Mary & Max

Adam Elliot, 2009
"Mary & Max" es una película australiana de animación rodada con la técnica stop-motion, que supone el debut en largo de Adam Elliot, un animador que ganó el Oscar al mejor corto animado en 2003 por "Harvie Krumpet" (podéis ver el corto en ese enlace). "Mary & Max" ha sido un gran éxito allá donde se ha estrenado (aún sin fecha de estreno conocida en España) y cosecha maravillosas críticas por doquier. ¿Hay para tanto?: Pues sí, no me cabe duda de que en el momento de su estreno esta cinta va a captar las mayores atenciones.

"Mary & Max" es una historia aparentemente simple pero que encierra una gran profundidad y contiene un extraordinario retrato de sus dos maravillosos personajes principales. Mary es una niña australiana con problemas de convivencia, no tiene amigos y sufre burlas de sus compañeros de colegio. Un día se le ocurre intentar conseguir un amigo por correspondencia y escribe a Max, un hombre maduro que vive en Nueva York. Pero Max es un hombre con muchos problemas: Obeso, sufre frecuentes ataques de ansiedad, depresiones, está completamente solo, ..... La película es una hermosa historia acerca de la amistad entre estos dos improbables personajes que no se conocen, únicamente sabemos de ellos a través de las cartas que se van enviando donde relatan sus experiencias vitales.

-Mary ante su vía de escape-

En los aspectos técnicos, la cinta es impecable. La animación está cuidadísima y lo mismo podemos decir de los maravillosos escenarios y maquetas, a la altura de cualquier cinta puntera del stop-motion (pueden venir a la mente los estudios Aardman por ejemplo). Además se hace un particular uso del color: El mundo de Max es en un blanco y negro que resalta lo miserable de su existencia, aunque algunos elementos que le aportan esperanza (como los regalos de Mary) podemos verlos en color, mientras que el mundo de Mary lo vemos en una tonalidad marrón (acaso ante la mayor esperanza de su vida). En general el diseño de los personajes y el look visual es fabuloso. Y puestos a resaltar aspectos formales, la banda sonora es imprescindible realce para la fuerza de la historia narrada.

-Max: Solo hay que verle la cara para entender-

Pero el auténtico poder de esta maravilla, es transmitir tanta amargura y a la vez tanta esperanza en la historia de estos dos perdedores, auténticos outsiders sociales apartados de la sociedad por ser diferentes. Cada carta que se envían, supone para el otro casi el único motivo vital, y el vehículo a través del cual su director nos hace llegar a querer a estos dos personajes, muñecos de plastilina con más personalidad que el 90% de personajes de carne y hueso. La película es dura, no apta para niños desde luego, temas como el suicidio, el alcoholismo o la diferencia sexual, están muy presentes.

Así que una gran sorpresa, y una sincera recomendación. Una cinta que nos hará reflexionar sobre nuestro lugar en el mundo y nos asustará un poco mostrándonos realidades que tenemos ante nuestras narices y que frecuentemente negamos.
Valoración: 9/10
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Lista mejores blogs de cine (Wikio)

Los compañeros del portal indexador de blogs Wikio, me han hecho llegar la clasificación de popularidad de blogs de cine que confeccionan según enlaces detectados, referencias, etc.

Aquí está la nueva lista que saldrá publicada los próximos días:

1 Blog de cine 2 Cine en Espectadores.net 3 Extracine 4 El blog del Chacal 5 Dentro Cine 6 Tu Blog de Cine 7 Uruloki 8 Actualidad Cine 9 Sobre el Mundo del Cine 10 Pasión por el cine 11 Cine Palomitas 12 Peliculas.info 13 Notas de Cine 14 Nachovigalondo 15 Estrenos del Vidente Africano 16 Cine VIP 17 El Guionista Hastiado 18 Cinencuentro.com 19 VayaCine 20 El Blog de cine Español 21 Cinemascomics.blogspot.com 22 Abandonad toda esperanza 23 La Calle Morgue

24 Kinovisio 25 El mundo de Angel 26 El hombre perplejo 27 The Quatermass Xperiment 28 Cine de Horror Colombia 29 Cine y Política 30 Tierra de Cinéfagos 31 El Lado Oscuro del Celuloide 32 No es cine todo lo que reluce 33 Traslaspuertas 34 Switch Off And Let's Go 35 GUIÓN ORIGINAL 36 Tarantinospain 37 Moonfleet 38 Cinemocho 39 Afición por y para el cine 40 CINERAMA Presentado por Wikio

Gracias a la gente de Wikio, y a los blogueros que no estáis inscritos ahí... ¡ya tardáis!

