"¡Viva el vino!" (Mariano Rajoy, 2007)

El Abonimable Dr. Phibes (The Abominable Dr. Phibes)

Robert Furest, 1971
Pequeño gran clásico de la entrañable American International Pictures del infame Samuel Z. Arkoff cuya fórmula conocida para hacer pasta con sus series-B era : Acción + Controversia + Asesinato + Verborrea + Fantasía + Fornicación. Y aunque su reino eran las series B, en "Dr. Phibes" estamos ante una serie B desahogada de presupuesto, no hay cutradas y el diseño de producción es más que digno. Rectifico: No hay cutradas si descontamos la banda de autómatas-músicos de Phibes que son un poco cutrongos.

Pero no empecemos la casa por el tejado y expliquemos que esta cinta versa sobre un "Mad Doctor", que ha tramado un maquiavélico plan para eliminar a todas las personas que intervinieron en una desgraciada operación en la que falleció su esposa. Pero no ha tramado un plan cualquiera: Cada asesinato sigue las plagas del antiguo testamento para plantear sus crímenes: plagas de ratas, langostas, granizo, sangre.... muestran uno de los catálogos de asesinatos mejor planteados de la historia de la serie B fantaterrorífica.

-El amigo Phibes hablando mediante su cacharro (véase conexión laríngea)-

El rey de la función es por supuesto el inigualable Vincent Price en un papel antológico (y eso que no habla sino a través de un aparatillo que se conecta a la garganta). Pero sus monólogos ante el espejo son antológicos. Igualmente poderoso diseño de producción con ese laboratorio extraño que más parece un teatro donde el ex-músico Phibes se entrega con delirio a sus interpretaciones de órgano vestido con esa capa negra en escenas impactantes.

Unos muy dignos efectos para lo que se podría esperar y sobre todo una gran economía narrativa, reduciendo el argumento a lo meramente funcional (y ni falta que hace nada más), permitiendo hilvanar esta pequeña gran historia que tantos años después sigue funcionando como el primer día. Por cierto que hay por ahí una secuela que creo no está mal y que amenazo con revisar.
Valoración: 7/10
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Cajón de Sastre VII : Arrástrame al Infierno, Alien Nación, Pagafantas, Ponyo en el Acantilado


Bueno pues mientras retumba en mis neuronas la canción de "Ponyo" (maravillos película y bonita canción, pero no dejéis a criterio de un niño de cuatro años las veces que hay que escucharla), aquí os dejo con las reseñas "cajondesastrizables" de los últimos días. A disfrutarlas y en caso de reclamación podéis hacer la cola habitual ante el departamento de reclamaciones del blog situado en la decimosexta planta de nuestra redacción o bien.... dejar un comentario.


Arrástrame al infierno (Drag me To Hell)
Sam Raimi, 2009
Pues una aceptable comedia, moviéndose entre el humor negro o directamente el slapstick. Ah! ¿que no es una comedia?, pues lo siento pero es la única manera en que puedo mirar a esta película y que medianamente se aguante. ¿Terror?, ¡venga hombre!.... Dicho esto, la película se sostiene precisamente gracias a su espíritu de serie B y a no tomarse en serio a si misma para nada. De hecho podríamos decir que es algo tan parecido a "Evil Dead" (versión light con auto-homenajes incluidos) que no se si aparte de Raimi alguien necesitaba esta película. Pero bueno, los ojos disparados, la cabra poseída "cabreada" y alguna que otra idea loca más pueden alegraros una tarde aburrida.
Valoración: 5/10


Alien Nación (Alien Nation)
Graham Baker, 1988
Desde que ví "District 9" tenía ganas de revisar esta interesante propuesta ochentera, con un punto de partida muy similar. De hecho es tan similar que los tres o cuatro primeros minutos son idénticos, con un programa de TV que explica exactamente lo mismo... ¿plagio?. Los aliens se están integrando en la sociedad y cuando se ven involucrados en unos asesinatos, asignan a uno de ellos como pareja de un detective para investigarlo. Así que tenemos una buddy-movie donde pesan mucho más los elementos policíacos que los de ciencia-ficción, y pese al sano espíritu (y presupuesto) de serie B, la trama acaba siendo algo convencional y previsible. Unos buenos actores (muy bien James Caan) salvan los muebles. Por cierto, genial juego de palabras en el título que funciona igual de bien en inglés o en español.
Valoración: 5/10


