Premios Mundo Cinefilia (ganamos la medalla de bronce)

El blog Mundo Cinefilia, que realiza una interesante labor difundiendo los esfuerzos de la comunidad bloguera cinéfila, ha estado realizando unas encuestas con el fin de elegir a los mejores blogs de entre los inscritos en su directorio.

El ganador ha sido (merecidamente) Un Blog de Jose Barriga, seguido de cerca por La Cinerrata y a un servidor no se que le han visto pero le han otorgado la medalla de bronce, cosa harto sorprendente para el poco tiempo que llevo y los magníficos blogs que estaban participando.

Bueno en cualquier caso, agradecer a los que me han otorgado votos y a los que me siguen habitualmente. Intentaremos mantener el esfuerzo para seguir siendo merecedores de vuestro seguimiento (no se porque hablo en plural porque esto lo llevo yo solito, pero bueno).

Aquí reproduzco las medallas y diplomas que han tenido a bien otorgarme y que voy a poner hasta en el Curriculum Vitae.

Señales del futuro (Knowing)

Alex Proyas, 2009
Ésta es la historia de un colegio donde se reparten unas cartas enterradas hace 50 años, conteniendo la visión del futuro de los niños de entonces. Una de las cartas es muy especial, contiene solo un largo listado de cifras, y la recibe Caleb, el hijo de John Koestler (un Nicholas Cage actuando como siempre, ni bien un mal). Se trata de un profesor de astronomía que consigue descifrar en la carta un código que ha sido capaz de predecir catástrofes con precisión absoluta, y dónde hay algunas futuras pendientes de cumplir, con lo que se sentirá obligado a intentar evitarlas.

Así que tenemos diversos ingredientes que son expuestos para el desarrollo de la historia: La investigación tanto en el presente como en el pasado hasta llegar a las extrañas circunstancias de la niña que originalmente escribió la carta, el accidentado proceso de descifrado del código, la persecución a que son sometidos los protagonistas por parte de unos extraños personajes relacionados con las predicciones….. un cóctel de ingredientes ya vistos en otros films, pero combinados en una historia hasta cierto punto interesante. No vale la pena buscar una completa coherencia argumental ni una lógica absoluta en los comportamientos de los personajes (empeñados en dejar solos a sus niños en los coches, por ejemplo). Es preferible disfrutar lo que se ofrece (por encima de la media del blockbuster fantástico de turno) que buscarle tres pies al gato. Además cuenta con una sorprendente baza en lo explícito de las mútiples escenas de catástrofes, uno que cree haber visto ya de todo, no puede evitar turbarse ante la minuciosidad del macabro retrato de las masacres, especialmente en la escena de ese accidente aéreo.

-Koestler, a por la siguiente cátastrofe que esta te la has tragado...-

Tal y como está el panorama de producciones de ciencia ficción, estamos ligeramente por encima de la media. Lástima de los citados agujeros argumentales y de la escasa originalidad, pero no se puede tener todo.
Valoración: 5/10
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La Celda (The Cell)

Tarsem Singh, 2000
Bueno, pues desde que hice la reseña de esa maravilla llamada “The Fall” tenía la asignatura pendiente de revisar que nos había ofrecido Tarsem Singh en su única experiencia previa tras la cámara en un largo: El thriller de ciencia-ficción “La celda”.

Por una vez recurriremos al making-off donde Tarsem explica que le interesó el proyecto porque le permitía adentrarse en terrenos donde cultivar la estética y la fantasía y además era una cinta del género de asesinos en serie “que está de moda” (SIC). O sea que no esperéis encontrar un proyecto personal, mucho del metraje se lo debemos a la cintas canónicas del género léase “Seven” o “El silencio de los corderos”. Luego claro, tenemos el componente de ciencia-ficción centrado en esa empresa que realiza conexiones neuronales de tal manera que una segunda (o tercera) persona pueden adentrarse en la mente de otra, aunque ésta se encuentre en coma.