Brother

Takeshi Kitano, 2000
Despues de las poco convencionales "Hana-Bi" y "El verano de Kikujiro", Kitano consigue montar una coproducción internacional que le permite rodar su primera película fuera de Japón. Para mostrarse al público global, decide realizar una apuesta bastante más segura que sus producciones previas, optando por realizar una clásica visión del crimen organizado, con un argumento no demasiado alejado de los clásicos del género: “Brother” es la historia de Aniki, un yakuza que debe exiliarse tras huir de bandas rivales japonesas. Acude a Los Angeles donde su hermano hace trapicheos con algunos amigos. Con la ayuda de Aniki, conseguirán ir subiendo en el escalafón de bandas, hasta hacerle sombra hasta a la mismísima mafia con la que tendrán una violenta guerra.

Como vemos, un argumento no demasiado original, y que además peca de querer ser un catálogo de escenas violentas originales. De alguna manera "Brother" es una carta de presentación de Kitano ante un público internacional que no conocía su particular estilo causa-efecto de mostrar la violencia, y os aseguro que el catálogo de asesinatos, asaltos, hara-kiris, decapitaciones, dedos cortados, y usos alternativos de los palillos es tan amplio como quizá excesivo.

-Aniki y su interracial grupo posando entre tiroteo y tiroteo-

Pero Kitano se mantiene fiel a su manera de entender el cine, y su manera de rodar, pausada, buscando siempre encuadres preciosistas que contrasten con las explosiones de violencia o los conflictos de los personajes sigue ahí y por eso la película se mantiene siempre a buena altura. Quizá otro inconveniente es que Kitano quiere llevar también al extremo su personaje clásico en ese yakuza inexpresivo sin casi diálogo, por lo que su personaje queda apenas esbozado siendo complicado empatizar con él. Hay una escena clave en la cinta: Después de muchos lances salvados con total precisión, Aniki se pasa de listo en una situación en que su mujer es retenida por mafiosos rivales, y eso le hace cambiar su paradigma vital demostrándolo en un final no por tópico menos bello.

-¿Que va a pasar ahora?-

Ya que esta vez el compositor Hisashi está correcto pero no destaca como en otras cintas, daremos la mención especial al reparto interracial que hace un muy buen trabajo. En resumen, esta vez el nivel de originalidad está más contenido, lo cual no hace que la película sea ni mucho menos mala, pero tampoco me parece tan imprescindible como sus predecesoras. Eso sí, los aficionados a las películas mafiosas tienen aquí una cinta infaltable, y en cualquier caso puede ser también un buen punto de partida para iniciarse en el universo Kitano.
Valoración: 7/10


En breve en esta serie sobre la filmografía reciente de Takeshi Kitano, "Dolls" (2002) o la siguiente vuelta de rosca de este siempre inquieto autor.

Aguirre, la Cólera de Dios (Aguirre der Zorn Gottes)

Werner Herzog, 1972
El cine alemán (salvo en la época muda) nunca ha florecido con el esplendor de las cinematografías francesa o italiana, pero a principios de los 70 aparecieron algunos cineastas muy interesantes como Fassbinder, Wenders, o el propio Werner Herzog. Por razones que no vienen al caso he decidido revisar algunas de las principales cintas de éste último, y nada mejor para empezar que la poderosa "Aguirre, la Cólera de Dios" (me encanta el título).