Pagafantas
Borja Cobeaga, 2009
Reconozco ser un completo pagafantas y que me han hecho "la cobra", "el lemur" y "el koala" en repetidas ocasiones. No se si la completa identificación con el protagonista y sus problemas para "mojar" habrá influido en algo, pero la verdad es que esta película me parece una propuesta de lo más divertida. Y eso pese a que el argumento está más visto que el tebeo, pero el ingenioso guión, y las buenas interpretaciones de sus protagonistas hacen pasar un rato realmente divertido sin mayores pretensiones. Cobeaga lleva su propuesta hasta las últimas consecuencias haciendo sufrir a su protagonista quizá más de lo razonable, pero Otxoa lo hace tan bien que cada revés que recibe nos divierte cual show de clowns.
Valoración: 6/10


Ponyo en el acantilado (Gake no Ue no Ponyo)
Hayao Miyazaki
Una película que consigue dejar encantados tanto a adultos como a niños de cuatro años (mi hijo) tiene que tener algo especial. Para un adulto, solo la canción infantil de los créditos finales te hace volver a la realidad, mientras que hacer atractiva para un niño esta versión de "La Sirenita" con complejas connotaciones mitológico-ecologistas solo está al alcance de un maestro. Lo de Miyazaki es antológico: como siempre exhuberante a nivel visual, derrochando imaginación, y creando personajes interesantísimos en una preciosa historia. Muy destacable también la dinámica (y preciosa) banda sonora. El autor de obras maestras como "La princesa Mononoke" o "El viaje de Chiriro" nos regala una propuesta más digerible sin perder un ápice de frescura.
Valoración: 8/10

Lisztomania

Ken Russell, 1975
Durante mucho tiempo "Lisztomania" fue para mi simplemente un álbum de Rick Wakeman (ya sabéis, el teclista de la genial banda de rock sinfónico "Yes"). Y pese a que nunca entró entre los pocos álbumes de su prolífica discografía que me gustan, la búsqueda de la película para la cual ese álbum ejerce de banda sonora ha sido para mi poco menos que una obsesión. Y vaya si valía la pena la búsqueda, pero vayamos por partes:

Empezaremos hablando del Señor Ken Russell, autor cuyas cintas más conocidas son seguramente "Tommy" (1975) y "La pasión de China Blue (Crimes of Passion)" (1984), obras como veis de todo menos convencionales, pero es que la especialidad de este señor durante los años 70 era crear bizarros 'biopics' sobre compositores clásicos, con conceptos absolutamente extraños. Y pese a declararme desconocedor de esta filmografía, el desfase visto en "Lisztomania" me va a hacer continuar siguiéndole la pista a este hombre, vaya que sí.

-Es lo que tiene tener tantas fans...-

Para los desinformados (entre los que me incluyo, que yo de clásica estoy pez, para eso está Mr. Lombreeze), Franz List fue un auténtico revolucionario de la técnica interpretativa del piano, dando giras por toda Europa haciendo demostraciones, creando innovaciones técnicas para el instrumento, e incluso "retando" a otros pianistas intentando demostrar quien era el mejor, juego al que se prestaba el mismísimo Chopin. Además Liszt interaccionó con la mayoría de grandes compositores de su época hasta el punto de que Richard Wagner se casó con su propia hija.

Pero vamos a lo que nos interesa, la película sobre Liszt es una auténtico desmadre bizarro-surrealista en la que la palabra "exceso" se queda corta. Toda ella es un auténtico y delicioso delirio lleno de humor y mala leche. Veamos: Se nos presenta a Liszt como una auténtica estrella del rock, con su audiencia de jovencitas histéricas, grouppies, etc. Un día nuestro amigo se va a San Petersburgo, donde entabla relación con una noble que le provoca delirios tales como "sufrir" una erección de tal calibre que cinco señoritas pueden usar su miembro a modo de medio de transporte.

