Robert Rodriguez le reímos gracias muy similares. Estuvo a concurso en el pasado festival de Sitges y por supuesto ha tenido un fracaso total en taquilla, los pocos seguidores del cine español prefieren ir a ver bodrios como "Los girasoles ciegos".
Valoración: 6/10


¡Me ha caído el muerto! (Ghost Town)
David Koepp, 2008
Después de maldecir una vez más a los "tituladores" españoles, diremos que este cómico inglés, Ricky Gervais, hay que reconocer que tiene su gracia. Pero hombre, juega en contra de la película el tema tan y tan sobado de los muertos vivos o los vivos muertos. Que sí, que la película se deja ver, tiene algunos gags divertidos y como comedia romántica (ahí está su público) está bastante por encima de la media de ese género. Dicho esto, pues la primera mitad de la cinta es bastante anodina, luego le vamos cogiendo cariño a los personajes (mérito sobre todo de la preciosa -y buena actriz- Téa Leone) y bueno, la acabas de ver sin lamentar el tiempo invertido pero sin tampoco haber visto nada del otro mundo, por más que te deje un cierto regustillo positivo y optimista.
Valoración: 6/10


La vía láctea (La voie lactée)
Luis Buñuel, 1969
Cuantas más películas veo de Buñuel más convencido estoy de que es uno de los genios más grandes que haya dado el séptimo arte, además de un auténtico terrorista de las covenciones. Cada película suya es una bizarrada a cual más genial (no confundir genialidad con obra maestra, puede ser genial -en el sentido de personal y original- y no necesariamente muy buena). Ya sabéis que todas las películas de Buñuel -sin excepción- están movidas por la religión, el sexo y/o las convenciones sociales. En este caso el blanco es la iglesia católica, ya que el concepto del film es escenificar diversos episodios aislados que retratan herejías -auténticas y documentadas- usando como hilo argumental el viaje de dos peregrinos a Santiago de Compostela. La película tiene el inconveniente de que si no eres buen conocedor de los dogmas principales de la iglesia (yo estoy un poco pez en eso) te vas a perder muchas cosas. Pero pese a ese inconveniente no tiene precio ver la fornicación a la que se da toda una secta tras razonar convincentemente que es lo que hay que hacer según La Biblia para llegar a Dios. Y así cada una de las historietas, que por supuesto dan saltos espacio temporales entre otras bizarradas surrealistas.
Valoración: 7/10


La Atlántida, el Continente Perdido (Atlantis, the Lost Continent)
George Pal, 1961
Interesante cinta de aventuras firmada por el maestro de los efectos especiales pretéritos George Pal, autor de cintas tan interesantes como "La máquina del tiempo" (1960). En este caso se puso a realizar un "peplum" fantástico basado en una princesa de la Atlántida que un día aparece como si tal cosa en aguas griegas, convenciendo al pardillo de turno para que lo lleve a su mundo "más allá de las columnas de hercules". La verdad es que mola un montón ver un peplum donde empiezan a aparecer submarinos, fuentes de energía, bizarras divinidades, y un estrambótico "proceso" que convierte a los poco afines (pedazo dictadura que se retrata) en humanos con cabeza de animal. La cinta no es muy convincente a nivel de guión ni sus actuaciones son de primer nivel, pero !hey! resulta de lo más simpática y a poco que la fantasía sea vuestro fuerte creo que os puede gustar. A mi es que todo lo relacionado con el mito de la Atlántida me fascina desde pequeñito.
Valoración: 6/10.

Solaris (Солярис)

Andrei Tarkovski, 1972
Bueno amigos, después de las recientes dosis de ciencia ficción banal y lúdica, ha llegado la hora de atacar la película de ciencia ficción filosófico-metafísica por excelencia, el auténtico hueso, ladrillo, tocho o como queramos llamarlo. El equivalente dentro del cine de ciencia-ficción al "Ulises" (Joyce) de la literatura, al "Tales of topographic oceans" (Yes) del rock, o al "Akira" (Otomo) del comic. Obras todas ellas tan fascinantes como de difícil digestión.

Solaris es la novela más conocida del polaco Stanislav Lem, y fue la siguiente película que consiguió realizar el soviético Andrei Tarkovsky después de su maravillosa Andrei Rublev, que tuvo multitud de problemas de censura al mostrar una espiritualidad poco afín a las tesis comunistas. Durante mucho tiempo se le ha colgado a "Solaris" la etiqueta de respuesta soviética a "2001", cosa bastante absurda porque las intenciones de una y otra son muy diferentes, mientras Kubrik pretende reflexionar sobre el origen y destino de la raza humana en el universo, Tarkovsky fija su punto de mira en el interior del ser humano para reflexionar sobre su condición.