El argumento se basa en la expedición que lleva a un grupo de conquistadores a través de la selva amazónica en búsqueda del mítico "El Dorado". La expedición no pasa por sus mejores momentos y deciden enviar un grupo reducido como avanzadilla en unas balsas sobre el Amazonas. El grupo está comandado por Don Pedro de Ursúa con el soldado Lope de Aguirre como segundo. Pero Aguirre es un megalómano que no ceja hasta hacerse con el liderazgo del grupo y arrastrarlo hacia un infierno sin retorno.

-La 'troupe' de Aguirre en aguas turbulentas-

No se concibe esta película sin la mítica interpretación de Klaus Kinski en el papel de Aguirre. Su histriónica y convulsa interpretación encaja a la perfección con la locura del personaje. Y de hecho toda la película es una reflexión sobre la locura. La locura de una expedición de cientos de personas descendiendo acantilados arrastrando mobiliario y armamento pesado persiguiendo una quimera. La demencia de Aguirre quien no duda en usar la mentira, la violencia, y cualquier otro método para conseguir la sumisión de sus compañeros de expedición. Y la demencia en la que acaba sumido todo el grupo tras la tensión de tener que vigilar las sombras en los meandros del río buscando los posibles ataques indígenas y sucumbir a la falta de alimento. Otros interesantes temas que trata esta gran película de aventuras históricas son el papel de la iglesia católica (siempre al lado de los poderosos y usando la evangelización indígena como excusa para la búsqueda de oro) o la sumisión de un grupo a un líder déspota (brillante el resultado en este sentido).

La película tiene un claro tono documental, Herzog planta la cámara para observar sin artificio el desarrollo de la acción, con lo que consigue una narrativa bastante personal pero al mismo tiempo eficaz, la cinta te atrapa desde su arranque. Y que decir de las espectaculares localizaciones naturales que aportan el brillante escenario que hace posible el brillante resultado. Y como ingrediente adicional imprescindible, la banda sonora del grupo de rock progresivo Popol Vuh creando solemnes pasajes instrumentales con su mellotron (primitivo sintetizador que usaba cintas magnéticas para crear sonidos inigualables).

-Klaus Kinski en uno de los diálogos(!) principales de la cinta-

La cinta está llena de escenas memorables como ese inicio espectacular donde la expedición desciende por los acantilados hasta llegar a la orilla del río, los descensos en balsa por los rápidos del Amazonas (con riesgo para los protagonistas, no había presupuesto para extras), los arranques de violencia de Aguirre incluyendo asesinatos y decapitaciones, y claro, esa demoledora escena final donde un moribundo y delirante Aguirre, alecciona a una plaga de monos que acaso simboliza el nivel de sus posibles súbditos, sobre la dinastía que piensa crear con... ¡su propia hija!.

Antes de acabar merece la pena mencionar que esta cinta es reconocida por Francis Ford Coppola como influencia para plantear "Apocalypse Now". Fácilmente reconoceréis situaciones y temas que emparentan a estas dos grandes películas sobre la demencia, pero especialmente uno no puede olvidar esos planos del avance por el río expectantes a los movimientos entre las sombras de la orilla en prevención de una emboscada indígena o vietnamita, de hecho los planos os sonarán tan familiares que lo mismo viendo Aguirre no os extraña ver aparecer unos 'charlies'...
Valoración: 8/10
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¡Las mejores películas de la década! (un poco pronto, ¿no?)

Pues sí amigos parece mentira y acabamos década, así que toca hacer ese ejercicio tan... ¿odioso? de seleccionar las mejores películas de los últimos diez años. A los redactores de la... ¿prestigiosa? revista musical mondosonoro, les ha entrado prisa por hacer su votación (¿será que no puede salir ninguna obra maestra en estos meses finales?). Aquí están los... ¿previsibles? resultados pero antes de protestar, quizá hay que entender que no se puede esperar demasiado de una revista tan... ¿gafapastera? que se atreve a proponer estos discos como los mejores de la década.