-Maravillas de los mundos virtuales kitsch-

Tengo que decir que mi opinión no ha variado un ápice en este segundo visionado desde que la vi en el momento de su estreno, se trata de una historia algo sobada en cuanto al tema del serial killer retorcido (véase referentes citados). Correctamente planteada y resuelta pero con pocos elementos que realmente aporten un valor diferenciador respecto a decenas de propuestas similares. Así que el principal atractivo de la cinta lo tenemos que encontrar en esas sugerentes imágenes virtuales de la incursiones del personaje de Jennifer López en la mente del asesino para intentar averiguar donde esconde éste a sus víctimas. Ciertamente imágenes cuidadas al máximo desde el punto de vista estético, ora cultivando el kitsch (esas imágenes emulando a una virgen en un marco florido), ora el gótico (la encarnación maligna del protagonista), y bastante lo bizarro (esa machorra en pelotas que no veas como suelta mamporros).

Al final resulta que la vinculación entre los dos ejes de la historia es mínima, y eso le resta eficacia a la propuesta. El discurrir del argumento se sigue con discreto interés, pero en pocos momentos se roza el nivel conseguido en “The Fall”, este sí un proyecto completamente personal de Tarsem sin necesidad de buscar en géneros “de moda”.
Valoración: 6/10
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Cajón de Sastre IV : Mundo Futuro, Intacto, Ángeles y Demonios, Los Abrazos Rotos, Resacón en Las Vegas, Up

Ya sabía que estábais ansiosos por vuestra ración periódica de críticas breves. Ya sabéis, o me da pereza hacerlas más largas, o poco más se puede aportar de títulos de actualidad comentados brillantemente por cienes y cienes de blogueros. Viva lo breve: ¿es o no es mejor una visita de unos parientes que dura poco?, ¿y una visita al médico?, por no hablar de la cola en la panadería o la de la autopista. Lo breve mola, ¿o no?, bueno se me están ocurriendo algunas cosas que tampoco mola que sean breves, pero paso a las películas que ya estoy desvariando....

Por riguroso orden de calidad, aquí les dejo con:


Mundo futuro (Futureworld)
Richard T. Heffron, 1976
Secuela de “Álmas de metal”, y un argumento muy parecido el de esta serie-B donde unos periodistas son invitados a un parque temático futurista que recrea diferentes escenarios de época. Si en la cinta original primaba la acción y el componente científico quedaba diluido en descerebrados giros argumentales, aquí el guión está más trabajado aportando innovadores conceptos para la época como la clonación. Lástima que la película esté realizada con cierta desgana y la trama no acabe por levantar el vuelo, a lo que no ayuda una forzadísima aparición del Yul Brynner robotizado de la primera entrega.
Valoración: 5/10


Intacto
Juan Carlos Fresnadillo, 2001
Vaya propuesta más extraña el debut del señor Fresnadillo (ya sabéis, “28 semanas después” y ahora en la cresta de la ola en los USA). La premisa de partida es bastante bizarra, una serie de personajes tienen la habilidad de transmitir la buena o mala suerte, y van superando una serie de macabras pruebas en las que se apuestan fotos de personas (?) hasta que los elegidos consiguen enfrentarse al líder del tinglado en un bonito duelo a la ruleta rusa. Sinceramente pese a reconocer el talento visual de Fresnadillo, la narrativa de esta cinta no me parece que consiga llevar a buen puerto tan surreal historia, que además se ve condimentada con inconexos dramas sentimentales de incierta relación con la trama principal (aunque al parecer la tienen o es que yo, definitivamente me perdí). De justicia mencionar las meritorias actuaciones de Max Von Sydow y Eusebio Poncela. No descarto revisarla, así que quizá tuve un mal día…
Valoración: 5/10


Ángeles y Demonios (Angels & Demons)
Ron Howard, 2009
Con lo mala que era la novela original de Dan Brown (precuela de "El código da Vinci" y no al revés como nos insinúan aquí), lo mejor que se puede decir de la cinta de Howard es que mejora el referente literario. Así que a ritmo frenético (como en el libro) vamos recorriendo Roma en busca de las pistas sobre los Illuminati. Howard tiene la habilidad de realizar algunas variaciones para sorprender a los lectores de la novela, evitando así alguno de sus momentos más vergonzosos. Por lo demás correctas actuaciones y puesta en escena, para una película que ofrece lo que promete y se deja ver.
Valoración: 6/10