-El amigo protagonista, luciendo verga y usos alternativos-

Pero es en el personaje de Richard Wagner donde la bizarrería, weirdness, frikismo, o el palabro similar que más os guste toma su máximo esplendor. Wagner plagia la música de Liszt y por ello es representado como un vampiro que crea su propia religión disfrazado de supermán y adorando a un extraño monstruo devora-vírgenes. Pero para cuando Wagner muere y se reencarna en un zombie-nazi con aspecto de Hitler que ametralla judíos, es para cuando mis seguidores varones van a tener que recoger las pelotillas del suelo (a las chicas no se que os pasará, pero seguro que algo). Y si además para terminar, Liszt controla una nave espacial impulsada por los efluvios de sus amantes casi mejor que no insista más sobre las virtudes bizarras de la cinta. Y eso que no he dicho nada de las intervenciones mega-freaks de Ringo Star o el mismísimo Wakeman....

-Con todos ustedes: ¡Richard Wagner reencarnado en zombie nazi!-

No he mencionado que el protagonista es Roger Daltrey, quien nos ofrece una colección de poses y caretos similar a lo que ofrecía en "Tommy", pero a cambio rinde unos temas musicales que desde luego funcionan mucho mejor en la película que por separado en una banda sonora conteniendo las reinterpretaciones de Rick Wakeman de obras de Liszt y Wagner, ya sea "a pelo" pianístico o con potentes ráfagas de sintetizador setentero (sin contar el kitsch numerito disco que acompaña la escena de la nave espacial).

-El sistema de propulsión de la nave espacial-órgano de Liszt: en cada tubo una señorita...-

Así que no puedo dejar de recomendar esta maravilla del exceso, esta obra maestra de la bizarrería, este auténtico decálogo del descerebramiento cinéfilo, que sin embargo tiene su miga (ahí tenemos por ejemplo ese Wagner nazi, y a poco que se investigue Wagner era efectivamente antisemita). Es relativamente fácil encontrar temáticas parecidas en el cine de serie Z, pero encontrarlo en una cinta de serie "A" (fue la siguiente que Russell realizó después del exitazo de "Tommy") y realizada con total elegancia y con tan imaginativo y rico diseño de producción es un autñentico puntazo. Recomendadísima.
Valoración: 7/10
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Bloggers vs Críticos (Noviembre'09)



Bueno, pues tanto repasar películas de los hermanos Coen, Kitano, Herzog, alguna que otra novedad, cajones de sastres varios y alguna que otra frikada, pero ha llegado la hora de inventar alguna sección nueva molona, que sin innovar esto del blogueo se acaba haciendo aburridillo. Así que mensualmente vamos a poner a un lado del cuadrilátero a la crítica más sesuda y para ello vamos a tomar el "cuadro crítico" que resume las votaciones de los críticos que escriben en la revista Dirigido, que para mi es la única con un mínimo de criterio, y luego intentaré comparar con las "corrientes críticas" de lo que voy leyendo por ahí en los blogs cinéfilos.

Empezamos con el resumen del cuadro crítico del número de Noviembre, ordenado por media de votos, he prescindido de ponderar según número de votaciones para no complicar la cosa. También se incluyen los votos mínimos y máximos y el número de votaciones para cada película. Hasta la lista de notas tenéis por si a alguien le da por hacer modelos estadísticos basados en la teoría del caos :



Bueno, pues empezamos por la zona verde (nota superior a 3 o de "Buena" para arriba), donde encontrarse la frikada de autor de Jarmusch en el primer puesto destacado tiene su punto, pero lo que a mi me mola de verdad es esa segunda plaza de "El Imaginario del Dr. Parnassus" incluyendo un voto de ¡Obra maestra!, muy por encima de las valoraciones blogueras.

En la zona tibia ("Se puede ver") de la tabla encontramos "Katyn" con valoraciones parecidas a las blogueras, pero sorprende la relativa indiferencia para "El secreto de sus ojos" que resulta que según los blogs uno diría que es una obra maestra unánime. Para "La huérfana" y "[Rec 2]" diría que similar valoración bloguera-crítica, y abajito de la tabla encontramos a WoodyAllen , que parece que los críticos no lo tienen en tan buena estima como los bloggers.