Internacional:

1- Kill Bill 1 y 2
2- Mulholland Drive
3- Oldboy

4- Ratatouille
5- Dogville
6- Mystic River
7- A.I. Inteligencia Artificial
8- El Viaje de Chihiro
9- Adaptation (el ladrón de orquídeas)
10- El Protegido





Nacional:

1- El Laberinto del Fauno
2- Volver
3- Las Horas del día

4- (rec)
5- El Orfanato
6- Tres días
7- La Noche de los Girasoles
8- Los Otros
9- En Construcción
10- Intacto

Así que, fieles seguidores de TQX, ¿que os parece?....

Cajón de Sastre VI : Radio Encubierta, Wolverine, Jack el Gigante Asesino, Zombies Party, Si la Cosa Funciona

Redacción. Tema libre: ¿Nunca os ha pasado que días después de ver una película que no os ha parecido ninguna maravilla, sus personajes os siguen acompañando y al cabo de los días os dais cuenta de que era una cinta maravillosa?. Pues a mi me ha pasado esto con "Adventureland". Sí amigos, esa aparente sensiblería ha ido creciendo hasta que ahora me doy cuenta de que sus personajes eran de lo más sinceros que he visto últimamente...buf!. Pero tranquilos, ante el riesgo inminente(!) de que me de por ver las películas de "Crepúsculo", pasamos al "Cajón de sastre" semanal, ya sabéis de peor a mejor y... bonus-track para el que aguante hasta el final!


Radio Encubierta (The Boat That Rocked)
Richard Curtis, 2009
Insulsa, muy insulsa comedia coral sobre un tema que prometía mucho pero que acaba resultando tremendamente decepcionante. No se trata de que los gags no hagan gracia, es que sus personajes son muy pobres y se desperdicia un material de partida que podría haber dado mucho de sí: El despegue de la comunicación radiofónica del rock&roll en el reino unido de los años 60, dominado por las emisoras piratas que tenían que emitir desde barcos en aguas internacionales. Poco se salva de la propuesta, que ni siquiera irrita, sino que directamente se olvida. Y no será por no tener actores de calibre como el mismísimo Philip Seymour Hoffman.
Valoración: 4/10


X-Men Origins: Wolverine Gavin Hood, 2009
Mira que la saga X-Men la podría contar como la única dentro del campo de los super-héroes que más o menos me convence, y van y me hacen este estropicio. Se trata probablemente de uno de los guiones más reiterativos que he visto en mi vida. ¿Cuantas veces se encuentran los antagonistas y se lanzan a matarse?. Así que a nivel de trama la cosa no es muy interesante (llamar sobado al asunto de organizaciones que forman grupos de héroes que entran o salen es quedarse muy corto). Muy flojita, por más que las escenas donde interviene el X-men del rayo ocular sean bastante espectaculares, a ver si le dedican a él una película (y de paso contratan a otros guionistas).
Valoración: 5/10


Jack el Gigante Asesino (Jack the Giant Killer)
Nathan Juran, 1962
Esta película es algo así como una cinta perdida de Harryhousen, aunque él no interviniera para nada. Dirigida por Nathan Juran (autor de algunas obras clave del genio del stop-motion), mantiene el estilo de ese tipo de cine en una cinta de aventuras con criaturas gigantes monstruosas, y abundantes efectos especiales, aunque quizá con una trama algo más infantil que pongamos "Simbad y la princesa". Aquí estamos más dentro del campo del fairy-tale, y si nos ponemos en la perspectiva adecuada, la película funciona de manera más que correcta por mucho que las criaturas se vean algo de baratillo si las comparamos con las del maestro. Eso sí, algunos efectos especiales psicotrónicos, hacen su visionado imprescindible para el friki medio. Por cierto que por vicisitudes de la traducción, Jack pasa de ser el héroe mata-gigantes... ¡a ser el propio gigante!
Valoración: 6/10