Los Abrazos Rotos
Pedro Almodóvar, 2009
Lástima, francamente me cuesta atribuir la culpa de que “Los Abrazos Rotos” no se cuente entre lo más granado de su autor, porque mimbres los tenía todos. Ese guión es muy bueno y la visión de “cine dentro del cine”, así como su visión de “l’amour fou” y las antológicas secuencias de la lectora de labios eran ingredientes como para triunfar. Ah sí, los actores…. Nuestra amiga Penélope no consigue estar demasiado creíble y el correcto trabajo de Lluis Homar tampoco acaba por emocionarnos como se supone debería hacerlo. Mejor están José Luis Gómez y Blanca Portillo, pero el peso de la historia lo llevan Cruz y Homar. Muy lejos del nivel de “Hable con ella” o “Todo sobre mi madre”.
Valoración: 6/10


Resacón en Las Vegas (The Hangover)
Todd Phillips, 2009
Gran comedia, de las mejores de los últimos años. Y tiene mérito conseguirlo con un esqueleto argumental tan trillado. Pero claro es que el detalle de pasar en un instante del brindis inicial del fiestón a la resaca posterior sin que ni el espectador ni los protagonistas sepan lo que ha pasado es brillante. Y claro a partir de ahí tienen todos los ases en la manga para sorprenderse (ellos y nosotros) al descubrir las inimaginables hazañas de la noche. Buen guión, buenas interpretaciones y algunos gags muy buenos, y otra brillante idea visualizar las fotos de la juerga con los créditos finales, más risas.
Valoración: 7/10


Up
Pete Docter, Bob Peterson, 2009
Poco puedo aportar a todo lo que se ha dicho sobre esta cinta, seguramente la mejor cinta animada de… ¿la historia? Aspectos técnicos aparte comentar que el desarrollo de personajes me parece modélico, y que es una especie de milagro que una película atraiga a espectadores entre 3 y 100 años. Creerme sé de lo que hablo, he visto esta película con mi mujer en un cine lleno de adultos y con mi hijo de cuatro años en una sesión de tarde llena de niños. Sí, la he visto dos veces, y la segunda casi me pareció mejor (aunque el no llevar unas estúpidas gafas que no sirven para nada y restan matiz de color a la imagen puede que ayudara).
Valoración: 9/10


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Flores de Fuego (Hana Bi)

Takeshi Kitano, 1997
"Hana Bi" es la película con la que por fin Kitano triunfa en Europa (León de Oro en Venecia), pese a que ya tenía sobre sus espaldas una sólida e inclasificable carrera. El argumento de la película es bastante simple, Nishi (Beat Takeshi, Kitano en su encarnación de actor vamos), es un ex-policia con algunas cuentas pendientes con los yakuza, pero sus preocupaciones son otras como cuidar a su esposa enferma terminal (Kayoko Kishimoto) o sentirse responsable por el accidente que costó la invalidez a su compañero Horibe (Ren Osugi). Pero no a va ser fácil que le dejen vivir en paz su amargura existencial, un poderoso yakuza le persigue implacablemente.

"Hana Bi" es una película extraña pero de una belleza sin igual. El retrato de la relación entre Nishi y su esposa está realizado mediante una serie de escenas sin apenas diálogo, donde somos testigos de tiernos momentos costumbristas que muestran la complicidad entre ambos. Así, algo tan simple como servir unas tazas de té, o jugar con un tangram se convierten en tiernos momentos a flor de piel gracias a la estupenda planificación de las escenas y a las creíbles interpretaciones. Por otro lado, el retrato de Horibe se nos muestra a través de su torturado arte, del que somos igualmente testigos a través de la concepción, el proceso de realización y los resultados finales de los cuadros. Todas estas obras de arte, de gran belleza, en realidad fueron realizadas por el mismo Kitano durante una larga convalecencia.

-Nishi (Kitano) y Horibe (en silla de ruedas) compartiendo amarguras-

Y el otro gran ingrediente de "Hana Bi" es su banda sonora. Magistral y acertadísimo acompañamiento de las imágenes artísticas, las escenas de pareja de Nishi, y las preciosas panorámicas y paisajes con las que Kitano nos obsequia durante todo el metraje de la cinta. Y claro, el sello personal de su autor a través de un ritmo narrativo lento, casi contemplativo, unas escenas sin apenas diálogo, y un singular tratamiento de la violencia, a través de explosiones de furia que resultan tan poco explícitas como brutales en una combinación difícil de explicar.