Y atención a la zona baja ("Flojas"), donde además de las previsibles "Los Sustitutos" y "Gamer" nos llevamos el sorpresón de encontrar la muy bien valorada en blogs "Moon", mientras que "Ágora" se lleva un pedazo de rapapolvo de los que hacen época (¡dos ceros y tres unos!), mientras que las críticas blogueras, pese a un cierto sector indiferente, en general han sido tirando a positivo.

Y aquí acabamos el ejercicio, que si os ha molado repetiremos mes a mes. Ya véis, críticos y bloggers somos diferentes, aunque creo que nadie lo dudaba....

El enigma de Kaspar Hauser (Kaspar Hauser)

1974, Werner Herzong
La siguiente película imprescindible de la carrera de Herzog tras la maravillosa "Aguirre, o la cólera de Dios" es ésta "Kaspar Hauser". Herzog se sintió atraído por la historia real de este personaje, recluido en una gruta durante varias décadas desde su nacimiento, y puesto a vivir en una sociedad incapaz de hacerle sentir integrado. Como Aguirre, un personaje extremo y nada convencional, tema recurrente en el cine de Herzog.

El argumento de la cinta se basa pues, en la reclusión de Kaspar. No sabemos el motivo ni quien es el misterioso personaje que le alimenta y un día lo libera en el centro de Nüremberg con una carta en la mano dirigida al capitán de caballería pidiéndole que se haga cargo de él. Kaspar acaba recogido por una familia de campesinos y hace sus primeros pasos en el proceso de adaptarse a vivir en sociedad, pues es incapaz de hablar, comer, mantener unas mínimas normas sociales, etc. Finalmente la familia no puede hacerse cargo de él y Kaspar acaba en una feria donde se le exhibe como rareza humana junto con otros freaks. Aterrorizado escapa y consigue ser recogido por una familia de nobles, donde aprende a escribir, tocar el piano, etc. Pero nunca consigue una plena aceptación social ni llega a entender las normas de convivencia formalmente aceptadas como la religión, por ejemplo. El misterio sobre los orígenes de Kaspar se mantiene toda la cinta, y ni siquiera su trágica resolución ayuda a descifrar el misterio (por otra parte algo lógico teniendo en cuenta que Herzog se documentó en profundidad sobre el caso real, y ésto nunca se aclaró).

-"Me han dejado aquí tirado con esta carta en la mano"-

Herzog, rueda con un estilo naturalista, usando actores semi-profesionales (el protagonista Bruno S. hace un gran trabajo y ni siquiera había trabajado como actor antes de esta cinta), y creando unos entrañables personajes secundarios en las figuras de esos oficiales del pueblo, o los nobles que le adoptan y tratan de educar. Visualmente hay un interesante trabajo de composición en las muchas escenas conteniendo personajes alrededor de Kaspar como si se tratara de obras pictóricas del siglo XIIX (cuando se desarrollan los hechos). Esta vocación pictórica se mantiene en las viñetas de un par de minutos que cada poco tiempo nos obsequian con imágenes naturales tratadas de tal forma que parecen cuadros expresionistas, en bellos momentos que ayudan a sostener el difícil ritmo de la narración (frecuentemente lento, especialmente al principio) y a disfrutar de la excelente banda sonora que complementa los pasajes de los ya habituales Popol Vuh, con fragmentos de compositores clásicos.

-Las mascotas son un gran recurso para momentos de cautividad-

La cinta es una reflexión sobre las convenciones sociales y la decadencia de una sociedad incapaz de aceptar a alguien diferente. En las escenas finales, una vez que Kaspar ha conseguido un cierto grado de inserción social, éste reconoce públicamente que estaba mejor en la cueva que entre la gente. Es brillante en este sentido la escena de la feria donde Kaspar se exhibe como monstruosidad comparable a osos amaestrados y adivinadores varios. Nuestro hombre no puede más que huir atemorizado ante la puesta en evidencia de unos formalismos sociales lamentables. Y para acabar y terminar de plasmar lo que Herzog quiere contarnos, resulta que en la autopsia final que le realizan a Kaspar, los médicos se empeñan en buscar una explicación física a su historial, encontrando pequeñas anomalías en el hígado que prentenden explique su comportamiento. Es evidente con lo que Herzog nos muestra, que lo que Kauser padecía era autismo, y este hecho era tratado de la hipócrita forma que tan magníficamente se nos explica.