Zombies Party (Shaun of the Dead)
Edgar Wright, 2004
Una de esas películas que desde su estreno ha tomado eso que llamamos condición "de culto" (sea lo que sea que eso signifique) y personalmente no veo que haya para tanto. Me parece una buena comedia, con gags divertidos, y un estilo visual y montaje resultones, pero que tampoco es un que conduzca una trama especialmente interesante ni (en el caso de que pretendiera ser un despiporre gamberro) tampoco es que sea una carcajada continua. Eso sí, algunos gags antológicos como ese combate contra los zombies tirándoles vinilos (que previamente hay que escoger, no vayamos a lanzar una edición de coleccionista). Creo que solo los fans del género zombie la encontrarán imprescindible.
Valoración: 6/10


Si la Cosa Funciona (Whatever Works)
Woody Allen, 2009
El Allen de "Cassandra's dream", "Match Point" o "Vicky Christina Barcelona" me había seducido, así que de esta vuelta atrás a terrenos (muy) conocidos para el seguidor podría temerse lo peor. Pero no se puede negar que esta cinta está muy bien escrita y interpretada. Una comedia en el genuino estilo de su autor conteniendo las dosis habituales de chistes políticamente incorrectos, improbables relaciones entre vejestorios y jovencitas, y bizarradas como por ejemplo que los personajes se pongan a hablar con la cámara. Indudablemente divertida por mucho que esta película ya la hayamos visto muchas veces. Otro acierto de nuestro vejete favorito (por cierto genial Larry David en un papel que se nota Allen ha escrito como si lo fuera a interpretar él mismo).
Valoración: 7/10


Y como 'Bonus Track' para los que hayáis llegado hasta aquí, el bonito monólogo con el que David nos obsequia al final de "Whatever Works":

"Solía detestar la celebración del Año Nuevo. Todo el mundo desesperado por divertirse. Intentando celebrarlo de alguna forma patética. ¿Celebrar qué?: ¿Un paso más cerca de la tumba?. Por eso es que no ceso de repetir: Cualquier amor que puedas conseguir y dar, lo que sea de felicidad que puedas tomar o proveer, hazlo durante el tiempo que puedas si la cosa funciona".

"Y no te engañes, eso no significa todo sobre tu propia humanidad ingenua. La mayor parte de tu existencia es suerte, aunque no quieras admitirlo: ¡Dios!, ¿sabes las posibilidades que habían de que un espermatozoide de tu padre, encontrara el óvulo que te formó entre millones de ellos?: No pienses en ello, tendrás un ataque de pánico".

Woody Allen

El Imaginario del Doctor Parnassus (The Imaginarium of Doctor Parnassus)

Terry Gilliam, 2009
No diré que Gilliam sea mi director favorito, pero sin duda es uno de los culpables de que el cine me apasione, así que tengo que reconocer que este es uno de los pocos casos en que un estreno de cine es capaz de tenerme ansioso ante la perspectiva de saber que se está proyectando en un cine cerca de mi casa y yo no estoy allí para verlo. Así que poco menos que milagroso es que esta vez los astros se alinearan doblemente, primero para conseguir hacer una escapada al cine con mi señora, y lo que es más complicado, convencerla para elegir esta película (otro día os explico las artimañas utilizadas). Después del doble triunfo, me dispuse a presenciar una de las cintas más esperadas por mi en los últimos años....

Comienza la sesión y vemos a una delirante troupe haciendo un decadente espectáculo de feria basado en las habilidades del Doctor Parnassus (Christopher Plummer) para manipular la imaginación de los clientes que se prestan a su juego. El doctor tiene la habilidad de servir de catalizador para que quienes atraviesen su espejo penetren en el interior de su propia imaginación encontrándose con sus miedos y deseos. Posteriormente sabemos que está habilidad la adquirió Parnassus en uno de sus múltiples tratos con el diablo (Nick Drake), quien aburrido de su inmortal y monótona existencia, utiliza a Parnassus (otro "ludópata") para plantearle apuestas como la que le dio a éste su inmortalidad, la que le obliga a entregarle a su hija Valentina (Lily Cole) al cumplir los 16 años, o rizando el rizo, aquella en la que combinan sus dos mentes para plantear una elección al cliente que o bien le libera o bien hace que el diablo se apodere de su alma. Las apuestas siguen y siguen, pero entra en escena el personaje de Tony (Heath Ledger/Jude Law/Johnny Dep/Colin Farrell), un supuesto filántropo del que poco se conoce pero que acabará siendo clave para la resolución de la trama.