-Uno de los cuadros de Horibe/Kitano en los que brillantemente se recrea la cinta-

Así pues, no se trata de otra historia de yakuzas pese a que la cinta contenga este ingrediente. Se trata de un ensayo sobre como la amargura incita la búsqueda de la belleza, algo que vemos reflejado en las dos historias que fluyen paralelamente con poca más relación que su origen y los envíos de material para pintar que Nishi realiza a Horibe de forma periódica. Película extraña, quizá no para todos los paladares, pero creo que pocos quedarán indiferentes ante la belleza de sus imágenes, su preciosa banda sonora, y la amargura que nos transmite su historia.
Valoración: 8/10



Ya sabéis que por aquí gustan bastante los cineastas inclasificables capaces de pasar de la sobriedad narrativa al desfase bizarro-surrealista, y como acabo de visualizar las dos últimas obras de este hombre “Takeshis’” y “Glory to the filmmaker!”, las cuales sin duda merecen un comentario, he decidido hacer un serial donde repasaremos cronológicamente la carrera reciente de este inclasificable cineasta. Así que en breve seguiremos con “El verano de Kikujiro” (1998). .

Brüno

Larry Charles, 2009
No se puede negar que Brüno es un producto cuidado al máximo dentro de lo que propone: una serie de gags rodados (presumiblemente) con cámaras ocultas, con el aliciente de ver las (supuestas) reacciones de personajes famosos ante sus animaladas o asistir a los (presuntos) eventos reales como screenings de programas de TV cafres, sesiones hardcore de intercambio de parejas o increíbles reuniones de garrulos que dicen tener el culo solo para cagar (y ser ese su único leit-motiv). Y por supuesto montones de gags de dudoso gusto pasadísimos de vueltas. Pero la verdad es que me reí bastante en algunas situaciones como el hilarante banco donde se sienta Elton John –hay que haber visto la película para entender esto-, o el screening del programa de TV de Brüno, donde unos puretas evaluadores son sometidos a un pase de penes danzantes entre otras sutilidades.

-Brüno enseñando su hijo adoptivo en un Talk Show-

Otro aliciente son determinados comportamientos puestos en evidencia como los padres que están dispuestos a someter a sus hijos a atrocidades como perder un tercio de su peso en una semana para conseguir un papel en un anuncio, o presenciar las demenciales convenciones “anti-gay”, te hacen reflexionar sobre la estupidez humana y ya sabemos que el blanco favorito de Sacha BaronCohen son los USA. Sin embargo otro tipo de situaciones son pura provocación, como las insinuaciones a sus compañeros de caza o sus “tendencias” en la sesión de intercambio de parejas, son simplemente estirar la cuerda hasta que Cohen tiene que salir por patas ante el peligro inminente de linchamiento. Y francamente, no veo demasiada diferencia con cosas como “Jackass”, de la que muchos de los que alaban a “Brüno” renegarían de inmediato.

-En una fiesta de fornicio justo antes de que la machorra le haga salir corriendo-

Y claro, las tres primeras palabras que he puesto entre paréntesis evidencian que no puedo creerme todo lo que veo, no dudo de que parte del contenido captura reacciones espontáneas y tinglados montados en realidad, pero sinceramente, cuesta creerse que algunas situaciones espontáneas estén capturadas de manera impecable desde tres ángulos distintos si la persona implicada no es consciente de lo que se cuece, lo que en mi opinión degradaría la propuesta, pero claro, tampoco tengo pruebas.

-Brüno con su amigo Diesel sirviendose un cavita de la forma habitual-

Así que puede parecer que no me ha gustado, pero la verdad es que he pasado un rato entretenido, con tres o cuatro momentos en que me he partido la caja de verdad y he flipado bastante haciendo de Voyeur conociendo realidades asombrosas (como esa convención anti-gay donde la gente luce camisetas con el lema “yo tengo el culo solo para cagar”). Pero no puedo dejar de resaltar los problemas comentados en los párrafos anteriores, y sobre todo comentar que esta propuesta tan inclasificable (no es una película de ficción, no es un documental, ¿qué es?, …) no la puedo valorar como “cine”, esto es (buena) televisión vista en cine, así que quedará sin calificar por más que me parezca una buena opción para pasar un rato de lo más entretenido.
Valoración: s/c
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Bienvenido Mr. Chance (Being There)