Creo que es una película muy interesante por más que piense que su ritmo es excesivamente lento (especialmente en su primera hora), pero las interpretaciones son de primer nivel, y la manera de rodar de Herzog y la fuerza de la historia merecen sin duda darle un visionado. Esta película comenzó el largo historial de premios de la carrera de su realizador ganando el premio especial del jurado en el festival de Cannes de 1975.
Valoración: 7/10
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Mary & Max

Adam Elliot, 2009
"Mary & Max" es una película australiana de animación rodada con la técnica stop-motion, que supone el debut en largo de Adam Elliot, un animador que ganó el Oscar al mejor corto animado en 2003 por "Harvie Krumpet" (podéis ver el corto en ese enlace). "Mary & Max" ha sido un gran éxito allá donde se ha estrenado (aún sin fecha de estreno conocida en España) y cosecha maravillosas críticas por doquier. ¿Hay para tanto?: Pues sí, no me cabe duda de que en el momento de su estreno esta cinta va a captar las mayores atenciones.

"Mary & Max" es una historia aparentemente simple pero que encierra una gran profundidad y contiene un extraordinario retrato de sus dos maravillosos personajes principales. Mary es una niña australiana con problemas de convivencia, no tiene amigos y sufre burlas de sus compañeros de colegio. Un día se le ocurre intentar conseguir un amigo por correspondencia y escribe a Max, un hombre maduro que vive en Nueva York. Pero Max es un hombre con muchos problemas: Obeso, sufre frecuentes ataques de ansiedad, depresiones, está completamente solo, ..... La película es una hermosa historia acerca de la amistad entre estos dos improbables personajes que no se conocen, únicamente sabemos de ellos a través de las cartas que se van enviando donde relatan sus experiencias vitales.

-Mary ante su vía de escape-

En los aspectos técnicos, la cinta es impecable. La animación está cuidadísima y lo mismo podemos decir de los maravillosos escenarios y maquetas, a la altura de cualquier cinta puntera del stop-motion (pueden venir a la mente los estudios Aardman por ejemplo). Además se hace un particular uso del color: El mundo de Max es en un blanco y negro que resalta lo miserable de su existencia, aunque algunos elementos que le aportan esperanza (como los regalos de Mary) podemos verlos en color, mientras que el mundo de Mary lo vemos en una tonalidad marrón (acaso ante la mayor esperanza de su vida). En general el diseño de los personajes y el look visual es fabuloso. Y puestos a resaltar aspectos formales, la banda sonora es imprescindible realce para la fuerza de la historia narrada.

-Max: Solo hay que verle la cara para entender-

Pero el auténtico poder de esta maravilla, es transmitir tanta amargura y a la vez tanta esperanza en la historia de estos dos perdedores, auténticos outsiders sociales apartados de la sociedad por ser diferentes. Cada carta que se envían, supone para el otro casi el único motivo vital, y el vehículo a través del cual su director nos hace llegar a querer a estos dos personajes, muñecos de plastilina con más personalidad que el 90% de personajes de carne y hueso. La película es dura, no apta para niños desde luego, temas como el suicidio, el alcoholismo o la diferencia sexual, están muy presentes.

Así que una gran sorpresa, y una sincera recomendación. Una cinta que nos hará reflexionar sobre nuestro lugar en el mundo y nos asustará un poco mostrándonos realidades que tenemos ante nuestras narices y que frecuentemente negamos.
Valoración: 9/10
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Lista mejores blogs de cine (Wikio)

Los compañeros del portal indexador de blogs Wikio, me han hecho llegar la clasificación de popularidad de blogs de cine que confeccionan según enlaces detectados, referencias, etc.