-La anacrónica atracción de feria de Parnassus & cía-

Después hablamos de los puntos favorables, pero mejor decir cuanto antes que la narrativa es confusa y no resulta nada fácil seguir la trama. Gilliam deliberadamente apuesta (como Parnassus o el diablo de su cinta) por realizar una cinta de culto, y por ello hay ciertos aspectos que no explica. El espectador medio (como fui testigo por los comentarios de la sala) se va a quedar a cuadros, especialmente en el delirio final de escenas "mentales" donde la trama se resuelve. Pero he de decir que al igual que ocurre con cintas como "Donnie Darko", por mucho que no te acabes quedando con la trama en un primer visionado, se consigue crear la intriga para que le des vueltas a lo que acabas de presenciar hasta que le ves sentido. Esto me hace pensar que la cinta ganará con segundos visionados, y que incluso con el tiempo pueda llegar a un cierto status "de culto" como otras obras de su creador. Y no vamos a achacar las flaquezas de la cinta sólo a su pretendida ambiguedad, que agujeros argumentales también los hay.

Pero Gilliam es Gilliam, y pese a que haga auto-referencia de múltiples elementos de sus obras previas (globos, enanos, ferias ambulantes, el demonio....), nos ofrece dos cosas de las que sigue siendo un maestro: Una puesta en escena deslumbrante, y unos personajes siempre interesantes. Visualmente la cinta es espectacular, y no me refiero a escenas como la apabullante primera visita del diablo al templo donde habita Parnassus o a los brillantes escenarios mentales llenos de imaginación, que pueden recordar tanto a cuadros de Dalí como a los segmentos animados del "Monty Python flying circus". Me refiero a otros detalles menos evidentes, como ese maravilloso anacronismo del carromato en que la troupe se desplaza por el moderno Londres, o la brillante "escenografía de la escenografía" en el kitsch look inicial del espectáculo o en el re-vamp al que le somete el personaje de Tony. Por cierto, premio a la bizarrería para ese momento musical en el que un grupo de policías travestidos intentan captar a unos mafiosos rusos para la causa satánica.

-El tecnológicamente avanzado espejo-puerta a la mente de Parnassus, al lado Tony captando adeptos-

En cuanto a los personajes tenemos a ese Parnassus, torturado por su inmortalidad y temeroso de las consecuencias que le pueden traer a su familia sus apuestas. El diablo, con un look sacado de un film de los años 40, quien aburrido de la facilidad con la que consigue sus almas, solo los retos que es capaz de plantear a Parnassus parecen sacarle de su monotonía. Tony, ese misterioso personaje que se une al espectáculo, con un montón de misterios por revelar, tantos que sobre él recae la apuesta final entre los antagonistas de la cinta. Así, el conjunto viene a ser una especie de ensayo sobre el poder de la imaginación sobre la realidad, y dada la satánica realidad planteada, no es extraño ver a Parnassus y las elecciones mentales que plantea como una especie de cristianismo pagano. Ya sabemos que este es el tema recurrente en la mayoría de cintas de Gilliam léase "Los héroes del tiempo" ("Time Bandits") o "Las aventuras del barón de Munchausen", pero aquí diría que el asunto se enriquece con otros temas como el saber asumir las decisiones tomadas en el pasado, así como un cierto ensayo pasado de rosca sobre la "ludopatía".