-La estación sobre la nebulosa de Solaris-

En el fondo el argumento de "Solaris" es bastante simple, una estación espacial que lleva años en órbita sufre extraños acontecimientos relacionados con la extraña conducta que sufren sus habitantes. A ella llega Kris Kelvin, un psicólogo encargado de averiguar que genera estos extraños comportamientos. Pronto descubre que la nebulosa Solaris es un ente pensante que crea alucinaciones tales como traer a la vida real personas muertas. Pero no se trata exactamente de alucinaciones, porque las otras personas también pueden ver e interaccionar con estas apariciones (compuestas de "neutrinos" y por ello poco estables según concluye el científico de a bordo). De poco sirve hacer desaparecer estos espectros, al poco tiempo Solaris vuelve a extraerlos del subconsciente y hacerlos reales.

-Kris y Hari(o un montón de neutrinos, como se prefiera)-

El tema principal de la película es el retrato psicológico de Kelvin, que decidido y tenaz en su llegada a la estación, ante la primera aparición de Hari (su esposa fallecida hace 10 años) no duda en meterla en una nave y lanzarla al espacio. Poco a poco Solaris va haciendo mella en su voluntad, y la pasión transforma su razón en una sorprendente resignación que le impulsa a aceptar la voluntad de Solaris y a quedarse en la estación viviendo la fantasía que ésta ha generado para él. Aunque como buen film filosófico acaba dejando en el ambiente más preguntas que respuestas, y a ello no es ajeno el desconcertante final.

-Interiorismo sovietico-futurista en la estación espacial-

Ciertamente el ritmo lento y cadencioso de la narración puede hacer huir a los paladares poco entrenados. En Filmaffinity leí una reseña hilarante que decía que Tarkovsky había realizado la película de esta manera para dejar sobados a los censores y que no la prohibieran, y ciertamente la película es durilla de digerir, pero en mi opinión recompensa ampliamente el esfuerzo que requiere. Nadie prodrá acusar a Tarkovsky de que un solo minuto de metraje no tenga la función de narrar su historia, el ritmo es lento pero la narración fluye a paso firme. Pero es que los temas tratados son tantos y tan ricos, las actuaciones tan convincentes, y el recurrente preludio para órgano de Bach tan bello y sabiamente usado que no puedo sino considerar a esta película como una auténtica obra de arte.

"El desconocimiento del día de nuestra muerte nos hace inmortales"
Kris Kelvin

Valoración: 9/10
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C.R.A.Z.Y.

Jean-Marc Vallée, 2005
Gracias a la insistente recomendación de Marguis, y a las promociones del diario "Público"(películas a 1,5€ -periódico incluido-) por fin tuve el otro día la ocasión de ver esta película canadiense de 2005 dirigida por el entonces debutante Jean-Marc Vallée, y tengo que decir que la experiencia ha sido plenamente satisfactoria, superando incluso las expectativas que tenía. "C.R.A.Z.Y." es la historia de Zac (Marc-André Grondin), el menor de cinco hermanos de cuyo crecimiento somos testigos en el marco de una familia conservadora. Vemos como se convierte en el niño mimado de sus padres, los conflictos con sus hermanos, su despertar sexual y sus dudas en cuanto a su orientación..., todo ello a lo largo de dos décadas centradas en unos maravillosamente retratados años 70.

-Zac en plena fiebre Bowie-

Es ésta una película de aquellas que te llegan y emocionan, las actuaciones son soberbias, el guión temáticamente rico, la puesta en escena imaginativa y original y todo ello cocinado sabiamente por el señor Vallée. Punto y aparte para la banda sonora y su uso extensivo del "Dark side of the moon" y "Wish you were here" de Pink Floyd, el "Space Oddity" de Bowie (en una preciosa escena donde Zac personifica a su ídolo maquillado como él) o la increíble escena de la misa imaginada por Zac, donde un coro de monaguillos escenifican el "Sympathy for the Devil" de los Stones. Para los que somos de una cierta generación, esta película empieza a entrar por los oídos.

-El cabeza de familia y sus problemas con los vinilos-

Se trata de una película sobre el amor, la familia, los valores, las promesas rotas, las decepciones, la amistad,... todos esos temas que resultan importantes en la vida. Y sobre todo es una película sobre la frustración de Zac, que se niega a aceptar su propia homosexualidad hasta unos extremos que emocionan y conmueven. Aunque para mi los reyes de la función son sus padres, una madre (Danielle Proulx) siempre a su lado, comprensiva y esforzada, y un padre (Michel Côté) que no es capaz de comprender la naturaleza de su hijo, lo que no le priva de darle todo su amor (hilarante por cierto su obsesión por Aznavour). Puede parecer por ésta temática que se trata de un dramón poco atractivo visualmente, pero tengo que decir que la película te engancha desde el primer momento, el humor está siempre presente (por ejemplo en la mencionada e hilarante escena de la iglesia), los recursos narrativos y de puesta en escena la hacen irresistible desde el punto de vista visual, y los oídos están regalados todo el rato con música inolvidable.

-Zac de niño (derecha) empezando a tener problemas con sus hermanos mayores-

Existe otra película canadiense de 1992 llamada "Léolo", con la que comparte intenciones y formas. Igual que aquella, "C.R.A.Z.Y." lleva mi más sincera recomendación.
Valoración: 9/10
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