Hal Ashby, 1979
Peter Sellers es recordado por sus papeles en las sagas de “La Pantera Rosa”, aunque se ganó la gloria con los increíbles cuatro papeles que interpretó en la obra maestra “Dr. Strangelove, or….” (“Teléfono Rojo….”) donde consiguió su primera nominación al Oscar, por no mencionar otras geniales creaciones como el protagonista de “El guateque” (“The Party”) o las olvidadas comedias de la Ealing donde por supuesto brilla con luz propia “The Ladykillers”. Pero por algún motivo, Peter era un actor encasillado por más que había dado muestras más que suficientes de su talento para crear personajes extravagantes, por ello luchó lo indecible para comprar los derechos de la novela “Being There” hasta que consiguió protagonizar esta increíble cinta, su testamento cinematográfico ya que murió prematuramente de un ataque al corazón al poco tiempo del estreno, por más que después de su muerte se estrenaron otras cintas con materiales grabados anteriormente. Con “Bienvenido Mr. Chance” consiguió su segunda nominación al Oscar, que lamentablemente se le volvió a negar.

Mr. Chance es una persona en edad madura que siempre ha vivido con un anciano trabajando de jardinero y que nunca ha salido a la calle. Cuando el anciano muere, se ve obligado a dejar la casa y vagar por las calles perdido completamente (preciosas las escenas de Chance recorriendo la ciudad al ritmo de la versión de “Así habla Zarathustra” de Deodato en clave jazz-rock.). Sufre un atropello y es adoptado por una influyente familia, lo que dará origen a su increíble aventura mediática. Nos podemos imaginar parcialmente la historia de Chance (escondido durante toda una vida y con una deficiencia mental), pero nunca se nos explican los detalles, lo que sin duda hace más fascinante al personaje.

-Chance aún ejerciendo de jardinero en su pequeño mundo-

La película consigue por un lado un retrato humano insuperable de esa persona de la que apenas conocemos unas pinceladas de lo que ha podido ser su vida y que con una filosofía vital sincera e increíblemente honesta va abriéndose camino casi sin querer en los círculos de poder del gobierno americano. Por supuesto que no es ajena al retrato la maravillosa interpretación de Sellers, en una de aquellas creaciones de las que sientan cátedra. Por otro lado la cinta es una crítica feroz, sutil pero mordaz, a la banalidad de la alta sociedad, las esferas de poder y los medios de comunicación. Alguien incapaz de leer y escribir, que reconoce abiertamente cuando le preguntan que solo ve la televisión, es capaz de llegar a lo más alto solo hablando de jardinería. Y el mérito de la cinta es hacer creíble esta maravillosa fábula, siempre anteponiendo el retrato de los personajes, todos ellos fantásticos desde el guión a la interpretación final. Y claro, ese plano final donde vemos a Chance ocupado en sus cosas, replantando un árbol, y finalmente perdiendo la noción entre realidad y ficción mientras entierran a su amigo Ben y los círculos de poder otorgan a Chance el cetro del poder. Maravilloso final para una cinta redonda.

-Peter Sellers / Mr.Chance-

Quizá no era necesario algo tan aparatoso con presidentes de gobierno, el FBI buscando antecedentes, medios de comunicación, etc. El retrato humano de un personaje tan maravilloso daba para llenar toda la cinta, pero no importa, “Being There” supone el broche de oro a la carrera de un gran actor, y por encima de eso, uno de los mejores personajes que hemos podido ver retratados en una pantalla de cine.
Valoración: 9/10
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Daimajin (Majin), Trilogía de un Kaiju olvidado

Desde luego el fantástico japonés clásico es un mundo que parece vetado al cinéfago interesado en sus inusuales propuestas. Sin apenas ediciones en DVD en España, toca recurrir a carísimas importaciones o bien a descargas de lamentable calidad sin doblaje ni subtítulos. Así que por eso resulta maravillosa la decisión de DeAPlaneta de editar una caja conteniendo las tres películas de Daimajin (o Majin como se le conoció anteriormente en España), en versiones con perfecta calidad de imagen y un nuevo doblaje (aunque recomiendo el VOSE, lo enfático del idioma japonés le da mucha salsa a las películas). En el debe de DeAPlaneta debemos mencionar el lío que han conseguido al re-titular las películas (ver el baile de títulos al final del artículo) y además intercambiar el orden de la segunda y tercera películas.