-Tony en versión Jude Law en uno de los imaginativos mundos mentales-

Como vemos, una cinta temáticamente rica, que creo que solo consigue aprovechar parcialmente tan suculentos materiales. La película es visualmente un festival, pero creo que pocos espectadores conseguirán asimilar en tiempo real lo retorcido de su trama cuando ésta se desboca. Aún con todo, me parece lo suficientemente interesante como para darle una oportunidad, y en cualquier caso, me da en la nariz que con un segundo visionado, puede ganar muchos enteros.
Valoración: 6/10

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El Gran Lebowski (The Big Lebowski)

Joel Coen, 1998
"El Gran Lebowski" pasa por ser junto con "Fargo" una de las más perdurables producciones de los hermanos Coen, como mínimo se ha convertido en eso que llamamos película de culto. Cuenta con un personaje tan carismático como el holgazán y pasota "nota" ("dude" en VO), magistralmente interpretado por Jeff Bridges, y con un complejo pero preciso guión que desde las tradiciones del cine negro lleva la historia al terreno propio de los Coen de malhechores torpes e incompetentes. Como vemos, una esencia parecida a su obra anterior, "Fargo", pero si aquella era principalmente una cinta policíaca con un humor negro implícito, "Lebowski" es una comedia de forma mucho más explícita.

La película, como suele ser habitual en los Coen se construye desde unos personajes muy carismáticos, tan genialmente escritos como interpretados. Ya hemos hablado de "el nota", un personaje que ha calado tan hondo que anualmente se celebran convenciones donde los asistentes se disfrazan como el personaje, pero es que además tenemos a Walter Sobchak, ese compañero de fatigas genialmente interpretado por John Goodman, brillantemente retratado en su explosiva calma (por poner dos adjetivos antagónicos que le definen). Y lo mismo podemos decir de los secundarios como ese otro Lebowski "senior" que genera toda la trama (directamente sacado de alguna cinta de Frank Capra o Preston Sturges), la marciana artista interpretada por Julian Moore, y como no, seguramente el personaje más recordado: Jesús, ese pederasta hispano interpretado por John Turturro, al que una escena a ritmo de Gipsy Kings de apenas un par de minutos de duración le ha bastado para pasar a la historia del cine.

-Con todos ustedes "the dude" con su habitual atuendo-

Aparte del momento de gloria de John Turturro, muchas escenas para el recuerdo nos ha dejado esta cinta. Personalmente un momento que no puedo olvidar porque cada vez que lo veo me hace retorcer buscando una mejor protección de mis partes nobles, es ese asalto a la casa de "el nota", donde un tejón mordisquea la entrepierna de nuestro amigo que se está dando un baño en ese momento. También son antológicas esas explosiones de rabia de Walter en la majestuosa interpretación de John Godman, seguramente la mejor de toda su carrera. Pero la culminación de la cinta y seguramente uno de los mejores gags del cine de los Coen es esa escena donde Walter y "el nota" van a un acantilado para lanzar al mar las cenizas de su amigo Donny, para verse sorprendidos por un giro de viento y comérselas literalmente.

-Walter en uno de sus cabreos repentinos por algún punto de más sumado en una partida de bowling-

Pero dejando de lado la trama negra, "El gran Lebowski" es una reflexión sobre una manera de entender la vida, donde los amigos y las actividades de ocio (en este caso el Bowling, del cual se da una imagen completamente idealizada) resultan ser el único motivo vital para unos personajes que han perdido cualquier otra forma de realización personal ("el nota" no parece tener trabajo ni familia). También, la cinta cuenta con momentos bizarros como delirantes ensoñaciones, el personaje de Julian Moore y sus insólitos comportamientos reproductorios, o como no, la presencia de ese narrador desconocido durante buena parte del metraje que da a la cinta una personalidad propia. Así, la principal virtud de la cinta es conseguir engarzar todos estos elementos personales con la compleja trama, sin que la exposición narrativa flojee en ningún momento, creando así algo único, recordado y celebrado de manera entusiasta.

-"The Jesus" en pleno show-

Así pues "The Big Lebowsky" pasa por ser otra maravillosa cinta en el universo Coen, que de momento no daba ningún signo de flaqueza en un a década para ellos absolutamente gloriosa.
Valoración: 9/10



Seguimos con la filmografía completa de los Coen de forma cronológica. Próximamente "O Brother!" (2000), donde los hermanos dan un giro a su carrera con el inicio de la nueva década. Espero publicarlo en pocos días, que este serial va más lento que los trenes de cercanías de RENFE.
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