Aquí está la nueva lista que saldrá publicada los próximos días:

1Blog de cine
2Cine en Espectadores.net
3Extracine
4El blog del Chacal
5Dentro Cine
6Tu Blog de Cine
7Uruloki
8Actualidad Cine
9Sobre el Mundo del Cine
10Pasión por el cine
11Cine Palomitas
12Peliculas.info
13Notas de Cine
14Nachovigalondo
15Estrenos del Vidente Africano
16Cine VIP
17El Guionista Hastiado
18Cinencuentro.com
19VayaCine
20El Blog de cine Español
21Cinemascomics.blogspot.com
22Abandonad toda esperanza
23La Calle Morgue
24Kinovisio
25El mundo de Angel
26El hombre perplejo
27The Quatermass Xperiment
28Cine de Horror Colombia
29Cine y Política
30Tierra de Cinéfagos
31El Lado Oscuro del Celuloide
32No es cine todo lo que reluce
33Traslaspuertas
34Switch Off And Let's Go
35GUIÓN ORIGINAL
36Tarantinospain
37Moonfleet
38Cinemocho
39Afición por y para el cine
40CINERAMA

Presentado por Wikio

Gracias a la gente de Wikio, y a los blogueros que no estáis inscritos ahí... ¡ya tardáis!

Brother

Takeshi Kitano, 2000
Despues de las poco convencionales "Hana-Bi" y "El verano de Kikujiro", Kitano consigue montar una coproducción internacional que le permite rodar su primera película fuera de Japón. Para mostrarse al público global, decide realizar una apuesta bastante más segura que sus producciones previas, optando por realizar una clásica visión del crimen organizado, con un argumento no demasiado alejado de los clásicos del género: “Brother” es la historia de Aniki, un yakuza que debe exiliarse tras huir de bandas rivales japonesas. Acude a Los Angeles donde su hermano hace trapicheos con algunos amigos. Con la ayuda de Aniki, conseguirán ir subiendo en el escalafón de bandas, hasta hacerle sombra hasta a la mismísima mafia con la que tendrán una violenta guerra.

Como vemos, un argumento no demasiado original, y que además peca de querer ser un catálogo de escenas violentas originales. De alguna manera "Brother" es una carta de presentación de Kitano ante un público internacional que no conocía su particular estilo causa-efecto de mostrar la violencia, y os aseguro que el catálogo de asesinatos, asaltos, hara-kiris, decapitaciones, dedos cortados, y usos alternativos de los palillos es tan amplio como quizá excesivo.

-Aniki y su interracial grupo posando entre tiroteo y tiroteo-

Pero Kitano se mantiene fiel a su manera de entender el cine, y su manera de rodar, pausada, buscando siempre encuadres preciosistas que contrasten con las explosiones de violencia o los conflictos de los personajes sigue ahí y por eso la película se mantiene siempre a buena altura. Quizá otro inconveniente es que Kitano quiere llevar también al extremo su personaje clásico en ese yakuza inexpresivo sin casi diálogo, por lo que su personaje queda apenas esbozado siendo complicado empatizar con él. Hay una escena clave en la cinta: Después de muchos lances salvados con total precisión, Aniki se pasa de listo en una situación en que su mujer es retenida por mafiosos rivales, y eso le hace cambiar su paradigma vital demostrándolo en un final no por tópico menos bello.

-¿Que va a pasar ahora?-

Ya que esta vez el compositor Hisashi está correcto pero no destaca como en otras cintas, daremos la mención especial al reparto interracial que hace un muy buen trabajo. En resumen, esta vez el nivel de originalidad está más contenido, lo cual no hace que la película sea ni mucho menos mala, pero tampoco me parece tan imprescindible como sus predecesoras. Eso sí, los aficionados a las películas mafiosas tienen aquí una cinta infaltable, y en cualquier caso puede ser también un buen punto de partida para iniciarse en el universo Kitano.
Valoración: 7/10


En breve en esta serie sobre la filmografía reciente de Takeshi Kitano, "Dolls" (2002) o la siguiente vuelta de rosca de este siempre inquieto autor.