-Cual Hércules, Daimajin encadenado arrasa con todo en la primera entrega-

Daimajin es un monstruo gigante de piedra que cobra vida por variados mecanismos o rituales siempre con el objetivo de restaurar el orden en comunidades donde tiranos están sometiendo a la pacífica población. Por el tamaño de la criatura se podría englobar dentro del género de los Kaiju-Eiga (ya sabéis Godzilla y demás), pero su ambientación en época de samurais, hacen de estas películas un original híbrido entre los Kaiju y el cine característico del Japón feudal.

Desde luego se trata de un caso más que curioso porque las tres películas se estrenaron el mismo año (1966) durante un lapso de ocho meses y fueron rodadas de forma casi simultánea por reputados directores nipones. Se trataba de una iniciativa de la productora Daiei que buscaba argumentos para competir con Toho (artífices de las cintas de Godzilla y la productora Japonesa más potente de la época). Y no escatimaron en recursos: Las tres cintas están rodadas en un magnífico scope en color, haciendo gala de un espléndido diseño de producción, preciosas localizaciones naturales, competentes actores, y brillantes efectos especiales, nada que ver con la cutrería de la que ya por aquel entonces empezaban a hacer gala algunos Kaiju de Toho.

-Bíblico, ¿no?-

Lo extraño (o no tan extraño atendiendo a la idiosincrasia del país y la época) es que las tres películas mantienen un esquema argumental casi idéntico: La presencia del monstruo tiene atemorizada a la población que sin embargo se ve sometida por un tirano en lugar de por la criatura. Después de luchar sin éxito, como recurso desesperado invocan a la criatura (de forma explícita o metafórica) para que ésta despierte de su letargo pétreo, procediendo a aplastar al ejercito villano destrozando todo lo que pilla por delante (sin sutilezas, vamos). Pero pese a tener una estructura argumental similar, el interés se mantiene porque las ambientaciones son diferentes y la historia tiene interesantes matices en cada caso.

-El amigo en modo letargo durante el viaje de los niños en Daimajin gyakushu-

En “Daimajin” el monstruo está aletargado en la ladera de una montaña donde se refugian los legítimos descendientes de un trono arrebatado por la fuerza. Cuando están a punto de ser apresados, las lágrimas de la virginal doncella de turno despiertan a la criatura. Esta cinta no es precisamente infantil y al contrario que la última de la serie, tiene momentos de bastante violencia. En “Daimajin ikaru” nuestro amigo reposa en el interior de una isla, haciendo una espectacular aparición separando las aguas cual Moisés para socorrer a una princesa que está siendo crucificada (como véis las referencias catolíco-bíblicas estás extrañamente presentes) por el ejército de un tirano. Y por último quizá la que se aparta más de este esquema es “Daimajin gyakushu”, donde unos leñadores han sido raptados por un señor feudal que quiere construir una fortaleza en un lugar remoto desde la que someter a los poblados vecinos. Cuatro niños se escapan para buscar a sus familiares raptados, siendo el único camino para llegar el que discurre por la cima de la montaña donde reposa Daimajin. El tono de esta cinta es cercano al cine de aventuras, y el recorrido de estos niños por bellos escenarios naturales mientras huyen de sus perseguidores está realizado de forma brillante. Además, se añaden toques fantásticos durante el metraje que no restringe este aspecto a la aparición final de Daimajin, que en este caso vuelve a ser espectacular al realizar su “trabajo” en un entorno montañoso completamente nevado.

-Daimajin apareciendo en la invernal batalla de la tercera entrega-

Así que creo que cualquier aficionado a las aventuras fantásticas y/o al cine de samurais disfrutará la propuesta, ya que como he comentado, es común a las tres cintas el gran trabajo en las interpretaciones, un elaborado guión (por más que la premisa base nos pueda parecer simple), y un acertado trabajo visual.


“Daimajin, el dios diabólico” (Daimajin)
AKA:”Majin el grande”
Kimiyoshi Yasuda, 1966
Valoración: 8/10

“El contraataque del dios diabólico” (Daimajin ikaru)
AKA:”La cólera de Majin”
Kenji Misumi, 1966
Valoración: 7/10

“La ira del dios diabólico” (Daimajin gyakushu)
AKA:”Majin contraataca”
Kazuo Mori, 1966
Valoración: 8/10
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